改篇自John Grisham的同名書作，港譯《幕後陪審團》，上映於2003年，是一套鬥智猜心的劇情片。

整體而言，電影只屬平平，主要是受劇情所限，未能有更佳的發揮。電影的最大問題，是公式化，這使得本來新穎的題材失卻了驚喜。一場槍械官司案，如同 兩軍對決。代表正義的一方替受害者的遺孀索償。而替軍火商辯護的律師才智一般，卻有一位觀人於微的行為閱讀專家，率領一支龐大的智囊團在背後「做野」。被 揀蟀入選的陪審團中，混入了一位從中作梗的無名小卒，左右大局，為的是要向求勝心切的兩方律師刮一筆財富。

電影卡士強勁，由兩大影帝Gene Hackman及Dustin Hoffman (真赫曼及德絲汀荷失曼)掛帥，再加上John Cusack與Rachel Weisz兩位實力演員，理應劇力萬鈞。只是故事太過忠奸分明，反而失真。而發展都在預計之中，戲味相對平淡，再加上戲份分佈不均，使得作品失去了應有的 精彩。

四位主角中，以真赫曼最為搶鏡，這和他的角色不無關係，戲份最重，發揮也不俗，為電影扳回不少緊湊氣氛，可惜其餘幾位具份量的演員的人物設計都不夠深刻鮮明(鮮明並不等於要忠奸分明)，演起對手戲來都擦不出火花，一場貓捉老鼠的遊戲，變成了花豹鬥倉鼠。而戲路縱橫的德絲汀荷失曼與真赫曼的同場較技， 卻乏善可陳的只有一場，到喉唔到肺，產生不出化學作用，完全浪費了幾位星級演員。

電影是真赫曼息影前的作品之一，04年推出的最後作品Welcome to Mooseport，是費時失事之作。反而這一部尾二推出的Runaway Jury，更具體頭。把它視作一代巨星的告別之作的話，電影雖然未及精彩，也值得我們欣賞那最後的花火。

果醬

性這種元素在電影世界裡出現的頻率越來越高(並不包括其來已久的小電影)，不論是作為電影的一些畫面，或是打正其號的作為題材，觀影而見性已很普 遍。不論此風是否值得助長，性在電影裡，已經是不能看輕的成份。

剛與妻子鬧離婚的Vince，正沉淪於傷感裡，一班死黨為了助友好走出陰霾，決定帶他到出名美女雲集的Moodley小鎮，過一個狂歡的週末，「重振雄風」。Doghouse電影一開始，就是一團男人，攞正牌去滾。

未曾入村，已經有美女充任旅遊巴私機，村裡是何等風光，可想而知。

意想不到地，村內空無一人。

地氈式搜索後，終於有女來相迎，卻是一隻又一隻的女喪屍。

電影由性入局，卻演成了一齣黑色幽默的喪屍片。

自從Simon Pegg04年的Shaun of the Dead殺出一條血路後，英倫似乎愛上了這一獨特片種，06年的Severance，到09年的這套Doghouse，都可以看出一脈相承的共通點。題材雖然不一，但風格類同。而幾套作品是一浪不如一浪的，但這一齣仍具睇頭。

此片大玩黑色幽默，以荒誕面對驚嚇，這一次，可說是更加淋漓盡致。只是玩到了盡頭，有點過火失控，使氣氛無以為繼，打了一些折扣。但作品的的優點， 是玩味很強，玩味不是來源於一直大玩不文，而是對於人生的點點嘲笑。電影由始至終，都在談男女關係。只有女子受病毒感染而變成喪屍，並非出於性別歧視，而是暗喻女子在婚後的巨大轉變。誇張了點嗎?這正是電影瘋狂獨到之處。

電影由性變為兩性探討，是罕有而有趣的筆鋒。喪屍片竟能帶出一段大道理，也可說是別出心裁。笑中有淚的作品，沒有顛覆男女愛情觀的神奇功效，倒也值 得男男女女共同歡賞瘋狂一番。

而性這一種舉足輕重的元素，在偽道德的觀念下，也正好解釋了香港電影玩完的另一原因。我們的影壇，才是真真正正的一間Doghouse*。

*戲中有罋中之鱉的意思。

果醬

一些感情，總在指縫間流竄而過。即使手握得再緊，緣份還是說散就散。

2009年的Spread，是一套有別於一般情場浪子的電影。花花公子的外表，內裡原來是一名窮光蛋。在夜夜笙歌的洛杉磯大都市裡，他人見人愛，但 歡愉後無心裝載。傷盡女人心，純粹因為他是玩「性」不恭的情聖。但揭破了有型的外表，脫下了衣裳，他不過是靠性搵食的業餘舞男。一夜溫存，讓他能寄居於情人的大房子(Spread)裡，然而寄居在他軀殼內的，是空虛，還是快樂?

一個對他忽冷忽熱的陌生女子，使他傷女不成反自傷，也讓他漸漸意識到，他生命裡一直欠缺的，是性不能取代的對愛的渴求。他忘不了她，甘願為她放棄麵 包，放棄豪宅名車，卻發現深愛的她，原來是同道中人。

麵包與愛情，原是永生纏繞的悲劇。舊時代的愛情重視階級，新世代自由戀愛，很少再存在「門當戶對」的觀念，卻仍不得不慮及基本的生計與將來。感情必 須附帶條件，選擇麵包，不一定出於貪婪。在生活越來越艱苦的年代裡，這可能是最卑微的要求。時間不對，性格不合這些分手理由，早已變得奢侈。沒有生活的基 礎，再深的愛情，也難敵現實的殘酷。

電影是一套以情場浪子為題材的作品，然而真正想表達的卻是簡單而感人的愛情觀。因此男女主角雖然是靚仔靚女的新星Ashton Kutcher和Margarita Levieva，後者更傾情演繹，但聲色犬馬的場面卻非重點，只不過是蜻蜓點水的過場，而沒有演成沒頭沒腦的作品。可惜電影描寫不夠深度，整體仍然予人浮 光略影的感覺。至使那一份動人情感的力量，還差那一點點。

故事的發展是預計中的公式化，然而現實裡，麵包與愛情的抉擇中，又有多少人能走出這條公式的命運?

果醬

2009年的一齣懸疑驚慄電影，是一套氣氛處理得很好的作品。

與鬼怪有關的恐怖片，首推西班牙出品。至於與鬼魂無關的驚慄片，荷里活的作品也很值得留意，其中有好有爛，觀眾宜小心選擇。而這一套幻海孤雛則屬於 前者。

Orphan的故事不算峰迴路轉，劇情發展是一線式的，全片的最懸疑處只有一個，在揭盅後也不算使人詫異，給電影起著翻天覆地的震撼。若論懸疑的成份是不足夠的，然而電 影的成功，是氣氛處理得很好，電影的最後三十分鐘，確實做到了懾人心神的緊湊。對於驚慄片，這一點是至為重要的，因此電影是一套好的作品。當然，若果懸疑 成份能加強，作品的價值會更高。

電影必須一讚的，是兩位出鏡最多的女主角，演媽媽的Vera Farmiga在戲中愛兒情深的演釋與聲嘶力竭的情緒發揮很有感染力，自然而然，是難得的好演員。另一代表作有The Boy in the Striped Pyjamas，一樣的演媽媽，兩種截然不同的觀感。演女兒的Isabelle Fuhrman只有12歲，雖然角色設定上有一定的幫助，然而她的演技可說是童齡之冠，其天山童姥的演釋老成中卻保有幾分稚嫩，為電影的緊張氣氛增添不少 說服力。而戲裡的她漠不關心的殺戮，血濺雪地連環，真切的做到了「驚慄」的神髓。

如果要挑剔電影的話，或許可以略為縮短電影的長度，使電影的緊湊成份更加濃縮。

電影有幸來港上映，卻不幸被城城的《殺人犯》「過一楝」，過橋宣傳，這個孤兒認真可憐。而上映時片名不叫孤兒，叫《孤疑》，又玩食字，呢一點，先係全套戲最得人驚之處。

果醬

大導演Ron Howards繼The Da Vinci Code(港譯《達文西密碼》)後，第二度將Dan Brown暢銷全球的書作改編，拍成2009年的新作Angels & Demons，港譯《天使與魔鬼》，再一次用行動去證明，Dan Brown的書作不適合拍成電影。

從 兩部電影作品裡，都可看出原著的縝密與緊湊，可惜這些優點在戲裡都變成了推砌與急迫。推砌是指要交代的內容太多，難以取捨，即使達兩個小時的片長，也只能 流水作業式的交代，把劇情密密麻麻的硬塞其中。明顯地，導演試圖拍出書作裡的磅礡宏大的氣勢，而不欲刪減太多的劇情，使故事變得單薄，可惜貪多嚼不爛，令 電影調密多於縝密，併湊多於緊湊。

就故事而言，《達文西密碼》的構圖是更宏大的，但《天使與魔鬼》卻更具戲劇效果，更適合拍成電影，所以也更好看(但看書可能會有相反的答案)。

如果從電影角度去評論電影，除了劇情外，人物設計也頗為失敗。Tom Hanks再一次演譯Robert Langdon，理應駕輕就熟，偏偏沒有從失敗中汲取教訓，再一次老貓燒鬚，讓角色失去光彩。以異常平淡的演技去演一位足智多謀的教授，完全帶不出高潮。 女主角再一次淪為花瓶，是非常落後的電影處理手法，而以Ewan McGregor演深藏不露的歹角，擺明叫觀眾不要浪費心思猜測誰是幕後黑手。

天使與魔鬼，從來都是二為一體的。人的道德越強，心魔也越盛，道德本來就是魔鬼的誡條。電影大玩Ambigram(雙向圖)，把二者連為一體，是唯 一的精彩。

Angels & Demons不會是值得推介之作，有星級的編導與演員陣容，卻拍不出驚喜，某程度來說是失敗的。不過，這是基於商業考慮這頭魔鬼下產生的作品，最終演不出天使，也是非戰之罪。

果醬

寫影評其實是一項艱巨的工作，尤其像我們這些業餘的。最基本的自然是要喜歡電影，並且要對作品有一定感受。感受因人而異，難言對錯。要持平，除了客觀，還要多看。粗略算來，看電影的日子數近十年，每年看片少則五十，多則愈百，或許仍未說得上瘋狂，還勉強說得上是戲迷。然而這個數字在浩瀚的電影海裡，怕還及不上一個浪頭。早些時候和同是戲迷的友人談起電影，她的「戲數」絕對要比我強，涉獵也比我廣，卻訝異於沒多少套彼此間都看過的作品，引為話題。這其實是反映了個人對電影認識的不足，而這使得影評工作變得困難。

公映於1957的12 Angry Men，是另一套黑白電影時代的經典之作。因年紀的限制(歲不滿半百)，故先看了較近代的2007年的俄羅斯作品《12》，還寫了影評。反而到了最近才能觀賞這齣更出名的舊作《十二怒漢》，卻訝然發現《12》原來是翻拍之作。於是在觀看這套憤黑怒白之作時，最大的感受反而是自身的無知。假如我先看過這一套舊作，那一篇《12》的影評，便會面目全非。

但也幸而看過新作，就如先做了一次導修，有助於領略此片的精妙所在。兩片大致相同，都是關於十二名陪審團對一宗殺父案作出裁決時的討論。除了因時代不同而造成節奏上的差異外，兩者間最大的分別，是天氣。十二人因為熱氣迫人的高溫而變得亳不冷靜，無名火起，都急欲裁定兒子有罪。後來其中一個陪審員終於成功開動身後的風扇，涼風吹走了他的激動，於是在不明就裡之下，改而投了無罪的一票。而俄羅斯地處北方，氣候嚴寒，沒有了怒火，電影也相對地變得冰峻陰沉。於是電影雖然在情節上基本相同，卻生出了兩種截然不同的味道。

相對之下，前作的確優於後者，雖然《12》在情節上更峰迴，一些細節上的解釋也更詳盡，然而電影的藍本始終出於怒漢，前作是創新，後者是承襲，頂多也只能錦上添花。而有時候，不言而喻，正是電影勝人一籌的地方。可惜是這套劃時代的作品，3個奧斯卡提名都落空了。然而這也正好解釋了俄羅斯的《12》同樣失落奧斯卡的原因。

雖然2007年的《12》是「攤凍」之作，然而兩套作品一冷一熱，其實都有值得一看的吸引力。新作結局嘗試走得更遠，自有其精彩之處，在寒冬中綻放的這一朵小花，散發著另一股清冽迷人的幽香。

熱力，的確容易讓人做錯事，這橋段在1981年的Body Heat(港譯《慾火焚身》)曾經採用，拍成了另一套情慾經典。香港社會近年這許多毛燥，和日漸酷熱的天氣有沒有關係?政府大力提倡環保這把風扇，會否是為了爭取市民投下那無辜(Innocent)一票?

果醬

從來不知道Hard Candy的相反詞是什麼，但這套2005的作品很難啃卻是肯定的。

難啃，因為這顆糖的張力不足。演員基本上只有五位，戲佔全場的更只有兩位主角。在這情況下，演技是尤為重要的。只有你兩個了，不看演技看什麼?男主角Patrick Wilson，之後曾參演Little Children，與影后Kate Winslet大演對手戲，演技具有一定說服力。女主角是後來演Juno(港譯《Juno少女孕記》)的Ellen Page，明顯地她的演技受年齡影響，意圖老成的演出反而造成了不老不嫩的效果，觀眾不難從她身上感受到一份努力，也不難察覺她無力駕馭角色。唯一配合角色的是五短身高與稚嫩的臉孔。而戲裡她的重要性比男主角更大，於是電影嗒落雖然不痴牙，卻入口難溶。

兩個演員領演全場，連場對白變成填補空白的方法。但沒有張力黏不住，對白也變得硬生生。再加上部份讓人不安的情節，於是，整套戲也變得硬橋硬馬。

然而電影的成敗，不應只落在一個或兩個演員身上，電影也有其一定的吸引之處。戲中轉折的情節，是的確意想不到的。尤為精彩的是電影的前半段。兩位主角網交認識，相約見面。男主角斯文成熟，女的輕浮無知，眼看將要上演一幕幕高潮迭起的禁室培育，不料金魚原是木魚，演成了有嚇無賠的閹割奇緣。

戲到後來，繼續曲折，然而個人卻認為有點過火，變得離奇。加上很多本屬意外的發展，卻都落入了女主角的計算之內，於是電影發展下去，最後還是只剩下一個字: 「硬」。

然而硬，也不一定是壞事。國家說，發展就是硬道理。電影一路發展，一路的硬，對某些死硬派來說，很可能才是合乎常理。對於食開軟糖的我們唯有感慨，要了解這種電影的硬道理，好難啃啊!

果醬

2008年，瑞典推出了一套改編自奇幻小說《Let The Right One In》的同名影片，令各地影迷驚艷不已。「純愛+吸血鬼」的《吸血新世紀》橫掃全球票房，也吸納了不少支持者。然而，影片描述忠貞的愛情部份雖然觸動人 心，惟影片在劇本上及拍攝上的處理都不理想，亦令影片口碑走向兩個極端，處於尷尬的位置；比《吸》片更早上映、在美只作小規模上映的《血色童話》，其實也 是有關「純愛+吸血鬼」，但本片卻比《吸》片出色，它的愛情部份不比《吸》片遜色，而劇本上及拍攝上的處理也是水準之作。
《血色童話》的明線是主角Eli及Oskar的微妙關係，暗線是戲中小鎮連場血腥的放血殺人案。前者拍得清新而討好，後者亦能令恐怖片迷滿意。Oskar 是在學校經常被欺凌的小孩，Eli則是「途經」斯德哥爾摩的神祕「女孩」，同行的還有一個年老的「採血者」。跟《吸血新世紀》的設定恰好是相反，吸血鬼是 「女主角」，而Oskar則是人類。由於影片的主角都是小孩，加上兩位小演員「入戲」的演出(尤其是演Eli的Lina Leandersson)這其實更為討觀眾歡喜，甚有兩小無猜的況味，營造到窩心的觀感。但是，本片中似乎是Eli處於「強勢」，因為由頭到尾大多是 「她」保護、鼓勵Oskar，做了「默默保護」的角色，或會令女士們會心微笑。

影片其實頗多可討論及堪玩味之處，這亦是為何觀眾會對影片留下難忘印象的原因。據說小說將角 色背景交代得頗清楚，亦有更多角色。然而，編導的處理卻令影片多了一重可供觀眾想像的留白空間，令電影更有餘韻。究竟跟Eli同行的「採血者」是否老情人 還是只是出於純粹的主僕關係？而Eli究竟是否真正的「女孩」？「她」跟Oskar之間的又是否真正的愛情呢？而Eli又究竟經歷詔多少的年歲？主角二人 接下來要面對的又是甚麼？這會是難以避免的一廂情願的悲劇宿命嗎？是的，影片的留白空間令觀眾或有疑問，但正因為這份神祕感彌漫全片，令電影懸念迭起， 「Let The Right One In」的設定亦是十分亮眼的。

或者，近年的吸血鬼電影如《幽靈刺客》系列、《妖夜尋狼》系列等都被包裝成動作片，《吸血新 世紀》亦無意加入恐怖片的元素。本片卻在純愛的主線之中，拍出吸血鬼電影獨有的妖異感、恐怖感，沒有顧此失彼。影片的背景跟《屍城30夜》一樣是冰天雪地 的小鎮，在如此冷冽之境舖陳出恐怖的吸血鬼故事是再合適不過，因這能為影片烘托出更好的氣氛。幾場恐怖戲碼不靠聲效嚇觀眾，而是以氣氛取勝，刻意讓觀眾跟 恐怖場景「保持距離」亦是巧妙的運鏡，更有陰冷之感。

《血色童話》是很可觀的吸血鬼電影，真的。

林駿強

The Princess and the Frog是一套回歸原始的作品。迪士尼九十年代的出品與二千年後的的分別在哪裡?除了是畫風與特技的轉變，新生代的作品似乎都有意把市場對準成年人，於是故事都以惹笑為主，再於故事背後多添了一重深意，然而這樣的轉變卻失去了從前那一份童話式的純真。

港譯《公主與青蛙》的這齣作品，屬2009年出品，擺脫了動畫的成規，重現昔日卡通的特色。以童話故事The Frog Prince(《青蛙王子》)為藍本，重新編撰出浪漫故事。沒有老土的感覺。簡單而直接的「寓意」，不故作高深，反而平添了一份親切感。

舊日迪士尼卡通的另一特點，是優美動人的音樂。此片當然也不例外，更找來實大於名的黑人女歌手Anika Noni Rose配音，大大增加了音樂的力量，使電影更加吸引。戲內音樂以輕鬆愉快為主，相比大鑼大鼓的Nine(《華麗后台》)，動聽得多。難怪會得到奧斯卡的青睞，榮獲兩項音樂提名。

Anika Noni Rose是誰，觀眾或許無甚印象。06年，有一套大熱作品Dreamgirls(《夢幻女郎》)，主角是三位能歌善唱的黑妞。一鳴驚人的有Jennifer Hudson，繼續走紅的有Beyoncé Knowles，而最後的那一位，卻有點寂寂無聞。即使電影在翌年成為奧斯卡大熱，焦點也從來不在Anika Noni Rose這位夢幻女郎身上。

The Princess and the Frog是套值得帶同小孩一同觀賞的佳作。即使它的「價值」及不上Up(《沖天救兵》)，但能重拾昔日的童真，仍懷有赤子之心的作品，在今天的影壇中實在可遇不可求。

果醬