《鬼咁多大屋》 Haunted Mansion

給沒有「鬼屋」的香港觀眾

Haunted Mansion「鬼屋」是世界各地迪士尼樂園均有的項目，唯獨香港沒有；而以Mystic Manor「迷離大宅」替代，亦是香港獨有，其他地區是沒有的。所以沒有到過其他迪士尼樂園的觀眾可能只認識「迷離大宅」，投入感不及到過「鬼屋」的觀眾。迪士尼總喜歡將自己樂園內的項目拍成電影，之前有「加勒比海盜」(香港同樣沒有)的《魔盜王》系列，《明日世界》更是園區。

「鬼屋」這項目歷史悠久，五、六十年代已經存在，筆者年少時第一次到迪士尼樂園看到類似全息影像的鬼魂在起舞，不禁嘖嘖稱奇！時移世易，隨著科技日益進步，人們對樂園「鬼屋」的「讚歎」明顯不及從前。

原來「鬼屋」早在二十年前(2003年)已經被拍過，同名《鬼咁多大屋》(The Haunted Mansion )，現在再來翻拍吸引力何在？迪士尼樂園的「鬼屋」一向老幼咸宜，如果不販賣驚嚇恐怖核突，難道賣特技？在電腦特技天花龍鳳的今天，還有何伎倆能刺激觀眾眼球？那麽賣故事吧，對不起，此片連說好一個鬼故事也談不上。首先人物設計是一大敗筆，四個所謂捉鬼專家：一個發明了能拍攝鬼魂相機的天體物理學家(主角)、一個神父、一個歷史學家、一個靈媒。人物多而無當，神父的角色完全是廢！另主角拍攝鬼魂又有何需要？來證明有鬼？住進去的母女是感覺有鬼才叫你去捉鬼！證明給誰看？多餘。歷史學家起的作用也很少，最有用的可以說是靈媒，但其實屋中已有一個更勁的「水晶球」…。四個人的功能根本就可以綜合為一個，分開不見得能增加任何戲劇效果。而母親設定為醫生更所為何事？廢！拖拖拉拉，事件以對白交代，口水多過茶，又總說不出所以然，劇情鬆散，笑料欠奉，兩個小時多真箇悶出鳥來！只有最後群鬼覺醒調轉槍頭有點意義和那大廳內群鬼起舞、嘩鬼在吊燈上搖曳、演奏管風琴等場面與樂園「鬼屋」一模一樣，能勾起樂園迷回憶，其他都乏善足陳了。

縱使影片不濟，電影公司的宣傳卻值得一讚；那「鬼咁多大屋」的售樓宣傳海報的確出色，最重要是夠貼地：今天樓市下跌，大劈價666萬豪華大宅一幢！抵到爛！

可惜都無人問津。何解？有些暗物質比鬼更恐怖！完。

P. S. 看官不妨找舊版本來看，何謂「說好一個故事」，自己判斷。

陸凌綠

對迪士尼鬼屋迷的吸引力

每逢萬聖節，都會有一些鬼片上映，現時未到鬼節，《鬼咁多大屋》在暑假上映，香港的發行公司明顯把此片定位為喜劇多於鬼片，希望一家大小魚貫入場地欣賞溫情洋溢的家庭「恐怖」片，享受其驚慄氣氛帶來的神祕感，並沉浸在精細「雕琢」的鬼屋的藝術作品內。

無可否認，《鬼》的賣點不在於其內容，我們僅看預告片，已對其鬼故事的主線情節略知一二，很難說會有任何驚喜，但其精心設計的鬼屋，的確勾起迪士尼鬼屋迷以往玩鬼屋遊戲的集體回憶。特別是他們在童年時於鬼屋內遊走的深刻印象，那種在萬聖節期間享受「被嚇」的經歷，彷彿重現在他們的眼前。俗稱「吃老本」，《鬼》依靠美術設計補救了空洞的主線情節，他們在無意間「碰見」舊日在腦海內縈繞不斷的畫面，確實讓他們有很強的看電影意欲。因此，他們應是《鬼》主要的目標觀眾。

另一方面，《鬼》內「濫竽充數」的角色，包括假扮Father Kent(奧雲威爾遜飾)而懂得驅魔的神父及假扮「通靈KOL」Harriet(Tiffany Haddish飾)的網紅，他們插科打諢的笑料，使筆者想起八九十年代在香港流行一時的恐怖喜劇。那時候幾位「驅魔人」合力趕走惡鬼，但其實他們當中沒有任何一位懂得驅魔，只以此「特殊技能」為自己的賣點，以賺取足夠金錢維持生活。那種以假亂真的錯摸橋段，他們在真正的惡鬼面前扮作鎮定，實際上卻膽戰心驚的情節，與上述《鬼》裡的笑料不謀而合。可見《鬼》能勾起亞洲觀眾對舊日港產恐怖喜劇的集體回憶。

不過，除了上述觀眾，其他觀眾很大可能對《鬼》不感興趣，特別是一直以來支持迪士尼電影的家庭觀眾。即使《鬼》裡的親情和愛情仍然感人，其整體上家庭及兒童的元素都不算突出，特別是嘉比(Rosario Dawson飾)的兒子Travis(Chase Dillon飾)的演出較平凡，很難說得上可愛，他與她生活化的互動亦在意料之內，其觀賞的價值不高。唯有依靠奧雲威爾遜生動的演出，其刻意「製造」的笑料才可引起觀眾的陣陣笑聲，其誇張的身體語言才可抓緊我們的注意力。

曉龍

《陰目偵信》短評

小伙子的小製作？

由ERROR擔綱演出的《陰目偵信》遵循傳統恐怖片的套路，由一群誤打誤撞的小伙子斬妖除魔，他們的團隊「凹凸不一」，慶幸能互補不足，具有八九十年代港產恐怖喜劇的風格。他們捉妖趕鬼的動作鏡頭，與惡鬼大打出手的場面，明顯取材自過往同類型的本土電影，其向前輩致敬的心意，不言而喻。

片中他們大戰「平安樓」的煉鬼集團的主線情節，有一定的可觀性，小太郎(何啟華飾)與懂得說話的日本古刀的互動，亦別具新意。ERROR四人各施己能，盡顯「天生我才必有用」的本色，例如Patrick(郭嘉駿飾)的外表戇直，表面上笨拙，實際上頭腦靈活，總在緊張關頭化險為夷；石頭(梁業飾)有陰陽眼，能看見鬼魂，在驅鬼方面有重大的貢獻。角色設計具心思，對其言語行為的描寫亦不算膚淺，唯基於商業市場的考慮，對人物內心世界的挖掘略欠深入，導致角色欠缺立體感。

此外，低成本小製作所運用的特技難免粗疏。片中所謂的「鬼」，以較模糊的形象出現，其「突襲」式的攻擊，難以稱得上震撼。唯其出現仍然別具特色，筆者相信創作人已絞盡腦汁在固有的框框內創新猷，如今「低階」的特技，可能是在控制成本的艱難情況下，無辦法之中的辦法。

由此可見，《陰》具有懷舊的本土色彩，但礙於商業市場和製作成本的局限，其創作難免被「綁手綁腳」，但願新導演梁國輝在不久的將來，獲得較多資源的情況下，創作的影片的整體成績會比《陰》更佳。

《我愛你》短評

演員精彩的演出

導演韓延與投資《我愛你》的電影公司都很大膽，以倪大紅、惠英紅、梁家輝及葉童四位年紀較大的演員在主線情節中飾演重要的角色，與現今以年輕的俊男美女為主角的青春愛情片截然不同。上述四位都是資深演員，倪大紅及惠英紅都能演繹角色所需，容易讓觀眾對劇情主軸產生濃厚的興趣，並投入其中。

例如：倪大紅飾演常為戒，經常希望被家人和朋友接納，對不同年齡的人都表現討好性人格。他為了讓新一代接納自己，學會怎樣玩手機遊戲；為了贏取李慧如（惠英紅飾）的好感，四處幫她收集廢品。他經常顧及別人，卻忘了自己。大紅運用表面上輕鬆自在的演出掩飾其內心的孤寂，其對世界的不滿被過度壓抑後達致一個終極的「爆發點」。他以皮鞭大鬧謝定山（梁家輝飾）喪禮後「英雄宴」現場，抨擊其子孫在其生前不孝的行為，他狂躁外露的演繹方法，正是角色情緒大爆發的恰當演繹。因此，他準確地捉摸角色的內心世界及行為表現，是他讓觀眾認同此角色的關鍵。

惠英紅飾演李慧如，對倪大紅的追求存有戒心，因為她不曾逃出喪偶的陰霾，擔心自己會再次受傷害。她仔細地演繹角色「步步為營」的心態，以內心的不安表達其在愛情路上猶豫不決的「停滯不前」的狀態。她細膩的演出，容易讓觀眾同情她過往的經歷，亦使我們對她把愛埋藏在心底卻口難開的矛盾有更深入的了解。影片中後段內角色對大紅的態度從內至外的細微變化，她都能以細緻的身體語言仔細地表達，影片情節能讓觀眾感動，她實在功不可沒。因此，韓延選角的精準眼光，是影片能觸動我們內心深處的最主要原因，亦讓我們能透過影片深入了解國內老人面對的感情問題及其鮮為人知的感情世界。

梁家輝在影片的首映禮指出「戀愛不是年青人的專利」，《我》是一個極佳的示範。片中的大部分角色都不是年青人，但仍可以在銀幕上談情說愛，其實正好告訴電影投資者應有更廣闊的視野，投資愛情片時應多針對不同年齡層的觀眾，不應只討好十多歲至三十多歲的年輕觀眾。筆者在現場發覺六十至八十歲的觀眾看見同齡演員演出時，都感到興奮，並有極大的認同感，這證明老人主演的電影其實都會有一大群捧場客。不論投資者還是導演，在策劃及構思一齣電影的題材時，應看得更廣更遠。

《掃毒3人在天涯》短評

人性化的處理？

作為一齣犯罪動作片，《掃毒3人在天涯》在邱禮濤執導下，動作及爆破場面震撼，飛車鏡頭有一定的可觀性，與他過往拍攝的動作片不惶多讓。不過，他的電影劇本很多時候成為被詬病的地方，雖然今次整體的故事內容較簡單，部分細節有值得置啄之處，但其主線情節仍算言之成理。

片中張建行(郭富城飾)為康素差(劉青雲飾)擋子彈，歐志遠(古天樂飾)為素差開車殺人，使素差對行和遠都深信不疑，認為他們是真正的毒販，而非臥底警察。無可否認，行和遠勇於為素差「犧牲」，的確能取得素差的信任，從人性的角度分析，對身邊人隨著年月累積而成的深厚感情是人性的其中一個重要的部分，素差與行和遠在生死關頭「出生入死」，讓素差視行和遠為好兄弟而對他們沒有戒心。行和遠明顯看中了素差重情重義的人性「弱點」，最後行和遠逮捕素差，秉公辦理，是其盡責的表現，但未免欠缺了一點點人性。倘若行和遠顧念舊日與素差之情而勸其為警方做事，將功補過，與強行逮捕素差的情節比較，前者的編排較符合人性本質，亦較合理。

此外，行在中槍命危之際於金三角獲得Noon(楊采鈺飾)的照顧，對她產生一點點感情，本屬人之常情。他感謝她的幫忙，買小禮物送給她，亦是良好人性的表現。當自小照顧她的爺爺去世後，她掛念爺爺，每天拜祭，不願意離開金三角，當他得悉泰國軍方空襲她的居住地點時，他要求她離開金三角，並移居香港，但她卻萬分不願意，堅持要留在金三角。她對原居地的深厚感情，其實與行和遠在片末返回香港時表露自己對原居地強烈的歸屬感同出一轍，一個盡攬香港景色的廣角鏡，已不言而喻。可見她與行和遠是同一類人，對人對事對物皆有情有義，與未經深思熟慮動不動便離開香港的居民，實在有很大的「差距」。

因此，《掃毒3》表面上是動作片，實際上是窺探人性及現今社會世態的劇情片。邱禮濤為符合市場要求而放進大量動作和爆破鏡頭，緊扣著觀眾的注意力之餘，仍然不忘言志，藉著行和遠對香港的態度，抒發自己對原居地的深厚感情。他在商業化的縫隙內依舊表露人性化的在地情懷，保留一點點個人的風格，其在藝術方面的堅持，實屬難得。

《奧本海默》Oppenheimer

路蘭再一次賣弄技巧

基斯杜化路蘭與戲中主角奧本海默一樣，有無限的追求。從軟件到硬件，路蘭每次都愛挑戰自己同時亦挑戰觀眾。這次以70mm菲林IMAX格式拍攝，菲林還要柯達專誠製造出來(一部份還要是黑白)，可謂前所未有大陣象！至於挑戰觀眾……

眼見鄰座仁兄從頭睡到尾，連原子彈爆炸也沒有驚醒，可想而知路蘭劇本的威力。沒錯，因為海量的對白與沙量的人物足以淹浸閣下大腦神經，從而進入休眠狀態。還有路蘭最喜歡的顛倒時序，也突破閣下的觀影經驗；別以為黑白就是「過去」，原來黑白是「最近」，「彩色」才是「過去」；而彩色又有不同階段，殊不簡單。幸好大導演技巧高超，故事尚算說得清楚明白，用心地看，都能瞭解來龍去脈；但這個「用心」都頗費力。

其實熟悉奧本海默的人有多少？「原子彈」就熟悉，但誰發明？理會的人並不多。那今次有機會讓大家去認識了，但切入點卻是一個聽證會。在對此人毫不認識下要理解這個聽證會，人物又分不清誰是誰的話，部份觀眾已經宣佈投降。再者這傳記片戲劇性不強，沒有太大的跌宕。因為由始至終奧本海默都是自願去配合研發製造原子彈，這委實又是一個科學家趨之若鶩的成就，沒懸念；唯一只有其內心掙扎，戲劇上沒有太大的衝擊。至於兩個聽證會也是一面倒，奧本根本全無還擊之力。在喋喋不休的對白下，縱使路蘭施展剪接、時序交錯的花招，觀眾仍然難以投入，只暗忖：原子彈爆未？誠然大部份觀眾都是被那16K的原子彈吸引進場，誰會預計去接受耐力挑戰？

老實說，導演在技術上是完勝的，最重要一幕原子彈爆發，採用了聲畫不同步的手法來表達，震撼力比想像中強(當然拜託IMAX)。他堅持不用電腦特技，連原爆都要真，怎麼做？特技師你自己諗掂！路蘭的執著無疑是對業界起積極作用，但成本效益是否成正比？出來的效果於普羅觀眾而言又是否有很大區別？我從來都覺得特技是服務故事的，故事薄弱，天花龍鳳的特技又如何？

路蘭要拍《奧本海默》，總有他的原因。對日本的疚歉？借古喻今抨擊國家？反戰？我歸納為一點：「人」比任何武器更恐怖！

陸凌綠

《Barbie芭比》 Barbie

點止公仔咁簡單

當見到Barbie真人版預告片時，真有點雀躍，Barbie如何拍真人版？是甚麼觀點？甚麼角度？然後見到是瑪歌羅比飾演Barbie，賴恩高斯寧飾演Ken 就更添期待。為甚麼會找他們來演？兩人都是演技派，美麗英俊的人偶不是只著重外表的嗎？觀乎二人年齡與外貌……未臻完美吧？

其實 MATTEL很大膽，以真人來扮演自己的老牌「公仔」會很搞笑，對嗎 ？ 挖苦自己的品牌偶像？所以我很好奇這個劇本是如何寫？果然，漂亮外表內涵不少。首先Barbie是女權主義代表，在Barbie世界中，Ken只是一個陪襯。而Ken與Barbie的角色衝突，正好給導演去發揮。Ken的「變化」，多多少少反映了美國父權主義至今仍然強勢，無論財經金融或高科技產業仍是男性主導。廿一世紀今天，連一個女總統都未出現過。還有最諷刺的是MATTEL 高層全部都是男性，而且都是沒頭沒腦的。

影片最難得是有「自嘲」的胸襟。除了百份百仿真了Barbie 所有產品外，還註明了哪些項目停產，再作戲謔。不論老闆、產品、角色甚至監製(瑪歌羅比)都大方自嘲一番，若看官是 Barbie 擁躉，定必笑得人仰馬翻。

當然真人一比一的Barbie樂園最亮眼，閃爍繽紛，一流的美術、佈景、道具營造出的玩具世界，足以彌補閣下買不起一個Barbie的童年匱乏。然而談人生；論價值；評性別的Barbie，似乎更適合長大了的你。

陸凌綠

「返回」童年的感覺

《Barbie芭比》內Barbie公仔勾起萬千女性的童年回憶，在香港這個已發展的城市裡，如果你問女士：「誰在童年時玩過Barbie？」答案很大可能是： 「我們都玩過。」集體回憶當然為《Barbie》加分，但似乎導演姬達嘉域不滿足於拍攝一部「童年電影」，她有更大的野心，想透過此片探討兩性關係和性別地位等主題。

男女平等從來都是「夢」。本來Ken(賴恩高斯寧飾)甘於當Barbie(瑪歌羅比飾)的配角，樂於以男性英俊的外貌和魁梧的身材襯托她標緻的五官和苗條的身段，安於現狀，但當他走進人類的世界後，便發覺男性應在社會內擁有大權，並佔據主導的地位。其後他把男權至上的觀念帶進「芭比樂園」，使此世界產生翻天覆地的變化，兩性之間的「戰爭」由此開展。事實上，美國至現在為止仍未出現第一位女性總統，相對不少亞洲及歐洲國家，女性的社會地位仍然低下，此片的女導演藉著《Barbie》為女權打拼，希望提升女性地位，讓她們有更廣闊的事業發展空間，這實在不無道理。因此，此片的目標觀眾不限於兒童，已成長的我們其實亦是其主要的對象。

另一方面，《Barbie》的美術設計確實引人注目。全片以鮮粉紅色為主調，觀眾觀賞此片時，彷彿在一剎那間進入浪漫不羈的幻想世界，夢想中充滿著少女情懷的小屋，演員成為「玩具」，容許真人在「芭比樂園」內活動，已證明所有玩具佈景已成為與真人一樣大小的「模型」。導演刻意「混淆」幻想與真實，讓身為觀眾的我們「進入」疑幻似真的世界，美術指導模仿Barbie的居所及活動地點而設計的場景，確實使我們產生強烈的投入感，因為我們已成為Barbie世界內的「成員」，幻想自己暫時離開現實國度，到粉紅的夢幻國度內「遊覽」。因此，從增強感染力的角度看，此片的美術設計無疑十分成功。

雖然《Barbie》的內容不算豐富，對性別問題的指涉亦未算仔細深入，但其塑造的「童年世界」的確能滿足萬千女士的夢想，特別是部分由於各種原因而不曾有機會以Barbie為伴的她們，《Barbie》確實能為她們帶來前所未有的趣味性和滿足感。故此片瑕不掩瑜，僅從美術的價值分析，此片已值得入場一看。

《別叫我「賭神」》

爛片爛出一個新高度

現在塵埃落定、神仙難救的票房之下，以《別》作為教材分析香港電影業深層次問題；一流演員、香港頂級製作團隊、熱愛電影的投資人、正能量故事，為何會得出《別》極品爛片的結果呢，已經不能夠用過氣或老土來形容，有能力本事爛片爛出一個新高度，一個老舊殘故事換成澳門發生都唔會言之成理，小地方都有互聯網與時並進；若是致敬香港電影業最風光的八、九十年代，就算每個鏡頭照抄重拍《阿郎的故事》《新不了情》，如今都不太老土，00後亦未必睇過。

以四千萬美金預算，足足夠50部普通香港電影製作、50個新創意、可以支持50位新導演首部作品、支持50個香港仝工劇組開工；50部其中有兩部如所謂香港電影復興所說，各收三千萬票房，都不至於如今國內四千萬票房，這是何等概念? 同是疫情期間，筆者北京友人以三百萬成本引進一部電影，最後收八千幾萬人民幣票房，拍得如此辛苦為何呢；50部電影的好計劃，永遠不會成事，投資人需要好項目而非好計劃。

宣發藝術佔電影成功的一半，《別》以賭神之名，抽水抽著火水，再三改片名是失敗根本因由，加上電影全無口碑可言，演員自帶國際流量但配以低級營銷難與電影產生強烈關連再轉化成票房，再多跑步都是浪費氣力，民眾可在外灘免費打卡，那會有人願意付款消費呢？

除製作團隊賺了錢、投資人票房失利、電影口碑全無、國際巨星亦壞了名譽，為何呢？下回再說。

Kepa

濃厚的人情味

周潤發身為上世紀八九十年代的「賭神」，此銀幕角色至今時今日可能已「過氣」。六七十後的中老年人對他此經典的銀幕形象仍有一點點殘餘的記憶，八九十後的中青年人可能已對其印象模糊，千禧後的青少年甚至欠缺任何相關的集體回憶。如今《別叫我「賭神」》再次拿賭神之名為調侃的對象，讓片中的吹水輝（周潤發飾）成為失敗的「賭神」，然後講述他如何戒賭，怎樣與患上自閉症的兒子李陽（柯煒林飾）建立「親密」的父子關係。不論戲外還是戲內，賭神之名已屬「過時」，片名內出現賭神二字，只為了吸引觀眾的注意力，旨在借題發揮，與舊日王晶真正以賭博為主題的賭片相距「十萬八千里」。

《別》又是一個浪子回頭的故事，李夕（袁詠儀飾）在患了重病之際，把李陽交給父親吹水輝照顧，與其說輝改變了陽，不如說陽改變了輝。因為在兩人的日夕相處下，他倆建立了真正的父子情，初時輝對陽不瞅不睬，其後輝在無意中發掘了陽的天賦，需要依靠陽「賺錢」，遂對其態度產生一百八十度的轉變。本來輝只打算「利用」陽，殊不知夕與陽從小至大深厚真摯的母子情觸動了輝，讓他決心戒賭，並願意花時間和精力照顧陽。很明顯，這種勵志故事的內容沒有多大的新鮮感，他的改變全在意料之內，最後陽接納了他，亦是傳統大團圓結局常見的鋪排。

不過，《別》的優點在於其濃厚的人情味。輝與好友花叔（廖啟智飾）、表弟肥狗（白只飾）一起經營的理髮店，屬於傳統的「家族式」生意，他們在店內「一唱一和」的配搭，突顯舊式華人獨有的人情味。其實這類理髮店在八九十年代的澳門、香港、國內、台灣、東南亞甚至歐美的唐人街內都十分常見，如今再次在大銀幕出現，的確能勾起中老年觀眾一點一滴的回憶。那時候理髮店的顧客不多，通常都做熟客的生意，久而久之，店員與顧客日趨熟絡，在買賣理髮服務的關係之外，亦建立了長久的友情。一種自自然然地建立的「相濡以沫」的感情，濃得化不開，是舊日社會的重要標記。

上述標記在今天的社會內已日漸褪色，不論到茶餐廳吃飯還是剪髮，店員與顧客之間只維持商品買賣的關係，彼此能建立真感情的朋友關係，實在少之又少。《別》的主線情節其實是我們對舊日「濃情厚意」的珍貴回憶，片中店員與顧客之間談笑風生的片段，希望不要只停留在回憶裡，但願人情味在當今商業化的社會裡，不會成為逐漸被忽略，甚至被遺忘的「失物」，亦不會成為已放在「時間寶庫」內十多二十年早已被丟棄，甚至久已塵封了的「舊物」。因此，《別》的人情味其實是現今難得一見的「瑰寶」，寄望它不會隨便消失，亦不會一去不返。

曉龍

《職業特工隊：死亡清算》Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One

真人 VS 人工智能

戲裏戲外，都是真人與電腦的比拼。監製丶編劇兼導演基斯杜化麥哥利强調，是次製作大部份都是真人真景演出，盡量減少綠幕電腦特技。的而且確，很多場面都是身兼監製的湯告魯斯親身上陣，最危險那場跳崖真的看得你目瞪口呆!

以場面刺激度與密集度，本集可稱最高。真實度亦最高，據資料顯示，戲中火車原來是專誠特製出來，真的可以行走，一截一截車廂斷開懸吊也是仿真製作，做到逼真緊張。

動作場面設計具心思，取景配合劇情發展，如懂得利用意大利横街窄巷去泡製一連串的飛車追逐；沙漠突襲在沙塵暴中槍戰狙擊，皆因環境而增加刺激感。導演技巧與剪接值得讚賞，許多場口的剪接早半秒或遲半秒效果都會不同，準確的剪接會令影片更緊張，戲劇性更強。

唯本片的故事著實比過往幾集遜色，本來以「人工智能」來發展是很有噱頭的，而這次故事也九曲十三彎非簡單直接，可惜漏洞處處，犯駁多多，真箇「揾戲來做」；例如「飛車墮崖跳傘」跳落行駛中的火車一段。筆者本以為火車是全被包廂外人難進，原來不是，還有其他乘客，吓？那以「特工隊」的本事要混入去有何困難？而歹角加布列還可以躲藏貨箱內混入(可想而知保安有多嚴密？)，那麼伊頓又何需大費周章以最賣命的方法跳落火車之上？莫名奇妙！無他，只為製造驚險，看官不必介懷？總之做到緊張驚險刺激兼而有之這項「不可能的任務」就是功得圓滿了！噢，對不起，未圓滿，還有下集。

陸凌綠

湯告魯斯的個人表演

電影以人工智能為主題，是近年世界電影的潮流。《職業特工隊：死亡清算 上集》的創作人不忘分一杯羹，以人工智能的失控為世界危機爆發的主因，邪惡份子欲操控與人工智能有密切關係的新武器，以控制全世界，阻止他們得逞，這成為伊頓亨特（湯告魯斯）上天下海的最佳理由。 其實每集《職》都是湯告魯斯的個人表演，此集亦不例外。他高速奔跑，在火車車頂上的高難度動作，以及其高空跳傘的驚險鏡頭，都著意展現他難以取締的個人魅力，這仍然是全片最大的賣點。

湯告魯斯已超過六十歲，具有「逆齡」的體能，才可演繹片中的高難度動作。《死亡清算 上集》裡的動作鏡頭的確有不少前幾集的影子，的確能勾起不少七八十後的中年人的集體回憶，當身為觀眾的我們以為自己已變老，體能大不如前，他卻示範了中老年人仍然有很多可能性，依舊有發揮才能的機會。他是我們的榜樣，不要以年齡限制自己的發展，個人事業的巔峰與年齡無關，倘若身體健康，在六十多歲時仍然可走上事業的高峰。他在戲外戲內的成功故事正好告訴我們：中老年人依然可「搏盡」，依舊可成為有型有款的英雄。

《死》的故事老土，涉及多年以來在世界各地不同的動作片內多次出現的恐怖組織，情節的發展盡在觀眾的意料之內。可能編劇致力於編排四平八穩的情節，讓動作鏡頭較容易在足夠的理由「支撐」下出現，並盡量避免「喧賓奪主」，使我們聚焦於湯告魯斯的動作場面上。片中的文戲不多，值得討論的空間很少，或許創作人認為我們都會對此類動作片內喋喋不休的對白不感興趣，會成為我們的「廁所位」。現在的《死》似乎只有動作能成為被討論的元素，如果其故事內容稍有特色，相信全片的整體成績會更亮麗，會有更多值得深入探討的空間。

這是一部十年前的作品了，香港早年也曾上映過此片。十年後再看此片，絲毫沒有覺得「落伍」時代的感覺，反而更有感觸了。

影片講述的是一個由四位姐妹組成的藍寶石合唱團去越戰時的南越參加慰軍演出的故事，但私人的背景卻是相當特殊，因爲她們是來自澳洲的土著有色人種。在那個充滿嚴重種族歧視的年代裡，她們這些原住民還被英國白人移民者稱為「非人類的植物或動物群」而被驅逐隔離至市郊，她們想要達成這個演出的心願會是多麽的困難，除了面對種族歧視、還有對未來憧憬的内在情緒掙扎、何況在她們初次離家毫無準備之際就豁然面對一個關於靈魂個性、戰爭瘋狂、死亡政治的複雜世界。她們的成長歷程不可謂不艱辛，但影片還是把各個人物處理得充滿了幽默和喜劇性。

音樂是影片中一個重要的元素。搖滾樂最初是黑人布魯斯音樂與白人音樂碰撞的結果。影片開始時，四位姐妹唱的歌更接近白人音樂，而她們的音樂代理人明確地告訴她們音樂要「黑」一點，即回歸自己的内在本性，音樂才能具有靈魂，才能感染聽衆。這是她們成長/成熟的關鍵因素，也是影片人物經歷潛在的推動力所在。

儘管内容繁雜且沉重，但影片的結構則是非常的細緻清晰，娓娓道來絲毫不亂。孩子從隔離區的逃離與被偷走，到最終從越南重返澳洲，以及從精神上回歸原住民的靈魂，是個頭尾雙線並行且相互呼應的結構。影片中的插曲完全和人物的心態、情緒變化、逐漸成熟融爲一體，既設計合理，也是影片節奏控制最好的調節工具。

小浪

《元素大都會》Elemental

舊愛情勝在新包裝

還以為是中國的五行、哲學性故事…..原來是羅密歐與茱麗葉。

所謂元素只有：水、火、土和風。而土和風是大茄哩啡，主角只有火和水。當然就是借「水火不容」來大造文章了！大橋是陳舊老套，幸表達手法新鮮，影像亮麗，色彩奪目，美術畫風超脫橡膠味，回復手繪氣質；尤其是用於「火」不規則的晃動，很有燃燒熱烘烘的感覺。

PIXAR一向以短片見稱，每次正片前必有短片，而筆者覺得短片往往都比正片精彩，滿有創意，但今次真的很失望。短片叫《卡叔有約》Carl’s Date，講述多年前的《沖天救兵》”UP”主角Carl有新對象。記得當年UP片首那四分半鐘Carl and Ellie，全片零對白，單憑影像描述兩夫妻感情從結婚到老伴離世，簡潔俐落，情深義重，真摯感人，簡直是全片精髓所在，高手傑作。可惜這回短片Carl’s Date完全是砸爛自己招牌，全片喋喋不休，對白沒停過，又沒有特別意義，口水多過茶，畫面既無突破又無創意。我覺得簡直是對其死鬼老婆Ellie的侮辱，有必要拍一段如此剎風景的番外篇嗎？

正片總算多姿多彩，有點補償。雖然沒有五行的哲理思維，也將「水」「火」的特點玩得很盡；如「火」可以燒出耀目繽紛的玻璃，「水」可以流動變形，而「爆喊」真箇淚如泉湧亦非常惹笑。球場玩「人浪」更是神來之筆，一絕。愛情部份洋溢浪漫，美不勝收。唯可觀性只限豐富過癮細節和美麗包裝，偉大愛情、父慈女孝、擁抱夢想等皆屬陳腔濫調。在故事創意上，PIXAR再次令我失望。

陸凌綠

《露比格曼：海怪神話》短評

海怪「擬人化」

《露比格曼：海怪神話》內露比一家身為海怪，卻「隱姓埋名」，為了躲避美人魚，決心離開海洋，到陸地生活，「假扮」成人類，希望免於被殲滅，並過著平靜安穩的生活。她的母親欠缺膽識，不敢與美人魚爭奪海洋的生存權，唯有「移民」，找尋另一不適合但能夠生存的空間。現實生活中的人類仿似《露》中的海怪，同樣需要尋覓生存的空間，但人類較貪心，通常都想擴闊自己生存的國度，多於只滿足於狹小的生活環境。例如：在地球備受人類污染後，科學家竟選擇火星為我們的另一居所，讓我們霸佔地球之餘，還可以移居至火星。海怪被迫遷居，人類卻因自作孽而主動遷居，前者與後者的遭遇實在千差萬別。

《露》內露比雖然在人類世界內生活，但在成長過程中難以遮掩自己的海怪特質，突然變大，恢復本性，並返回海洋，不論她的母親如何阻止她進入海洋，她都難以違反自己的本性，遑論會對母親唯命是從。現實中的年輕人與她相似，同樣按自己的本性而行，即使父母怎樣強迫他們遵從自己的指示，他們都不會盲目遵從，反而「順從自己」，跟隨個人的心意和興趣，尋找適合自己的生存空間，像她一樣，覺得陸地不合適，便毅然進入海洋。不論她還是他們，父母的指令只會在其兒時發揮效用，一旦到了青春期，她/他們便會變得自我中心，個人的意願大於一切，父母的指令已在一剎那間被拋諸腦後。

很明顯，《露》的創作人從人本的角度出發，把人類常見的特質放在露比及母親的個性及行為上。露比是人類世界內處於青春期的少女的寫照，反叛，喜歡挑戰權威，我行我素，視禁令如無物。她的母親仿如中年女子，追求平靜安穩的生活，留在自己的舒適區內，不敢越雷池半步，避免自己/家人墮進危險的境地。即使她與母親擁有海怪的外形和特性，仍然脫不了人本的傾向，因為創作人一開始已從人類的角度設計她倆的形象，其「擬人化」的做法使她倆與現實中的你我她無異。其實她倆「平凡」的特性是一把「雙刃劍」，既可使觀眾產生共鳴，在現實中找到她倆的「影子」，但卻又找不到任何意料之外的驚喜。因此，《露》內海怪「擬人化」的設計利弊參半，覺得它沉悶還是有趣其實只有一線之差，認為其好看與否實在見仁見智。

曉龍

《奪寶奇兵：命運輪盤》短評

過去與現在

不論戲內還是戲外，《奪寶奇兵：命運輪盤》都穿梭於過去與現在，追上時代的潮流，大玩時空的交替。戲內奪寶追逐的動作場面固然緊張刺激，而鍾斯博士（夏里遜福飾）從過去走至現在，創作人依靠電腦特效「製造」年青版的他，精力充沛，追趕跑跳碰都不會輸給現今的年青人，過往《奪》系列的集體回憶全都重現在觀眾眼前，六七十後的中年觀眾必定能懷舊一番，並獲得與兒時相似的觀影體驗。因此，說影片旨在滿足我們的懷舊心理，明顯有一定的依據。

戲內鍾斯雖然已日趨老邁，但仍堅持年青時的興趣，醉心考古，把自己的生命奉獻給文物研究。當他在大學課堂內專心教學，表現自己在考古研究範圍內專業的態度，年輕的學生卻心不在焉，部分記掛著課堂以外的事情，另一些對課堂內容不感興趣，他與他們形成強烈的對比。影片末段他依靠命運輪盤回到古代，寧願留在過去，都不願意返回現在，熱愛古代的人和物，其對考古學敬業樂業的態度，可見一斑。因此，說影片呈現老年人對自身的事業終生的熱愛，有一種難以被動搖的堅持和執著，實不為過。

至於戲外，夏里遜福已八十歲，依然在動作片內演出，從過去至現在，他對《奪》系列的不離不棄，堅持親身上陣演出，即使用了不少電腦特效，都不會使我們懷疑他演出的誠意。因為大家都相信他已盡了最大的努力演出此角色，而創作人在動作鏡頭內運用電腦特技，實屬無可避免。因此，他的誠意可嘉，對自己演藝事業的熱愛從不褪色，雖然影片主線內盜取寶物的情節屬老調重彈，動作場面與以前的《奪》相似，難以談得上有多大的新鮮感，但他不顧自己年齡的限制而賣力演出，其實都已值得我們支持。

曉龍

《奪寶奇兵：命運輪盤》Indiana Jones and the Dial of Destiny

時光倒流對福伯的意義

當《 奪寶奇兵》都順應潮流玩「穿越」的話，也應該是最終章了！(下有少許劇透)

「自古美人如名將，不許人間見白頭」，仍然要八十歲鶴髮雞皮的夏里遜福追趕跑跳碰？何必呢！沒法，鬼叫你是獨一無二的Indiana Jones，如何也得有個「完美」最終章。至於是否福伯演藝生涯的「最終章」我不敢說，但有多少巨星能從年輕演到老仍有人記得？ 他得天獨厚。正當我擔心他老人家的魄力時，新科技提醒我：Come on這是夢工場！

今天八旬的福伯切合這集主題「時光倒流」，回到四十年前，型英帥地演足三十分鐘動作片；逼真到我不敢相信！我心目中的Indiana Jones回來了！當然接下來的都是一貫刺激，追逐飛車、上天下海、遊走世界各地，不失熱鬧緊湊，舊地故人客串亦添緬懷之情。

然而「奪寶」終極的「寶」也是最厲害的，肯定連阿基米德也不知道自己曾發明「時光輪盤」可以回到未來。穿越片的老調都是「改變」或「不改變」；這永遠都是不會汲取歷史教訓的人類最渴求的。

整套戲重本製作，全部電腦特技，技術當然超越四十年前，但主題是甚麼？我只連繫到福伯與Indiana Jones的關係。福伯長青；Indiana Jones會一直演下去。

陸凌綠

《新·幪面超人》短評

舊與新的融合

舊式的幪面超人以暴力解決問題，這是人所皆知的「事實」，但《新·幪面超人》內本鄉猛本性善良，受自己的父親影響，不願意隨便使用暴力，即使父親因勸諭罪犯「放下屠刀」而被殺，他仍然堅持自己應盡量以非暴力的方法解決問題，因為他深信人性本善，罪犯被罪惡蒙蔽，才會走上歪路，濫用暴力，並向整個社會報復。在他的眼中，SHOCKER組織派出的強化人誤信「邪教」，被該組織利用，當然源於組織信念的吸引力，亦源於他們本身不幸的個人和家庭背景。因此，編劇庵野秀明在《新》內賦予《幪面超人》一點點新式的深度，在多年前的電視版《幪》之上深化暴力/非暴力的主題，讓《新》在內容方面創新猷。

不要以為《新》陳舊老土，與《咸蛋超人》同樣是超人打怪獸的故事，殊不知庵野秀明嘗試在《新》內加入高科技的元素，近年流行的人工智能竟成為幪面超人最終極的敵人，這是一心進入電影院懷舊的觀眾始料不及的新元素。《新》以舊式幪面超人拳腳打鬥的動作結合新式人工智能生成的「腦袋」及「語言」，是一種後現代的舊與新的「拼貼」，這是《新》在形式方面的創新。如果觀眾認為此片的動作鏡頭太少而文戲太多，繼而覺得其整體不吸引，未免低估了此片的內涵，因為《新》的核心價值不僅在於其表面的畫面，還在於其探討從舊至新的哲學意味。因此，《新》在傳統的特攝片風格內加入近年流行的科技元素，正顯露庵野秀明別出心裁的創意。

不過，新一代的年青觀眾可能覺得《新》內幪面超人的拳腳功夫較簡陋，欠缺高速動作的快感和刺激感，其鏡頭的轉換略欠吸引力。但正是這種較「原始」的動作設計，才可勾起現今的中年觀眾童年時觀賞電視版《幪》的集體回憶，可能庵野秀明的野心太大，一方面需要以舊式的畫面吸引中年觀眾，另一方面又需要以新式的高科技元素吸引較年輕的觀眾，在顧及新舊元素的融合下，難免有點顧此失彼。人工智能操控的大壞蛋在貌似舊式的日本社會裡出現，幪面超人的盔甲和裝備卻仍然停留在八九十年代的水平，這證明人工智能的科技感與周邊傳統的環境格格不入。因此，《新》內舊與新的融合是否好看？是否具吸引力？實在見仁見智。

《怪物》短評

誰是「怪物」？

《怪物》的故事源於一宗湊（黑川想矢飾）被欺凌的事件，究竟他的老師保利（永山瑛太飾）、母親早織（安藤櫻飾）、同學依里（柊木陽太飾）、他本人還是整個教育制度是「怪物」？  所謂「橫看成嶺側成峰，遠近高低各不同」，從相異的角度分析，會有截然不同的想法。

老師保利是「怪物」。雖然他是一位有心有力的好老師，但因為他制止湊對同學的報復，不慎弄傷了湊，又較沉默寡言，不太懂捍衛自己的權益，以致校方高層以他為「代罪羔羊」，強迫他辭職。與其說他是大好人，不如說他是整個制度的受害者，是群眾壓力之下的「犧牲品」。

母親早織是「怪物」。她母兼父職，需要獨力照顧湊，愛子心切，看見他受傷後，急於找尋「真兇」，不理會整件事的前因後果，只求為他復仇，並要求校方承認罪責，作出行動。她善用日本學校的投訴文化，即使不一定能補償他的精神和肉體的損失，仍然務求校方高層給她一個圓滿的交代。

同學依里是「怪物」。雖然他是小學生，但已有明顯的同性戀傾向，愛上湊，希望經常與湊在一起。他表露當時被視為異常的性傾向，家人決心「醫治」他，強迫他改變，要求他喜歡女性。在當時保守的大環境下，他被歧視，難以與主流的思想抗爭，但又不願意屈服，陷入極度矛盾的心理狀態。

湊本人是「怪物」。因為他被老師保利不小心弄傷後，沒有向母親早織說出事件始末的真相，導致她誤會了該老師，以為老師故意欺凌他，她為他伸張正義，其實源於她對老師像「雪球」一樣越滾越大的誤解。他沉默地面對自己的處境及周邊發生的事情，且不懂為老師澄清事實，明顯未能替他人著想。

整個教育制度是「怪物」。在日本，教育已被「轉化」為服務性行業，老師是「銷售員」，家長和學生是「顧客」。老師做錯了事，必須向家長和學生道歉，不論事實真相如何，老師必須先認錯。片中校方高層代表老師多次向早織致歉，卻未弄清欺凌事件的始末，已證明道歉已成為老師在家長面前必須履行的「禮節」。道歉背後是否真心？是否合理？這竟是無人會關注的事情。

因此，《怪物》的片名具有高度的諷刺性。編劇坂元裕二從不同角度闡釋「誰是『怪物』？」的題旨，讓觀眾反思處於不同位置的持份者如何使自己成為「怪物」或者外在的環境怎樣令他們成為「怪物」。不論主動還是被動地成為「怪物」，同樣使我們進行深刻的反思，進而把自己看見的影像聯繫至相似的現實世界內。