德國人與我們中國人不同，他們好反思。這是優點，但有時這也把自己的生活搞得很沉重。愛情和婚姻更是說不清的一種生活糾纏，所以已婚的德國人常說的一句口頭禪就是：請別把生活搞得更沉重了。

二戰末，瑪麗婭和赫爾曼結婚了。不過赫爾曼第二天就上了戰場並回傳了陣亡的消息。為了生存，瑪麗婭與美軍黑人中士比爾同居了。但赫爾曼並沒有死，他回來找瑪麗婭，結果混亂中瑪麗婭殺了比爾。赫爾曼自認是兇手而入獄。瑪麗婭重新開始，通過勾引老闆奧斯維德成為他的秘書並一步步成為公司的重要人物。變得自信且名利雙收後的瑪麗婭與在獄中的丈夫赫爾曼產生了大反差，這讓他覺得抬不起頭了。他接受了瑪麗婭的老闆奧斯維德提出的協議：將瑪麗婭出讓給奧斯維德，換取自己的出獄及離開。最後，奧斯維德病逝，赫爾曼才再次回到瑪麗婭的身邊，但愛情死了，婚姻也就沒有了存在的意義。

與另一部德國電影《愛的12碼》/Das Wunder von Bern一樣，電影都選擇了1954年德國足球隊在瑞士獲得世界盃足球賽冠軍事件做背景。但導演法斯賓德則是絕對的消極，他以此來為表現婚姻破裂的結局，諷刺德國透過經濟奇跡獲得豐富物質，背後的是可怕道德精神的空虛和愛的誠信破產。當年德國民眾自信的低落和東西德的分裂，負面宿命論的糾結或是法斯賓德常常在他的電影中把背叛做為作品主題的緣由之一。

影片女主演漢娜·許古拉因此在1979年獲柏林國際電影節最佳女演員獎，傑出成就獎以及紐約電影評論協會最佳女主角獎。影片還獲得1979年柏林國際電影節最佳技術獎，美國金球獎最佳外語片提名。

小浪

這是本屆電影節開幕電影:一部關於中年男女的愛情電影。 和我們所熟悉的那種充滿商業元素的港式愛情電影不同, 影片沒有俊男美女、也缺乏秀麗的美景、更沒有情色誘惑，有的僅是平淡但細膩的生活點滴，卻足以讓人感受愛的溫馨。

刑事法庭的法官米歇爾(Michel Racine)是一位以嚴厲著稱的法官，不通人情也不善於與人為善。然而這次在面對一宗嬰兒被殺案時卻變現出一種截然相反的態度，這究竟是怎麽一回事？原來他遇到此案的陪審員貝吉（Birgit Lorensen- Coteret），一位讓他神魂顛倒的女人。

影片特別之處在於整個故事雖然圍繞著法官米歇爾與陪審員貝吉兩人，但場景幾乎一直沒有離開法院。與同事、陪審團各人的交談及被告人夫婦案件內容互為交叉, 描述並刻劃了兩人的性格、過去和情感。展示了一種合符主人公身份的理性式的情感。米歇爾對貝吉所提的約會請求僅僅是讓她坐在法庭裡看他審案, 理由是她的直視能讓他感受到理性背後愛所帶來的理解與寬容。

片名“L’Hermine”指的是法官袍領子上的貂皮。在法官的紅袍領段，襯著白色貂皮的柔軟，上面還別有一個藍色的徽章。

小浪

家庭使人成長 曉龍

在正規的教育制度下，部分學生會使老師和校長失望，因為他們用盡所有時間和精力，希望使學生改過自新，誤入歧途後重返正途，但他們偏偏不得其法，軟硬兼施，就像《暴風少年》內校長和老師對待男主角的態度，忽爾懲罰，忽爾勸導，卻仍未能軟化他躁動不安和極度反叛的個性，他依然故我，喜歡我行我素，對旁人的目光置諸不理，做出各種反社會的行為。不少觀眾可能認為片中的他的出現是社會的錯，對出生於弱勢家庭的他的社會保障不足，引致他未能實現自己的夢想，亦未能找到自己在社會中適合擔當的角色，遑論能創一番事業。

沒錯，政府須為弱勢家庭「與生俱來」的不足負上一定的責任，但無可否認，他與其要求整個教育制度為了遷就他而作出轉變，不如他努力改變自己以適應整個制度。《暴》可能蘊藏著對教育制度的控訴，片中各部門用盡所有辦法都不能使他重拾善良的本性，反而令他對師長、對制度、對社會的怨恨越來越深，幾乎陷入「難以自拔」的深淵，在此時此刻，似乎絕望與痛苦深切地籠罩著全片，其精神狀態變得不安，前面是「絕路」，沒有希望，遑論會對未來有充足的盼望。

幸好命運和遭遇給他一個重過新生活的黃金機會，他與女朋友未婚懷孕，需要照顧孩子，使自己需要承擔個人學業和工作以外的責任，最新的父親身分令他比以前更趨成熟，知道自己需賺錢養家，即使自己不會花費太多，他仍然希望給予孩子足夠的衣食，可以過著健康正常的生活。故建立家庭是他一生的「轉捩點」，從不負責任轉化為極富責任感，從不顧後果轉化為替家庭著想。在建立家庭之前，不論他接受任何正規或非正規的教育，他依舊死性不改，認為自己崇尚暴力、挑戰權威的「越軌行為」是發洩不滿情緒的最佳方法；在建立家庭之後，他重新燃點埋藏於心底內的人性和人情，在他與孩子的相處過程中，深切地感受人間有情亦有愛，負面情緒日漸消減，並逐漸被正面情緒取代。

不少人可能以自己生於問題家庭為藉口，解釋自己誤入歧途的原因，以為這是自身命運和際遇欠佳所致，雖然這是自己不當的行為，但不是自己的錯，而是外在環境的錯。事實上，片中的他生於問題家庭，的確使他在社會中處於不利的位置，自覺處處比別人低下，亦經常因自尊感低落而做出離經叛道的事，希望依靠外在的反社會行為證明自己的能力，成為受朋輩「愛戴」但不受社會廣泛認同的「英雄」，靠行為突出自己是表現自己的最簡單快捷的方法，亦最容易達致「鶴立雞群」，在茫茫人海中超越別人而提升自尊和自信的長遠性目標。

由此可見，《暴》與其他譁眾取寵的主流荷里活青年電影不同，前者著墨於男主角身為青少年的內心世界，多層次展現其缺乏安全感而須尋找「依靠點」的恐懼和軟弱，外在逞強的個性其實包裝著內裡不堪一擊的弱小心靈；後者大多只著墨於主角表面化的外貌和行為，最多觸及較為內斂的情緒感受，沒有涉及外在與內在之間強烈的反差，遑論能透視其心靈深處鮮為人知的匱乏和缺失。因此，《暴》的驚喜之處，在於其能突出平凡中的不平凡，在平凡的校園生活中，突出青少年不平凡的精神狀態；在平凡的教育制度中，突出其挑戰以至粉碎整個制度的野心；在平凡的資本主義社會內，突出弱勢社群需要衝破環境和際遇障礙的勇氣和決心。全片到了最後，男主角的個性和行為終產生轉變，這明顯是充滿希望的新開始。

《百日紅》

就是「浮世繪」。

主角不是葛飾北齋，是北齋的女兒阿榮，環繞著的也是阿榮的故事；然而北齋總不能少。不説不知原來其女兒也是浮世繪畫家，以一個女流之輩，在那個江户時代要與男性爭一口飯吃，實在不容易，果真是女中豪傑。當時的畫師並不受人尊重(今天亦然，起碼香港是)，只為討生活，甚麼畫都要畫，其中「春宮圖」應該是需求最多，也最賺錢，北齋繪畫當然沒問題，但要未嫁姑娘阿榮去畫，就是有點為難了，唯她是專業的…，這也是戲中有趣的一段。

父女二人敬業樂業、畫功出眾，不論人、鬼、神均畫得栩栩如生，導演也藉此帶出一些日本古代流傳的鬼怪事件與造型，某些鬼怪形象至今仍被沿用，相當經典。零碎的傳說和北齋父女的逸事以外，還看到導演的極細心，他能聰明地運用了旁邊的景物去交代時光的流逝，如小狗的長大(每個階段的小狗都不同，絕不躲懶)、秋去冬來春又至的景緻－花如百日紅、鳥如燕子(繁殖期餵哺乳燕)等；細緻的還有阿榮的失明妹妹泛舟，知道已穿過橋底；為何會知道呢？因為聽到橋上行人走過的聲音，怎會聽得見呢？他們都穿木屐！這些細節，許多動畫都會忽略的。畫面美，配樂亦佳，幾段悠揚的樂曲悅耳動聽，也隨著劇情帶動觀眾情緒。

欣賞這片子，不認識北齋的，可以認識一下；不認識浮世繪的，可以認識一下；不認識日本文化的，可以認識一下。日本仍然堅持用手繪動畫，畫師動輒是幾百萬張地繪畫(雖然現有電腦幫忙，但人手描繪省不了)，這是傳統，也是這國家懂得尊重文化的表現。不像某些國家只懂向錢看，畫作俗不可耐，但賣錢，因為有更逐臭的國民去炒賣。幾千年的文化藝術經過一場「革命」，還剩餘多少呢？

陸凌綠

樂觀積極地面對逆境的態度 曉龍

真人真事改編的電影特別能觸動人心，原因在於其真摯的情感，不經修飾，沒有隱藏，自然流露的真性情，配合別具真實感而立體刻劃的人生，使觀眾看電影時容易想起自己，以及身邊的每一個人。因為觀眾看見銀幕上出現的人，再也不是遙不可及的明星，亦不是高不可攀的名人，而是極具親切感的你我他，演員熟讀劇本後，由於知道那是真人真事，自然會隨著角色的言行舉止、情緒波動而流露一份真感情。這就像《滾蛋吧！Mr.Tumor》中飾演熊頓的白百何，雖然她在現實生活中是一位知名藝人，但她對角色有充足的投入感，領略角色獨特的人生觀和價值觀，了解和體會角色的處境，成功演繹角色的內心世界。

當熊頓面對癌症的苦楚時，不單沒有怨天尤人，亦沒有自怨自艾，反而用別具幽默感的漫畫記下其接受治療過程中的一點一滴，珍惜每一天，這種樂觀積極地面對逆境的態度，由白百何運用活潑的眼神和生活化的身體語言演繹，從心出發，細膩地帶出愉快背後的酸苦，豁達背後的悲傷，畢竟人是「軟弱」的動物，總會有無奈憂鬱的時候；她在日常生活的細節中流露的苦澀，對生命無常的惋惜，已令角色別具立體感，因為此角色是一個活生生的人，會隨著個人遭遇的變化而使自身情緒產生變化，她對角色「人之常情」的特質的演繹，充分表現角色多元化的個性，與人類與生俱來的複雜性互相配合，這證明她對表演技巧有基本的掌握，亦對角色個性的內蘊有深入的了解。由此可見，她應在演繹熊頓前搜集了不少關於角色生平的資料，花了不少時間揣摩角色的行為動態；否則，現今的觀眾不可能在大銀幕上看見這個「形神俱備」的熊頓。

此外，全片展示非一般的人生態度，片中熊頓頑強的生命力，已超越了「懂得珍惜半杯水」的層次，她經常笑臉迎人，希望為旁人帶來正能量，不希望別人為了她的重病而傷心，反而期望別人嘻嘻哈哈地度日，「愛護」幸福快樂的時光，不會因日常的瑣事而憂心，亦不會因自己不幸的際遇而悲傷，更不會因世界敗壞而感慨，反而因平凡事的美好一面而快樂，亦因生命中的挫折帶來的磨練而喜悅，更因世界偶爾出現的一點點美好而興奮。如果每個人都像熊頓，擁有正面的人生觀和價值觀，當地居民的快樂指數一定會急升，不單自殺率會下降，家庭糾紛亦會減少，社會同時變得更和諧。故片中熊頓對生命的正面態度值得宣揚，亦值得身為觀眾的我們努力學習。

另一方面，片中熊頓化悲憤為力量，希望以自己的經歷為例，撫慰患上危疾的長期病患者哀傷痛苦的心靈。在現實生活中，筆者曾看見不少經常愁眉苦臉的癌症病患者，他們的臉容顯露自己對個人際遇的不滿，甚至經常喃喃自語，咒詛命運之神，責罵此神「為何偏偏選中他/她？」，不願意與別人溝通，遑論會關心別人，只沉緬於充斥著個人主義的自我世界內，沒有光明，只有黑暗，沒有希望，只有絕望。筆者認為《滾》正好鼓勵他們從另一角度看待生命，培養他們建立「幸好仍有半杯水」的積極人生態度，與別人分享自己的經歷，讓別人學會正面的人生觀和價值觀之餘，亦令自己產生改變，軟化內心的怨憤和怒氣，學懂以平和的態度面對疾病，迎接未來。由此可見，助己助人的內蘊，根本就是熊頓精神的精粹，這亦是全片的創作人欲帶出的核心價值。

《駕喻人生》

輕鬆幽默走過了路直路彎。

憑學車來重新領悟自己應走的人生道路，題材有點新意。更特別的是，教車師傅的設定－一位錫克教的印度人。這個人物設計，增添了不少戲劇性，如他的「盲婚」、他的新移民身份、他的外貌與打扮…。尤其是他的「傳統婚姻」，不單營造出「小三」的吊詭，也對比著現代人脆弱的夫妻關係。

導演手法徐疾有致，間中的幽默雋語，令人神怡；含蓄不越界的友誼更是影片最佳的終章。

只是飾演失婚婦的柏翠茜亞格遜略嫌過火；反觀，使出真功夫，賓京士利的氣定神閒就是一個大師傅！

陸凌綠

《夜半女敲門》

結局總算救了整齣戲！

開出來的格局就是驚嚇加一點鹽花。青春索女拋胸跑來跑去，再加一個(靚)中佬奇洛李維斯，一個景，三個人，演畢一齣戲；典型低成本驚慄片。當然你不會奢望有甚麼驚喜，但要在近一百分鐘內令你目不暇給又不打瞌睡的話，此片算交足功課，緊湊熱鬧，有紋有路，可以説是N年前《小魔怪》的美艷版。

萬惡淫為首，到底是衰佬「有食唔食，罪大惡極」？還是男女不平等引起的軒然大波呢？

叫人拍案還是最後的「一指禪」，令我們重新思考更多、更多！

陸凌綠

夢想與現實的距離 曉龍

小時候，我們在中文作文課內，總寫過「我的志願」/「我的夢想」之類的文章，當時充滿著熱情，希望未來的自己能成為社會上有用的人，即使不能名成利就，最少仍能從事自己感興趣的職業，發揮所長，服務人群。不過，當我們日漸長大，就會發覺這些夢想與自己的能力有一大段距離，不論自己如何努力，都不可能實現夢想，經歷挫折、失望和沮喪後，會嘗試調整自己的夢想，甚至向殘酷的現實低頭，甘願完全放棄夢想。《哪一天我們會飛》以飛行為主題，提醒我們：不論際遇有多不幸，生命有多無常，我們仍須堅持夢想，不要因小小的困難而徹底放棄，即使自己暫時需要為生活奔波而勞碌不停，我們仍舊需珍惜夢想帶來的滿足和喜樂；否則，自己的人生就會有難以彌補的缺陷，到了中年和老年，自己就會後悔莫及，對自己未能實現夢想而深感遺憾，難以補償，亦不可能「捲土重來」。片中余鳳芝長大後竟放棄了年青時代欲環遊世界的夢想，為了工作而甘願把年青時代的夢想拋諸腦後，對今時今日過著忙碌生活的我們，實在有深刻的啟示。

描寫中學生活的亞洲電影不少，但以夢想為題的港產片卻十分罕見。導演黃修平著意透過電影發放正能量，以消解社會上的怨氣和怒氣，讓身為觀眾的我們重拾實現夢想的珍貴價值，不會因現實的壓迫而放棄夢想，反而年紀越大，越需擁抱夢想，即使為了維持正常的物質生活而暫時放下夢想，但仍然須在閒暇的時間內發揮所長，享受夢想帶來的歡愉和快慰，縱使未能徹底地把夢想付諸實踐，最低限度仍能告訴自己：曾經嘗試實現夢想，雖然失敗，但仍覺不枉此生。這種「自我感覺良好」的做法，可能被視為魯迅筆下阿Q的精神勝利法的轉化版本，但這可能已是沒有辦法之中的最佳辦法。與其像片中長大後的余鳳芝被迫「逃避」自己的夢想而自怨自艾，不如盡自己的能力縮短夢想與現實的距離，初嚐實現夢想的滋味可能比勞碌工作而「一無所獲」的失落感相距百倍，同樣道理，回憶中的願望得以實現所帶來的盼望可能比現實中欲望無法獲得滿足的無奈相距千倍，甚至萬倍。

由此可見，人類有與生俱來的選擇權，可選擇逃避或實現夢想，但在實踐夢想的過程中去得太盡，又是否一件好事？片中長大後的蘇博文因眼睛色弱而不能成為飛機師，但其後為了實現夢想，竟非法駕駛小型飛機，其墜機身亡的結局，反映當初他對夢想的堅持和執著有利亦有弊。利在於實現夢想能帶給他一種對光輝未來的希冀，當中追逐夢想的歡愉，實非外人所能輕易了解；弊在於夢想為他帶來沉重的「負擔」，未能實踐夢想的殘酷事實使他心有不甘，想盡辦法在能力範圍以內甚至以外作出最大膽的嘗試，悲劇告終。不過，從另一角度分析，雖然他死亡，但他最少曾經擁抱夢想，即使最終離開人世，他仍覺今生無悔。在全片的中後段內，他中學時代的好友為他的死亡而感到無奈悲傷，但其實他們不了解他為夢想而「去到最盡」所帶來的安然舒暢，亦不明白他失落至終而孤注一擲的冒險精神。因此，導演的前作《狂舞派》與《哪》的主題雖有很大的差異，但兩齣作品同樣強調主角為夢想而「去到最盡」，可見兩片的主題一脈相承，這證明《哪》是《狂》不折不扣的延續，在主題先行的大前提下，不論舞蹈還是飛行，都只是一種表達主題的「媒介」，脫掉這件外衣後，兩片的「身體內蘊」明顯有不少相似和共通之處。

這是一部探討沉重主題的德國電影，影片重現了1992年8月22日至24日那三天裡在北部城市Rostock所發生的襲擊難民事件，揭示了當地的難民、新納粹分子以及社會民眾的所思、所言及所為。反思之餘，正好考驗德國人如何處理擺在眼下的一個更大規模、更棘手的歐洲難民潮問題。

影片一開始就以當地黨派內部是否該介入事件的爭論帶出究竟是什麽原因讓這類事情竟然發展到無可避免的悲劇結果。事件自始至終，黨派和內部個人的利益都最終臨界於人性和道德之上。最後，導演給予了觀眾一個真實卻苦澀的結局：那位一心想加入德國籍並極力示好的越南女難民微笑著走出難民營，而等待她的是-街上的小孩子卻撿起石頭扔向她。

影片的敘述結構是簡單的時間順序結構，但卻用黑白及彩色攝影交替表達不同的空間與主題內容。黑白表現事件發生之前的一些事以及那種非黑即白的東西：諸如立場、理性思想和看法；而彩色則用於敘述事件、展示年輕人的瘋狂和迷惘。影片的配樂更是將這種遊離在迷惘和激情之間的那種無所適從的情緒表達推向極致。將納粹歌曲和國際歌編輯在一起，不僅僅是一種荒誕也是更令人難以忘懷。影片結尾部分各個人物在衝突和混亂的大場面空間裡所展示出的思維及行為被處理得次序井然，條理清晰。導演在處理場景和使用電影語言方面表現出極強的掌控及創作能力，很難想像這部影片出自一位年輕的導演之手。

導演通過家庭的一個短暫對話提出了一種深刻的反思：「你祖父致力於民族事業，而我反對他，因為他是納粹黨，而我是共產黨。你反對我，是因為你致力於民主事業。而你的兒子Stephen現在又在反對你，讓我不解的是他們（新納粹）到底是為了什麽呢？」

小浪