A German director Doris Dörrie’s third film in her trilogy on Japan, Cherry Blossoms, is an exquisite, absorbing and deeply moving meditation on life, death, loss, loneliness and grief.

Talking about old parents with alienated and indifferent descendants, the first half of the film may remind the audience of Yasujiro Ozu’s film made in 1953, Tokyo Monogatari. The six hugging-or-massage (by family members and strangers) scenes and the father’s harmonious relationships with his daughter’s girlfriend and a Japanese girl successfully highlight the poor relationship between the father and his children.

The second half in which the main character embarks on a reflective journey in search of traces of the deceased love captures the mood of Lost in Translation and Riding Alone for Thousands of Miles. The cultural shock experienced also makes the film distinguishable from Under the Sand.

Cherry blossoms and Mount Fuji symbolize the fleeting and unpredictable nature of life. The film delivers a message that we should treasure the people around us, pursue our dreams and enjoy life to the full so that we will have no regrets. Besides, it is also about the main character’s inability to communicate with not only the dead, but also the living family members. Butoh, a Japanese dance, helps people to feel and establish connections with others. What’s more, the audience can pay attention to the symbolic meaning of the drawings at the beginning of the film and the photos at the end.

The cinematographer and the composer also succeed in evoking different tones from several shooting locations in Germany and Japan. The suburbs contrast sharply with the hustle and bustle of city life. Apart from the haunting visual images and the Japanese music playing upon the audience’s heartstrings, the characters are so lifelike and well-acted that the audience will care about what happens to them.

On the whole, although Cherry Blossoms is a bit too long, without emotional bludgeoning or syrupy manipulation, it is a sincerely made road movie producing, in a whisper, emotional resonance and reflective ripples.

Kenji Chan

不同類型人物的連鎖效應

曉龍

導演寧浩的舊作《瘋狂的石頭》注重人物與人物之間的關係，一個人的際遇與另一個人的命運串連在一起，那個人的經歷又與另一人身邊發生的事情產生密切的關係，這種多重糾結的關係網，複雜難解，能使觀眾發揮無限的想像力，猜猜誰與誰會產生關係，他與她與他又如何互相牽引，甚至估計關係產生後會如何影響整個故事的發展，故事的進展過程又如何帶動命運錯綜複雜的變化，當中的奧妙之處怎樣與現今中國的發展拉上關係，以及其如何從側面反映社會的真實情況。新作《瘋狂的賽車》同樣在人物與人物之間的關係上著墨，把黑社會人物、警員、賽車手及商人四種人物拉在一起，這四種人物本來「各不相干」，但在因緣際會下，他們竟走在一起，其相互糾結的關係帶動著整個故事的非直線變化，像「變魔術」一樣的情節，使命運歷程中牽一髮動全身的「蝴蝶效應」成為全片最堪玩味，亦同樣是其最具觀賞價值之處。

寧浩具有強烈的社會觸覺，拍攝每一齣電影前，必定會做足資料蒐集，把現今中國人的心態及其生活狀態折射在銀幕上，讓觀眾產生共鳴，亦使他的作品具有濃烈的作者風格，在大城市小故事的前提下，挖掘當今中國人活在市場經濟的環境下迅速轉變的個性特質，包括傳統儒家道德觀念的消失，盲目追逐名利的功利主義思想的出現，以及情義日益淡薄的整體趨勢，藉此描繪現今中國社會的面貌和生態，使其成為一齣富有本土特色的地道中國電影。《瘋狂的賽車》內不同類型人物的連鎖效應，正反映中國人在市場經濟的發展下，在任何情況發生之際，仍不可能獨善其身，當某一問題在其中一個人身上出現時，另一個人亦會受到牽連，無論那個人願意與否，總會無時無刻捲入千變萬化的「大氣漩渦」內，身不由己的感覺突然而至，無奈而不安的情緒讓每個身陷囹圄的角色皆在挫折中奮力掙扎，例如車手耿浩用盡所有辦法，力求擺脫被冤枉犯罪的嫌疑；商人李法拉試圖掩飾自己的罪行，想盡辦法嫁禍別人等行為，都是當代中國人從正途/歪路自保自救的手段，不論其所選擇的方法合乎道德標準與否，這肯定是中國人善於在逆境中求存的頑強意志的最佳證明。

資本主義使人敗壞，《瘋狂的賽車》內富商家庭中夫殺妻、妻殺夫的行為固然反映其道德水平的低落，當中倫常關係內情與義的消失，亦同樣反映中國人在市場經濟高速發展下情感淡薄如水，在關係建立的過程中只講求利益而完全忽略人情的弊病。在現今的中國社會內，人們的物質生活得到很大的改善，生活質素亦得到前所未有的提升，《瘋狂的賽車》卻刻意瞄準其在很多時候備受忽視的問題，揭露現今衣著光鮮的中國人背底後自私自利而「鐵石心腸」的醜態。

生與死，是個很沉重的問題。因何生?緣何死?很多人窮一生也參不透其中道理。打過韓戰殺過人，相依老伴終去逝的Walt，面對過相識的，不相識的無常生命，經歷過為生存而拼過你死我活，對生與死，自有一番過人的體會。

經歷使他對任何人也保持疏離和藐視，在他的眼中，兒子是貪財而賣外國汽車的叛國Sales，親戚是覬覦他的財產的繼承人，苗族鄰居(Hmong)是非我族類的落後民族，神父是乳臭未乾，不知生死的神學院書蟲。他每天的生活，就是守護著自己的家園，不讓任何人恣意踏足他門前的花園。

一切，都因那輛Gran Torino而起。

意外讓Walt成為了鄰舍間的英雄，苗族人的熱情招待逐漸使Walt 融化，苗族古惑仔卻對他們窮追不捨。Walt在一次狠狠教訓他們後，鄰居卻遭到更凶殘的報復，如何才能夠平息風波?當以為是又一次的英雄復仇記時，結局卻出人意表。

驟眼看來，故事似和生死無關，然而當中的意思都盡在弦外，加強了戲劇性，少了說教的意味，作品好看處也在於此。而電影的風格也由哀傷抹去沉重，但當中的鬱鬱之感還是揮之不去。電影海報選用一片黑色，可說是配合了電影的風格。近年Clint Eastwood 執導的作品，海報多以黑色為主，反映了他個人晚年的心態。

2008年的這套《驅.逐》，由Clint Eastwood 自導自演的這一名老兵，是饒有意味的。人活到了一個年紀，對生命自有一種體會，將所思所想化作電影，電影和角色有了生命，才能成為佳作。Walt這個角色，Clint Eastwood是不二之選，一夫當關獨挑大樑，不用其他名氣綠葉，一樣綽綽有餘。換上了No Country for Old Men(港譯《二百萬奪命奇案》)的Tommy Lee Jones，一演不出那份死生驅逐的神髓，二沒有獨領風騷的魅力。

Clint Eastwood在荷里活，是一個品牌。由他執導的作品風格，跟年紀相若又飲譽全球的名導Woody Allen，風格迥異。前者的作品寫實而深沉，由03年起的Mystic River (港譯《懸河殺機》)，電影風格都一脈相承。後者戲劇成份較重，以荒誕幽默看人生，這方面在電影的結局尤其能夠反映出。近年幾套在港上映的Woody Allen作品，如Hollywood Ending、Melinda and Melinda 及Match Point等等(港譯《荷里活大結局》、《美蓮達與美蓮達》、《迷失決勝分》)，都是脫離現實之作。Clint Eastwood比Woody Allen年長幾歲，老而彌堅，將生死對錯的感悟化做一部又一部細膩動人的作品，如Million Dollar Baby和Changeling (港譯《擊情》和《換命謊言》)，都是膾炙人口之作。反而Woody Allen越老越嘮叨了，近作Vicky Christina Barcelona，絕對是疲態畢露。

果醬

《總之得就得》

文／喬奕思

（自由撰稿人。喜歡黑暗中發光的事物，比如超越表象的思想，比如隱藏在電影之後的強大靈魂。）

現實的問題總是冷冰冰，而溫暖的答案卻常過於理想化。比如”總之得就得”是萬金油，是輕鬆消魂散；無論忘年戀、三人行、爛俗羅曼蒂克、同性激情都脫下了道德的衣服，在《總之得就得》中奔跑在天體沙灘

上，整部電影都洋溢著一種沖破限制、挑戰既有規則的刺激與快樂。至此，Woody Allen電影里觸及過的”性愛”結合方程式得到了總結式的呈現，金髮女郎Ann帶著”安妮 霍爾” 闖蕩紐約的夢想，經歷了與糟老頭子男主角Boris的婚姻，以及白馬王子的追求；《午夜巴塞羅娜》里的三人行婚姻在此更滿足女人的慾望，沒有歇斯底里與手槍，更沒有瑕疵必究的愛情思考。除了性，Woody還十分體諒”都市病”的普遍存在，讓Boris代言”紐約知識份子”式的牢騷，讓Ann代言青春徘徊，讓Ann的父母代言改變……是的，萬金油所解決的並不是問題，而是情緒；至少就這一點而言，治標不治本的《總之得就得》太好用了！

文／奇利

（愛自由天空的影評人，希望可以在電影里找到更多思考空間。）

雖然男主角口若懸河，但字字珠璣，論盡關係的脆弱，各角色相處的化學作用也由精警的對白言喻出來，不錯，關係在乎溝通與諒解。影片妙語橫生，妙語生花，絕無冷場。人物角色性格獨特，刻畫得很有立體感，令戲迷印象難忘。

《偽能叛變》

文／何俊輝

（現任香港影評人協會理事，國際演藝評論家協會(香港分會)、香港戲劇協會及百老匯電影中心會員，熱愛各種各樣的文化藝術。）

《偽能叛變》(Surrogates)中的人類之所以沉溺科技及反被科枝操控，是因為編劇要探討城市人如何迷失自我，不知做人的意義，看著片中的機械人行屍走肉地在街頭走來走去，無法不使人聯想起趕時間、外表冷漠的中環人，而片中一窩蜂的消費者、逃避現實的隱閉者和吸毒的年青機械人，更是現今社會的一面鏡子。

《心跳500天》

文／何民傑

（遊走於課室、議會、戲院，影評人協會理事。）

解構式愛情就是不按牌理出章，顛覆常規成見。《心跳500天》懶理七年之癢，一百幾十日就可以翻雲覆雨，上天下地。沒有奇謀妙算，也不用催淚情傷，誰說戀愛總有起承轉合。老外宅男經歷愛情101，拿快將消失於世的賀咭開玩笑，更是妙筆生輝。夏日女主角爽朗可人，愛得輕鬆，走得瀟灑，動人的女士總讓人心跳。

《D9-異形禁區》

文／馬田龍

（資深電視節目編導，香港影評人協會會員，個人影評誌：http://martinlung.mysinablog.com/）

改篇自尼爾保甘短篇作品的《D9異形禁區》雖然挾著彼德積遜監製的名頭，卻非《金剛》級數的科幻鉅製，而是輕巧地以仿紀錄片手法拍攝的另類科幻電影，在一片泛英雄主義和以特效為濫觴的好萊塢製作中尤見突出。本片活像是《天煞：地球反擊戰》與《變蠅人魔》的混合體，基於資金的限制，編導聰明地沒有勉強跟隨一貫科幻鉅片的方式大灑金錢在炫目的特效上，而是集中描寫人類對待異族的心態轉變，刻意安排外星人隔離區在南非，顯然是暗喻歷史上臭名昭著的種族隔離政策，以外星人比喻黑人(或巴勒斯坦人)，人類(白人/猶太人)似乎只有化身為對方的種族，才能真正明白受歧視之苦。對於近年這類以仿紀錄片手提拍攝方式製作的影片，不少觀眾不敢苟同，認為觀看時頭暈眼花，但較諸四平八穩有板有眼的鉅製，我寧取前者，起碼時有驚喜，不會又是倒模形式，出現「地球又被平凡的美國英雄挽救過來」這種指定劇情。