《電影版 99.9不可能的翻案》

你沒看過電視123 …… 就是「問題電影」了

吓！你沒看過日劇《99.9不可能的翻案》，就直接看電影版 …… 是否有許多疑團呢？：

為什麼榮倉奈奈突然出現？﹙因為她是日劇第一季的女主角立花彩乃，絕招是令人膽戰心驚的摔角技，第二季第一集已經交待她到美國留學囉﹚

為什麼木村文乃又會出現？﹙因為她是日劇第二季的女主角，一向喜歡腹語術囉﹚

為什麼女主角片桐仁飾演的河野穗乃果，經常做出誇張動作﹙因為這位《特別篇：新的相遇篇》的女主角，一早已交待她喜歡扮漫畫人物招牌動作和偵探上身查案囉﹚

為什麼香川照之飾演的斑目法律事務所所長佐田篤之， 一見會長若月昭山見來臨就誠惶誠恐？﹙因為他是穗乃果的富爺爺，既然是事務所的米飯金主，佐田怕若月怪罪他未能妥善照顧當實習律師的孫女，嬲到會斷絕注資囉﹚

為什麼穗乃果與來自氣仙沼的劇團成員有所關連？﹙因為穗乃果於《特別篇：新的相遇篇》，初遇松本潤飾演的男主角深山大翔，就是在氣仙沼，雙雙被當地土豪追足九條街，戲中演員原來就是土豪的手下囉﹚

係囉，沒看過電視劇，根本沒辦法明白電影版眾多笑點的。這齣榮登2018年日本私營電視台日劇收視冠軍，更榮獲第89屆日劇學院賞最優秀作品獎，《特別篇：新的相遇篇》更是配合去年12月30日電影上畫造勢，12月29日於電視播放獲得13.9% 高收視，故此許多日本觀眾看電影版，如老友相聚，份外親切的。

不過，即使未看過一集電視版，只要不做「問題觀眾」，你還可以有挺愉悅的觀影樂趣，皆因事務所刑事專業律師用「真實還原現場」的方式調查案件，類近拍電影的方法，調查懸崖殺人案件及15年前發生的「天華村毒紅酒事件」，過程絕不嚴肅沉重， 反而發放好玩過癮引人入勝頗富追看性的新鮮感。還有，松本潤與香川照之一唱一和攪笑﹙例如松本潤在偽造的信件找到錯別字，講食字冷笑話，香川照之附和﹚，仿佛就是日本關西盛行的棟篤笑表演「漫才」﹙日語： まんざい Manzai﹚，有如中國雙人相聲，企定定講笑話，都可哄堂大笑。懂日文的，當然會笑得更暢快淋漓；不懂 …… 淨看中文字幕，肯定大打折扣好多好多。

何況，男主角松本潤是日本天團「ARASHI 嵐」成員，加上三代女主角首度同場演出及原班人馬香川照之、笑福亭鶴瓶、奧田瑛二等悉數上陣，更有《昨日的美食》西島秀俊登場送暖，吸引力強勁！儘管對於其中一位兇徒何解失憶竟無任何解釋，輕輕帶過實屬於理不合，誠然是敗筆﹙恕不劇透誰是兇手﹚；然而沉醉於戲院的兩小時，的確是那天的小確幸呵。喜歡而深情地掛念日本的你，懂的；下月中旬通關任君自由行之前，暫且先進戲院欣賞打從心底真愛的人情與風光罷。

P.S.  小小建議： 假若希望將本片變為「99.9無問題電影」，先看日劇啦。如此這般，你就會更投入地開懷大笑呀！

呂威廉

《命懸2000呎》(Fall)

畏高者別進場。

利申：筆者有畏高症。奈何對絕境求生片又甚有興趣，所以冒死一看。過程果然心跳加速，手心冒汗，害怕得不敢看下去…。由於拍攝手法逼真，電腦特技不明顯，所以代入感很強。

此片沒有卡士，從頭到尾(主要)只有兩個人和一個2000呎高塔。如何充實這107分鐘呢？考編劇了。求生片不外乎在特定的環境內看主角如何與環境搏鬥、脫險。攀爬高塔的難關是甚麼？筆者看著手錶，影片到三份一，兩位主角已達塔頂…噢，那麼就是「上山容易落山難」了。由於不能劇透，只能說設定之「凶險」雖有些犯駁，但編排總算有設計、有考量；導演在節奏上亦張弛有度，儘管公式化，看官也往往會替主角揑一把汗。

兩位人物設計原來還有衝突，並不單一，那麼便能引領觀眾另有猜想，更為有趣。最意想不到的是接近尾聲的安排…(雖然此橋段在年前的《漂流心海》出現過)，總算來得合情合理；當人處於垂死邊緣，精神狀態如片中所示亦不足為奇。

以低成本的「求生片」來說，就算閣下不畏高，單看兩位身材驕人的低胸美女如何掙扎脫險，也屬官能大刺激了！

陸凌綠

《鯊餌》短評

雷聲大，雨點小

單看《鯊餌》的預告片，便會發覺片中鯊魚來勢洶洶，全片似乎是血腥與暴力的混合；再看片中五位年青人驚慌失措的表情特寫及牠在他們身邊出沒的驚險畫面，便會期望牠會是片中的「主角」，其突如其來的現身亦會是全片驚嚇點的源頭。可惜影片「雷聲大，雨點小」，全片片長不足九十分鐘，展露鯊魚傷人吃人的畫面卻只在影片中後段才出現，前半段的鋪墊實在考驗觀眾的耐性，唯一具觀賞性的鏡頭便是兩艘水上電單車彼此撞擊的近鏡，可惜水上電單車高速行駛帶來的快感及刺激感始終及不上鯊魚，我們在開首一小時內感到納悶，絕對不奇怪。其後大白鯊出現及向他們施襲的鏡頭確實有板有眼，部分角色腹部及腿部受傷後露出骨骼的核突畫面亦甚嚇人，證明化妝師的技巧高超，使一些被鯊魚咬傷的部位的像真度甚高，帶來的驚嚇感甚大。可惜珠玉在前，觀眾難免把《鯊》與多年前經典的《大白鯊》電影系列比較，當發覺前者除了CG特效較出色、拍攝海洋的廣角鏡較亮麗外，在編排情節及營造驚嚇氣氛方面確實比不上後者。如果觀眾想多看鯊魚出現的畫面，多感受「置身現場」時被嚇怕的感覺，還是重看再重看《大》較合適。

曉龍

很少見到德國拍這類的影片，畢竟德國人以理性聞名於世，不會像美國人那樣把各種問題簡單化處理。影片講述了一位年輕有才華舞者卡佳（Katya），她已故的母親和父親維克多（Victor）都是著名芭蕾舞明星舞者，因此她從來不作他想，就是要成為像她父母一樣的芭蕾舞明星。然而命運弄人，她父親在舞台上發生事故不得不終止自己的職業生涯，這給卡佳留下了心理陰影，她的夢想世界瀕臨崩蹋。這時她遇到了一群街舞的舞者，一種全新的、充滿原始激情的藝術形式吸引著她，她發現了一個能夠拯救她的新世界。然而，不同舞蹈世界的對比和兩者生活方式南轅北轍，讓她面臨家庭、未來前途等一系例的衝突…。

導演選擇了把各種矛盾對立起來，讓女主角去不斷的嘗試選擇。通過艱難的矛盾選擇來認識真正的自己。個人覺得這部影片是獻給當下年輕人的作品，因爲它是關於青少年的理想、生活計劃和人生終極目標的。其實對自己的人生而言選擇那一種生活模式完全沒有高下對錯之分，但卻會有真實與虛幻的人生之別。

注：芭蕾舞（Balletto）源自十五/十六世紀義大利文藝復興時代的宮廷並迅速地傳到了法國。現今的古典芭蕾舞就是由法國國王路易十四創立，他在1661年創立了法國皇家舞蹈學院，並建立起第一支專業芭蕾舞團~巴黎歌劇院芭蕾舞團。街舞（Street Dance）則於20世紀80年代中在美國紐約黑人青年中興起，也被稱為自由舞蹈，是嘻哈文化的組成部分。其表演場地主要為馬路邊、廣場上等非正式場合，很少有機會可以像芭蕾舞那樣在劇院中演出，因而得到了街舞的名稱。但相對於以表演形式爲主的古典芭蕾舞，街舞更加接近舞蹈源於發自内心情緒的宣洩與個性展露的舞蹈原始起源，因而更受現今年青人的喜愛。

小浪

逃避不是辦法 曉龍

《一路瞳行》內芷欣(吳千語飾)自小在雙目失明的家庭內成長，她能看見身邊的所有事物，成為父母的最大助力。自孩童時期開始，她已成為母親(惠英紅飾)及父親(吳岱融飾)的「旁述員」，在乘車走路時口述周遭的一切，在餐廳吃飯時讀出餐單，已成為她日常生活的其中一部分。初時她作為天真無邪的小孩，當然不會介意，但後來她漸漸長大，始發覺自己的家人異於常人，別人用「歧視」的目光看著他們，處於青春期的她漸漸不願意與父母一起外出，因為害怕看見旁人怪異的眼神及聽見其閒言閒語，甚至想脫離父母而與他們爆發前所未有的衝突。上述的情節發展十分合理自然，亦在觀眾的意料之內。雖然筆者不在此類家庭內成長，但可以估計青少年大多介意別人對自己及家人的看法，認為編劇兼導演朱鳳嫻把屬於自己的真人真事搬上大銀幕，以吳千語扮演當年處於反叛期的自己，其舉手投足常見而自然，與筆者曾經接觸的青春期少女沒有太大的差異；又以惠英紅及吳岱融向盲人學習後的自然演出為最大的亮點，即使兩人是資深的演員，仍然願意虛心學習，磨練演技，令他倆與她的對話和相處別具真實感，上述的情節發展亦有甚高的可信性，這是《一》作為寫實電影最能交足功課的地方。因此，演員可在導演口述下模仿真實的原型人物，無需像模仿歷史人物時運用太多的想像力，在真實感方面《一》無疑較優勝。

另一方面，現今不少青少年都渴望到外地升學，如果真的想體驗外國的生活/修讀香港的大學不能提供的科目，問題不大，但像芷欣一樣想逃避父母，欲躲避別人對自身家庭的歧視，就肯定不太合適。《一》內最了解她內心的想法的老師，必定是視覺藝術科的老師(陳貝兒飾)，這位老師似乎很了解她，很多事情在她未說出口時，老師已能事先得悉，並幫助她了解自己，其後老師更以自己過往的經歷為例，勸導勉勵她。很多時候，老師想保護自己的私隱，很大可能不太願意在學生面前公開自己的過去，但當她有需要時，老師為了她著想，希望能以自身的真實例子說明「逃避不是辦法」的道理，讓她撇除逃避的因素而作出最適合自己的升學選擇。或許她有一位這樣的老師是她的幸運，老師願意「犧牲」自己而為她的未來著想，使她最後不再逃避，放棄海外升學，留港繼續追尋自己的理想。片中她的事例有真實的依據，如果年青觀眾看完《一》後能面對自己，面對別人，面對家人，不再以海外升學為逃避家人的辦法，此片在輔導青少年方面，算是功德無量。因此，青少年中心包場讓十多二十歲的青少年看《一》，實在別具意義。

不少創作人都認為新晉導演拍攝自身的故事，投入感較強，成功率較高，朱鳳嫻拍《一》亦不例外。她以自己的回憶片段為藍本，並以過往的真實照片為輔助，調教演員的演出，讓吳岱融及惠英紅分別能演活她在真實世界中的父母。雖然現實裡她的父親已去世，但她熟悉他的一點一滴，讓吳岱融能揣摩他在日常生活中的神態和小動作，同一道理，惠英紅有機會接觸她真實的母親，可直接模仿其一舉一動，真實感亦較強。由此可見，導演熟悉真實的原型人物，對演員演繹自己的角色有莫大的幫助，其因深入的了解而進行的多元性模仿，亦直接提升全片的真實程度。

《一路瞳行》(Sunshine of My Life)

可以為自己健全而喜，不要為自己缺陷而悲。

正如戲名，這套戲很陽光。新晉導演朱鳳嫻以自己的真人真事改編。有一對失明父母，健全視力的自己如何與父母相處？種種矛盾，喜怒哀樂，皆透過細膩的鏡頭，不慍不火地傳情達意，導演釋懷，觀眾感動。

首次拍電影，最宜找自己熟悉的題材，朱鳳嫻做得到，也做得非常好。圓熟的導演技巧，絕不似一名新導演，亦由於她對題材熟悉，所以掌握人物的舉手投足、內心變化、情緒起伏皆得心應手，亦懂得取捨，沒有無謂的鏡頭與對白，準繩演繹劇本。

以人物為中心，演員當然最重要。惠英紅演這名失明母親簡直一絕。失明有不同種類，惠演的這種眼珠失焦，眼球肌肉失控確是十二分神似，完全摒棄一貫「眼定定」的失明演法，真實度相當高，影后非浪得虛名。相比之下，吳岱融就較為失色，但演樂天性格的朱父，亦算自然討好。一向被認為不懂演戲的吳千語，這戲令我詫異，演得十分好；雖然有點超齡，但投入感高，不過火，不造作，有付出努力，當然導演亦功不可沒。

失明可能是黑暗，但朱鳳嫻呈現的卻是陽光。導演一家身體力行，積極面對人生，作為觀眾的我們也是時候撥開雲霧見青天了。

陸凌綠

《失衡凶間》(Tales From The Occult)

鬼片(或恐怖片)永遠有市場有價值。提供官能刺激，嚇餐飽，好此道者例必捧場；而看完使人有所反省、頓悟，就有較高層次的價值。

本片由三套短片組成，分別是《暗角》、《死場》、《唐樓》。

《暗角》純粹賣氣氛，導演許業生在燈光、攝影、節奏上都做到懾人效果。雖然亦有亷價驚嚇(突如其來的聲效)，但以低成本而言，比例上是出奇地少，這點值得讚許。再讚的是顏卓靈，演得相當好，並非單一的驚嚇表情，而是有不同層次，打從心裡驚出來，很投入，很自然。

領教過陳果的鬼片前科，今回有點卻步，幸好《死場》尚算收歛，但筆者仍然覺得「過」；如一些核突爛面、血腥斬殺實在不必，最後一場糾纏在車廂內自焚…，too much了！其實故事不錯的，既反映疫後現實，也諷刺了現世代的網絡直播潮流與荒誕行徑。只是姊妹花的因果安排老套了一點，火災與疫情亦關係不大。整體說故事技巧、分鏡、剪接俱佳。林曉峰演這KOL入型入格，不作他人選。其他配角亦表現出色。

筆者認為馮志強的《唐樓》最好。懸疑的佈局引人入勝，在局限的空間內以人物互動推展劇情，瀰漫著恐怖感又散發黑色幽默，搞笑得來又驚嚇。演員個個好戲，吳海昕甫出場已亮眼非常，任賢齊的角色最為有趣，演技發揮大。一句「活於恐懼時，更能看清每一個人。」此時彼刻，發人深省；已達致恐怖片的另一層次。

陸凌綠

《娜娜的逝水年華》(Before, Now & Then (Nana))短評

王家衛的風格

提及過往女性被壓迫的亞洲電影不少，《娜娜的逝水年華》的主題不算獨特，但嫁入豪門的娜娜竟與情敵成為好友，聽導演卡米拉安迪妮說，此情節安排取材自真人真事，反而別具戲劇性，亦是此片與別不同之處。導演酷愛王家衛的作者電影，使《娜》的王氏風格十分明顯，全片的配樂、場面調度及場景佈置皆有王氏的影子，甚至其相關的建築風格都貌似多年前的《花樣年華》。喜愛王氏風格的影迷會對《娜》特別有好感，但又能欣賞其難以取代的獨特性，因為它具有王氏電影的細膩，講究「如詩如畫」的視覺風格，即使模仿其作者特色，仍然有屬於自己而只此一家的韻味，特別是娜娜與情敵之間較「曖昧」的友情，彼此簡單而具有弦外之音的對話，與周遭靜態氛圍的配合，正是其半模仿半自創的作者風格。或許導演通常都有另一個人人皆知的身分，就是影迷，《娜》向《花》致敬，她在映後座談會內大方承認，還大談自己如何受王氏風格影響，不像某些導演不承認自己曾向大師「學習」，這正是她的藝術修養最可貴、亦最符合道德原則的地方。

曉龍

機關算盡的…豈止王家衛

想知周慕雲究竟在柬埔寨， 緊貼著臉向專吸秘密的樹窿說什麼呢？這個秘密，一如《阿飛正傳》內該位於閣樓施施然梳頭的無名男子何去何從？聰明伶俐的王家衛，是永遠永遠不會告訴觀眾的。

西施成功成為「名牌」，自然繼後有許多粉絲或東施模仿。真是如有雷同純屬巧合嗎？《娜娜的逝水年華》﹙以下簡稱《娜娜》﹚取材自小說Jais Darga Namaku， 根據Raden Nana Sunani生平改編的印尼電影，聚焦飽歷滄桑女性的悲鬱苦況，原來也有類近「噤聲」和「私密語」處理呀： 一對同為丈夫憐愛的閨密相親相愛互相傾訴心事， 究竟情婦最終向原配耳語什麼呢？又是以當事人心照不宣這懸疑伎倆壓軸， 彷彿電視劇《流氓大亨》最終一幕於病床昏迷的鄭裕玲，流出一滴淚便完場，留條尾巴好讓觀眾各自發揮想像力，橋不怕舊，最緊要受，萬試萬靈。

當粉絲或東施遇上吹捧藝術片為至尊無上的影評人，就可以不費吹灰之力得心應手升呢上位，因此《Variety綜藝報》盛讚《娜娜》「猶如﹙香港﹚王家衛遇上﹙泰國﹚阿彼察邦韋拉斯花古」 ： 美不勝收攝影與惹人遐思配樂，聚焦含蓄曖昧糾纏不清兩性關係，正是酒不醉人人自醉之纏綿夢囈遊戲， 極具王家衛《花樣年華》影子 ；鮮明綠意攀附影像空間及小人物於動盪時代自我辯證尋覓心坎深處的靈性，亦令觀眾聯想起阿彼察邦作品。毋需意外，將兩位享譽國際影展的大導演特色長處溶為一爐， 該是一切盡在導演卡米拉安迪尼（Kamila Andini）精心掌控的如意算盤吧。

不必卻步，《娜娜》絕不難看，也未算悶藝，皆因無論攝影、佈景、服飾、配樂都一絲不苟， 部分鏡頭更美輪美奐賞心悅目，猶如一幅於高級拍賣場價高者得的油畫；加上主題乃甚是討人歡心的備受鄙視、壓迫、欺凌可憐女性的創傷、恐懼及徬徨，愛心爆棚，必獲大愛左膠盲目力撐啦。可惜， 過於精緻刻意求工了！配樂固然甚富《花樣年華》風味，淨看那場娜娜於茶室重遇前夫， 大概有幾秒忽然錯覺蘇麗珍與周慕雲時空穿越至上世紀60年代的印尼呀。當此刻觀看此片，但又情不禁回味另一齣極富韻味的佳作， 究竟是好事抑或敗筆？老老實實，我選後者。何況，該批一浪接一浪頻密至擾人的配樂，有若飽肚仍狂塞入食物的貪婪者，直到滯至扣喉嘔吐方罷休，反而窒息觀眾的想像空間，顯然非高手所為。

儘管過譽，她成功了，還主攻歐美人士長期關注的第三世界女性、人權、獨裁統治等議題，又加插印尼傳統歌曲如巽他族童謠 “Djaleuleudja”、服飾和民俗儀式，計算如斯精準，實在值得一讚。由此此片不只於柏林影展奪得最佳女配角銀熊獎， 卡米拉安迪尼更一躍成為頗受矚目的亞洲新生代女導演呢。

可以預計，這位年僅36歲新晉導演擁有光明前景，自此不憂開戲，正如台灣蔡明亮及國內賈彰柯兩位享譽歐洲影壇大導演的作品，曲高和寡，票房慘淡，同樣不乏投資者及國際影展青睞。不過，作為普羅大眾，寧願重看《緊急迫降》及《壯志凌雲：獨行俠》，正因這兩部電影正好展示大卡士大製作高質素的商業價值，也可以言之有物震撼人心，較諸該等主力照顧影展市場而拍的藝術片，更值得鼓掌！

威廉

本土化的示範 曉龍

別以為《打死不離喇星夢》只是《阿甘正傳》的印度版，《打》沒有這麼簡單，它是本土化的成功例子。從阿喇(阿米爾汗飾)在火車車廂內向其他乘客述說自己過往的經歷開始，已證明編劇艾維卓登不想完全複製《阿》，因為《阿》內阿甘坐在公園的長椅上講述自己的身世，如果直接搬至《打》，會顯得不合情理，可能由於印度人不會在公園內逗留太久，休息一會兒後便會離開，要聽阿喇長篇大論地講述，最少需要一小時，故在乘搭火車時百無聊賴，又沒有太多活動的空間，聽他講自己傳奇的大半生，是消磨時間的最佳辦法，故此安排很合理。可見編劇改編《阿》時顧及印度人的生活習慣及其普遍個性，相對不少「搬字過紙」直接改編的電影，《打》的編劇改寫劇本的手法明顯較高明。

美國是第一世界的國家，而印度屬於第三世界，在社會實況方面有不少相異之處，《打》的編劇作出不少本土化的改動。《阿》一開始已表明阿甘的智商比正常人低，可能美國人從小開始已需要做智商測試，父母會得悉兒女的智商水平，而印度沒有這麼先進，《打》內阿喇的母親不知道兒子的智商水平，其他孩子覺得他傻頭傻腦，比正常人笨，沒有客觀標準，遑論有任何科學根據。阿甘的母親說人生就像巧克力，而阿喇的母親說人生就像酥炸球，可能由於巧克力在印度內太貴重，看電影的印度觀眾不限於富貴人家，當地的窮人根本沒有太多機會吃巧克力，反而酥炸球是當地較便宜的食品，以此食品作比喻，會讓不同階層的觀眾產生共鳴。同一道理，其後阿甘與朋友捕蝦致富，阿喇從事內衣生意致富，因為蝦不是必須品，印度內大部分是窮人，能靠賣蝦賺取大量金錢的情節，實在不合理，故改為內衣，它是必須品，不論窮人或富人都要穿著，此因應印度的民情及社會而作出的改動，是《打》的編劇的聰明之處。可見編劇對《阿》的劇本的明智改動，使《打》生色不少，亦更適合印度觀眾觀賞。

另一方面，《阿》與《打》內阿甘及阿喇青梅竹馬的女朋友同樣流連夜店，誤入歧途，但《打》較多著墨於阿喇女朋友複雜的家庭背景。可能《打》的編劇想多解釋她貪名好利而想進入娛樂圈的原因，與她的童年經歷及其後的成長歷程有密切的關係，填補了阿甘的女朋友在青春反叛期內「順理成章」地學壞的劇本漏洞，亦較符合印度社會內「人性本善」的假設性概念，她只因個人身世及家庭背景而不幸學壞；或許美國的娛樂場所較多，黑社會較泛濫，印度的同類場所相對較少，貿然說她單受社會氛圍影響而不幸學壞，實在不合情理。可見編劇因應印度的社會實況加添了一些「補充」的角色背景，讓《打》的情節發展的可信度甚高，即使身處香港的觀眾對印度一無所知，都會覺得編劇在因應本土化而改編《阿》時耗了不少腦力，花了不少功夫。

《打》以愛為主題，與《阿》以阿甘的一生為核心截然不同，可能印度人較熱情，對愛的追求較熱切，故愛的主題會較受當地人歡迎。《打》只輕輕帶過阿喇在印度歷史舞台上舉足輕重的位置，雖然偶有講述當地的歷史及過往的社會發展，但用了更多篇幅講述阿喇對女朋友的掛念，不惜一切地要與她相聚，其數十年來多次向她求婚被拒而仍然愛她的堅持，直至最後有情人終成眷屬，正反映他對她的愛的重視。因此，印度片蘊含的愛有時候不需要太多勁歌熱舞來襯托，《打》講述愛但沒有太多不必要的歌舞，便是一個成功的例子。

《飯戲攻心》短評

家人比家更重要

香港的樓價全球第一，不少香港人以為樓宇最貴重，談及家，總以為我們所指的是自己的居所，殊不知家在不代表家人在。正如《飯戲攻心》內大佬（黃子華飾）初時以為已去世的母親最重視的是生前居住的工廠大廈單位，不論二佬（張繼聰飾）及三弟（陳湛文飾）如何說服他，他仍然不願意出售，其後他在夢中再「遇見」母親時，始得悉她最重視的不是此單位，而是家人，遂為了家人未來的幸福著想，決定賣掉此單位。《飯》本來是賀歲喜劇，現在變成賀中秋，編劇及導演陳詠燊以家人的題旨貫穿整個故事，場景以上述的單位為主，內裡的設計表面上懷舊，實際上暗示舊物存在與否其實不重要，最重要的是家人能否齊齊整整地一起吃飯，會否經常保持聯絡，並維繫彼此的感情和關係。編導賦予《飯》罕見的深度，不要以為賀歲片/中秋片必定胡鬧無聊，他刻意在看似隨便撰寫的對白內帶出令觀眾會心微笑的弦外之音，聽不懂的人可視《飯》為純粹的喜劇，盡情開懷大笑；聽得懂的人可視《飯》為頗富深度的劇情片，分析劇本蘊藏的內涵，並藉此思考自己的人生。因此，《飯》的劇本是全片最成功之處，而對白是劇本最珍貴的「精粹」。

對愛的追求 曉龍

別以為《三千年的渴望》只是「阿拉丁神燈」故事的變奏，其實前者的情節比後者複雜，前者述說的人生道理亦比後者深刻。片中的的精靈(艾迪斯艾巴飾)出現時創作人運用的視覺特效是其預告片最大的賣點，亦是最具童話色彩的鏡頭，之後他與艾莉菲亞(蒂達史雲頓飾)的多段對話，盡顯影片創作人探討生命本質的野心。最初當他問她有甚麼願望時，她只「家常便飯」地回應，視自己在日常生活中要完成的最簡單事情為自己的願望，因為她對自己的處境十分滿意，沒有任何追求，遑論會有任何渴望；跟著他向她述說自己的過去，涉及他在以往的經歷中如何追求愛，「點燃」了她對他的愛。很明顯，她並非沒有慾望，只「不知情」地把慾望埋藏在自己的心底內，與其說她幫助他重獲自由，不如說他協助她學懂愛的真諦。《三》其實是超現實與現實的結合，精靈出現的超現實畫面與其以愛為主題的生活化情節的配合，是一種「混雜」，可深化原有的童話故事，讓觀眾多思考以「阿拉丁」為本的情節如何觸及生命的本質，怎樣從童話提升至哲理的層次。因此，他與她同樣追求愛，但他比她更早「開竅」，故她需要受到他的刺激，才可把愛從內在轉化為外在的層面，並在日常生活中實踐愛。

此外，英文片名Three Thousand Years of Longing被直譯為《三》，在香港的商業娛樂市場內，算是罕見的處理。或許精靈的前半生別具傳奇的色彩，在三千年裡的愛情經歷最能緊扣觀眾的注意力，亦是全片故事的精粹；相反，艾莉菲亞的前半生平淡如水，沒有浪漫蒂克的愛情經歷，遑論會有刻骨銘心的人生歷練。片中他感染了她，雖然合情合理，但本來含蓄淡雅的她彷彿在得悉他過往的經歷後發現「新大陸」，整個人都變了，這種「點燃」的過程有點急速，欠缺了不同的層次，或許她在一剎那間感性掩蓋了理性，受到他的「刺激」後突然進入忘我的境界，這就像一根火柴被迅速點燃一樣，從女性感性的特質來說，即使她的突變異於常人，當愛的感覺進入她的心靈時，她的「解放」仍算是合情合理。因此，創作人把《三》放在超現實與現實之間，讓他與她的對談及相處混合了虛與實，虛在於他在她面前突如其來地出現的虛幻，實在於他向她談及自己過往在日常生活中的愛情經歷，虛與實的配搭，正好呼應著片名所指的三千年疑幻似真的「歷史」，亦配合著精靈與人類之間假假真真的交往和交流，故《三》的「混雜」色彩，是其在同期的英語電影中「鶴立雞群」之處。

另一方面，與《衰鬼上帝》電影及《魔鬼神探》電視劇相似，《三》的導演佐治米拿找到黑人演員扮演精靈，與《衰》及《魔》以黑人扮演上帝的安排同出一轍。或許《三》與《衰》及《魔》一樣，追求角色方面的「種族平等」，以往黑人常在英語電影中扮演罪犯、酒鬼、貪污警員、監獄職員等暴力狂的負面角色，近十多年來已有不少改變，自從《黑豹》出現後，黑人甚至可以扮演英雄，如今黑人成為上帝成為精靈，已經大幅度地提升黑人在銀幕上的地位，幾與白人不相伯仲。由此可見，《三》延續「種族平等」的潮流，讓黑人有多些演繹正面角色的機會，使他們在大銀幕上有更多發揮的空間，在促使全球社會進步方面，已作出或多或少的貢獻。

《孤疑前傳》(Orphan：First Kill)

這類片真的不宜拍前傳或續集了。

當時《孤疑》之所以賣座，完全因為箇中的「不老症」橋段新鮮，讓人意想不到！若然最吸引人的「主角之秘密」已全盤曝光，這集你還有何賣點呢？想不到賣點竟是找回十三年前的主角Isabelle Fuhrman 來續演此角色。當年以小童外貌來演成人之心，Isabelle確實是天才童星，令人讚口不絕；但今天要這位已經廿五歲的女子來演這個年紀比之前更小的九歲小孩，情何以堪？大家一定會認為：以今天的特技，老嫩肥瘦均不是問題！但導演告訴你，他是沒有用 CG特技的！吓？果然夠吸引。

結果，中伏。成年女子如何強裝都是一個成年女子，五官比例始終與小孩不同。於是渾身不自在地看下去，催眠自己相信那是小孩……。四十分鐘過去，仍然是《孤疑》戲碼。

論懸疑驚嚇，怎也不及上一集，始終你已知主角底蘊，何來懸疑？影像也營造不出壓逼感與驚嚇效果。正忖：不是翻拍一次吧？果然，就來一個「反客為主」。本來都想讚橋扭得好，奈何這個轉折太突兀牽強，到最後更來個「搞笑」露真身結束！我的天啊！

上一集《孤疑》縱使有誇張犯駁之處，總算是一套可觀的驚慄片，但這齣想再斬「四両」的前傳，恕我直言，切切實實是一齣爛片！

陸凌綠

「竟然是令我笑得好開心的恐怖驚慄片 ！」

既然電影公司囑咐切勿劇透，就只略提開首半小時吧：患有侏儒症及嚴重的暴力傾向的瘋婦， 33歲卻依然是9歲女童容貌及高度，逃離愛沙尼亞精神病院後， 假扮美國知名畫家的失蹤女兒Esther  …… 總之之後編劇為博各位觀眾驚驚，力求奇峰突出出人意表啦。

照正路劇情推進方程式， 應該是畫家與妻子引狼入室，Esther步步進逼大開殺戒，以為這瘋婦會殺恥笑她的兄長朋友，豈料戲至中段竟甚忍手，只殺窮追猛打的警察，繼後更峰迴路轉，變成魔女勾引「父親」及兩母女爭奪一男的愛情片哈哈。

如意算盤打得響嗎？的確，那場關鍵轉折位確實有些微驚喜，亦回應解釋當事人何以行徑和表情一直有點怪異，當時於戲院自言自語「真係估你唔到噃」。 然後呢？然後是無以為繼呀，邊看邊盤算：「可否提早離場呢？」

當然沒有早走啦，做人要盡責，寫這篇影評。雖然後半部繼續欠缺不寒而慄場面﹙順帶一提：反而本片上映前播放的”Smile“預告片，失驚無神於車前突然甩頭的女子更具威嚇力，惹來全場起哄﹚， 不過也並非慘不忍睹一無是處：如果改以食花生心態，旁觀兩母女爭風呷醋及瘋婦向暗戀的「父親」投懷送抱臉頰貼肚腩肌膚之親， 還是挺有趣味的。 原來在戲院內看戲的其中一項好處，就是現世做人處世儘管這樣難上加難， 原來並非孤軍作戰，至少不只我一人在笑， 周圍也有知音人一起呢， 姑勿論屬於開懷大笑/荒謬攪笑/啞然失笑/鄙視恥笑 …… 嘩恐怖驚慄片竟會看得如此開心，忽然自覺有種比銀幕上魔女更變態的快感呀！

何解沒法子嚇倒本人？除了導演威廉布倫特貝爾實在拍得甚平庸不太嚇人之外，既然話明是解開瘋婦身世謎團的前傳，潛台詞即是這位女子必定絲毫無損安然過渡至下一位養父母，輸家無可置疑就是對頭人啦，故此結尾你追我逐撕畫室及屋頂高潮戲，是坐定定睇對頭人以何種方式慘死而已。況且該兩位對頭人，簡直可以用「蠢人」形容，世上果真有此笨到咁的男女，笨上加笨一錯再錯終致引火自焚，焉會博到觀眾絲毫憐憫同情？

還有，現今科技，憑DNA血緣關係鑑定易過借火，就算那位警官用手指模都用快速測試證實此女非彼女，創作兼任監製的《孤疑》原創者亞歷士梅斯(Alex Mace)及編劇大衛萊斯尊遜麥高域(David Leslie Johnson-McGoldrick) 卻含糊不清輕輕帶過，當觀眾是白痴嗎？

伊莎貝福曼﹙Isabelle Fuhrman﹚ 當年12歲演《孤疑》，由於外型與演技皆具說服力，讚譽不絕；相隔十三年，如今25歲「逆齡」再演9歲女孩，雖已拼盡九牛二虎之力扮純真可愛，繼續以招牌雙馬尾、頸上絲帶及螢光繪畫示人，無奈現實實在太殘酷，換來只是突兀與尷尬而已。正因歲月不饒人亦騙不倒人，儼如已婚中年婦女的尊容，即使幾丈遠亦一清二楚， 揭穿此人已不是小孩子，較像不折不扣的瘋婦，但戲中大部分角色卻深信不疑，搵鬼信咩！

總括而言，觀看本片最深刻的感覺：「好難頂呀」。台上再斬四兩，吃力不討好、水準急降、一敗塗地，台下看那灰濛濛差劣的攝影技巧，辛辛苦苦捱到散場。一出字幕，走得快，好世界，已經浪費了人生寶貴的90分鐘，不想再浪費多一秒鐘。

威廉

情節荒謬的「遊戲」之作

觀眾看《孤疑前傳》實在不必太認真，如果講究故事情節的合理性，必定會失望而回。畢竟全片的故事背景設定一開始已有歪常理，倘若我們從理性的角度估計情節的發展，很大可能會「一敗塗地」。相反，如果我們像此片編劇一樣「瘋癲」，欣賞其把每段情節推至最極端的做法，便會覺得其荒誕程度非常人能及。特別是伊莎貝福曼現在以25歲的真實年齡演繹只有9歲的不老症女童艾絲特，戲內的不老與戲外的扮年輕互相配合，其弔詭程度甚具談論的價值。或許話題大於一切，《孤》可能只給予觀眾「曇花一現」的印象，正在於其邪典(Cult)電影的包裝，以為編劇會為我們帶來甚麼意料之外的驚喜，殊不知其「隨心所欲」的故事發展超出我們的想像，其「怪異」的突然性意外帶來令我們感到錯愕的不安，因為此片刻意營造一剎那的震撼，擺弄預期之外的「設計」。因此，觀眾需抱著「遊戲」的心態觀賞《孤》，並視此片為導演和編劇考驗我們忍耐能力的「實驗品」，才可心甘情願地接受其荒唐的故事發展過程和「令人驚嚇」的血淋淋結局。

對青春的緬懷 曉龍

舊片翻新的價值，從來都在於它的「經典性」，而非其創新性。說1980年代初在歐美等地區上映的《小教父》是創新之作，不少七八十後以至千禧後的觀眾都會質疑：《小》內黑幫青年的集體打鬥場面，在不同地區的古惑仔系列電影內十分常見；他們誤殺敵人後需要逃跑，並躲在偏遠地區的故事情節在上述的系列電影裡亦屢見不鮮；「親兄弟」參與黑幫仇殺而不理會自己暴力行為的嚴重後果，其大膽和不畏法律制裁的「天真」個性，更在不少青少年電影內多次呈現；《小》裡上世紀六十年代貧富懸殊的社會狀態，同樣與《西城故事》等經典電影的故事背景設計十分相似。那麼，《小》是否毫無獨特性？答案是否定的，因為它對年青人「惡中帶善」的描寫，在同類電影中不算常見。例如：年輕人誤殺了敵人，似乎惡貫滿盈，但卻會冒著生命危險走進火場內拯救小朋友，並非因為小朋友是他們的好友，只因小朋友將會有更長久的未來；年輕人誤殺逃亡時，竟對文學經典《亂世佳人》感興趣，要求好友讀給自己聽，以消磨時間，這證明他們擁有善良的本性，或許當時的家庭及社會環境使他們誤入歧途，但他們依舊嚮往純淨簡單的生活，《小》內被嚴重燒傷的年青人臨死前囑咐好友不論周邊的環境如何，都要保留一種赤子之心。此叮囑正好表明年輕人的行為縱使不安躁動、違法不當，仍然要讓純真留在心底裡，因為這是青春的本質，亦是青春最能令觀眾緬懷的「核心價值」。

另一方面，觀眾不要抱著看《教父》的心態看《小》，因為《小》在風格及內容方面與《教》截然不同。筆者未看《小》前，被此片的中文名誤導，以為全片會描述主角們如何從小混混攀升至黑幫領袖，怎樣在眾多幫派中稱王稱霸，最後成為當時地下世界的領袖，殊不知《小》內根本沒有教父，最多只有逃命而「歷盡滄桑」的年青人，在大型的毆鬥過後沒有提升自己的權力和地位的奮鬥過程，只有反思生命價值而日趨成熟的心境，他們的成長與其在集體打鬥中是否取得勝利沒有多大的關係，反而與其心理上日漸看透世情與人生的「進化」密切相關。即使《小》由著名的荷里活導演法蘭西斯哥普拉執導，當年沒有在香港上映，直至約四十年後的今天，此片終於在香港的戲院面世，這證明《小》有「跨時空」的價值，其他西方舊式的黑幫電影可能因社會環境不同而過時，亦會因地域相異而感到陌生，但《小》以青春為主題，不同年代不同地區的年輕人都會有類似的經歷和心理狀態。如今《小》在大銀幕上出現，除了因男主角配角們已成為當今炙手可熱的荷里活巨星外，筆者相信其與此片以青春為賣點有或多或少的關係。

由此可見，雖然青春一去不返，但五六十後的觀眾依舊可藉著《小》懷念久已逝去的時光。可能香港的中老年人在年輕時期不曾參與黑幫的集體毆鬥，甚至未曾加入任何幫派，卻在觀賞《小》的過程中，與男主角配角們同樣曾經思考生命的價值，亦同樣擁有青春時期不顧後果的衝動和魯莽，更同樣在複雜的社會現實環境中保留「不被污染」的赤子之心。因此，《小》在今天仍然可引起中年或以上的觀眾的共鳴，不是刻意的安排，亦非「意外性」的巧合，而是其「歷時性」的主題使然。