本土化的示範 曉龍

別以為《打死不離喇星夢》只是《阿甘正傳》的印度版，《打》沒有這麼簡單，它是本土化的成功例子。從阿喇(阿米爾汗飾)在火車車廂內向其他乘客述說自己過往的經歷開始，已證明編劇艾維卓登不想完全複製《阿》，因為《阿》內阿甘坐在公園的長椅上講述自己的身世，如果直接搬至《打》，會顯得不合情理，可能由於印度人不會在公園內逗留太久，休息一會兒後便會離開，要聽阿喇長篇大論地講述，最少需要一小時，故在乘搭火車時百無聊賴，又沒有太多活動的空間，聽他講自己傳奇的大半生，是消磨時間的最佳辦法，故此安排很合理。可見編劇改編《阿》時顧及印度人的生活習慣及其普遍個性，相對不少「搬字過紙」直接改編的電影，《打》的編劇改寫劇本的手法明顯較高明。

美國是第一世界的國家，而印度屬於第三世界，在社會實況方面有不少相異之處，《打》的編劇作出不少本土化的改動。《阿》一開始已表明阿甘的智商比正常人低，可能美國人從小開始已需要做智商測試，父母會得悉兒女的智商水平，而印度沒有這麼先進，《打》內阿喇的母親不知道兒子的智商水平，其他孩子覺得他傻頭傻腦，比正常人笨，沒有客觀標準，遑論有任何科學根據。阿甘的母親說人生就像巧克力，而阿喇的母親說人生就像酥炸球，可能由於巧克力在印度內太貴重，看電影的印度觀眾不限於富貴人家，當地的窮人根本沒有太多機會吃巧克力，反而酥炸球是當地較便宜的食品，以此食品作比喻，會讓不同階層的觀眾產生共鳴。同一道理，其後阿甘與朋友捕蝦致富，阿喇從事內衣生意致富，因為蝦不是必須品，印度內大部分是窮人，能靠賣蝦賺取大量金錢的情節，實在不合理，故改為內衣，它是必須品，不論窮人或富人都要穿著，此因應印度的民情及社會而作出的改動，是《打》的編劇的聰明之處。可見編劇對《阿》的劇本的明智改動，使《打》生色不少，亦更適合印度觀眾觀賞。

另一方面，《阿》與《打》內阿甘及阿喇青梅竹馬的女朋友同樣流連夜店，誤入歧途，但《打》較多著墨於阿喇女朋友複雜的家庭背景。可能《打》的編劇想多解釋她貪名好利而想進入娛樂圈的原因，與她的童年經歷及其後的成長歷程有密切的關係，填補了阿甘的女朋友在青春反叛期內「順理成章」地學壞的劇本漏洞，亦較符合印度社會內「人性本善」的假設性概念，她只因個人身世及家庭背景而不幸學壞；或許美國的娛樂場所較多，黑社會較泛濫，印度的同類場所相對較少，貿然說她單受社會氛圍影響而不幸學壞，實在不合情理。可見編劇因應印度的社會實況加添了一些「補充」的角色背景，讓《打》的情節發展的可信度甚高，即使身處香港的觀眾對印度一無所知，都會覺得編劇在因應本土化而改編《阿》時耗了不少腦力，花了不少功夫。

《打》以愛為主題，與《阿》以阿甘的一生為核心截然不同，可能印度人較熱情，對愛的追求較熱切，故愛的主題會較受當地人歡迎。《打》只輕輕帶過阿喇在印度歷史舞台上舉足輕重的位置，雖然偶有講述當地的歷史及過往的社會發展，但用了更多篇幅講述阿喇對女朋友的掛念，不惜一切地要與她相聚，其數十年來多次向她求婚被拒而仍然愛她的堅持，直至最後有情人終成眷屬，正反映他對她的愛的重視。因此，印度片蘊含的愛有時候不需要太多勁歌熱舞來襯托，《打》講述愛但沒有太多不必要的歌舞，便是一個成功的例子。

《飯戲攻心》短評

家人比家更重要

香港的樓價全球第一，不少香港人以為樓宇最貴重，談及家，總以為我們所指的是自己的居所，殊不知家在不代表家人在。正如《飯戲攻心》內大佬（黃子華飾）初時以為已去世的母親最重視的是生前居住的工廠大廈單位，不論二佬（張繼聰飾）及三弟（陳湛文飾）如何說服他，他仍然不願意出售，其後他在夢中再「遇見」母親時，始得悉她最重視的不是此單位，而是家人，遂為了家人未來的幸福著想，決定賣掉此單位。《飯》本來是賀歲喜劇，現在變成賀中秋，編劇及導演陳詠燊以家人的題旨貫穿整個故事，場景以上述的單位為主，內裡的設計表面上懷舊，實際上暗示舊物存在與否其實不重要，最重要的是家人能否齊齊整整地一起吃飯，會否經常保持聯絡，並維繫彼此的感情和關係。編導賦予《飯》罕見的深度，不要以為賀歲片/中秋片必定胡鬧無聊，他刻意在看似隨便撰寫的對白內帶出令觀眾會心微笑的弦外之音，聽不懂的人可視《飯》為純粹的喜劇，盡情開懷大笑；聽得懂的人可視《飯》為頗富深度的劇情片，分析劇本蘊藏的內涵，並藉此思考自己的人生。因此，《飯》的劇本是全片最成功之處，而對白是劇本最珍貴的「精粹」。

對愛的追求 曉龍

別以為《三千年的渴望》只是「阿拉丁神燈」故事的變奏，其實前者的情節比後者複雜，前者述說的人生道理亦比後者深刻。片中的的精靈(艾迪斯艾巴飾)出現時創作人運用的視覺特效是其預告片最大的賣點，亦是最具童話色彩的鏡頭，之後他與艾莉菲亞(蒂達史雲頓飾)的多段對話，盡顯影片創作人探討生命本質的野心。最初當他問她有甚麼願望時，她只「家常便飯」地回應，視自己在日常生活中要完成的最簡單事情為自己的願望，因為她對自己的處境十分滿意，沒有任何追求，遑論會有任何渴望；跟著他向她述說自己的過去，涉及他在以往的經歷中如何追求愛，「點燃」了她對他的愛。很明顯，她並非沒有慾望，只「不知情」地把慾望埋藏在自己的心底內，與其說她幫助他重獲自由，不如說他協助她學懂愛的真諦。《三》其實是超現實與現實的結合，精靈出現的超現實畫面與其以愛為主題的生活化情節的配合，是一種「混雜」，可深化原有的童話故事，讓觀眾多思考以「阿拉丁」為本的情節如何觸及生命的本質，怎樣從童話提升至哲理的層次。因此，他與她同樣追求愛，但他比她更早「開竅」，故她需要受到他的刺激，才可把愛從內在轉化為外在的層面，並在日常生活中實踐愛。

此外，英文片名Three Thousand Years of Longing被直譯為《三》，在香港的商業娛樂市場內，算是罕見的處理。或許精靈的前半生別具傳奇的色彩，在三千年裡的愛情經歷最能緊扣觀眾的注意力，亦是全片故事的精粹；相反，艾莉菲亞的前半生平淡如水，沒有浪漫蒂克的愛情經歷，遑論會有刻骨銘心的人生歷練。片中他感染了她，雖然合情合理，但本來含蓄淡雅的她彷彿在得悉他過往的經歷後發現「新大陸」，整個人都變了，這種「點燃」的過程有點急速，欠缺了不同的層次，或許她在一剎那間感性掩蓋了理性，受到他的「刺激」後突然進入忘我的境界，這就像一根火柴被迅速點燃一樣，從女性感性的特質來說，即使她的突變異於常人，當愛的感覺進入她的心靈時，她的「解放」仍算是合情合理。因此，創作人把《三》放在超現實與現實之間，讓他與她的對談及相處混合了虛與實，虛在於他在她面前突如其來地出現的虛幻，實在於他向她談及自己過往在日常生活中的愛情經歷，虛與實的配搭，正好呼應著片名所指的三千年疑幻似真的「歷史」，亦配合著精靈與人類之間假假真真的交往和交流，故《三》的「混雜」色彩，是其在同期的英語電影中「鶴立雞群」之處。

另一方面，與《衰鬼上帝》電影及《魔鬼神探》電視劇相似，《三》的導演佐治米拿找到黑人演員扮演精靈，與《衰》及《魔》以黑人扮演上帝的安排同出一轍。或許《三》與《衰》及《魔》一樣，追求角色方面的「種族平等」，以往黑人常在英語電影中扮演罪犯、酒鬼、貪污警員、監獄職員等暴力狂的負面角色，近十多年來已有不少改變，自從《黑豹》出現後，黑人甚至可以扮演英雄，如今黑人成為上帝成為精靈，已經大幅度地提升黑人在銀幕上的地位，幾與白人不相伯仲。由此可見，《三》延續「種族平等」的潮流，讓黑人有多些演繹正面角色的機會，使他們在大銀幕上有更多發揮的空間，在促使全球社會進步方面，已作出或多或少的貢獻。

《孤疑前傳》(Orphan：First Kill)

這類片真的不宜拍前傳或續集了。

當時《孤疑》之所以賣座，完全因為箇中的「不老症」橋段新鮮，讓人意想不到！若然最吸引人的「主角之秘密」已全盤曝光，這集你還有何賣點呢？想不到賣點竟是找回十三年前的主角Isabelle Fuhrman 來續演此角色。當年以小童外貌來演成人之心，Isabelle確實是天才童星，令人讚口不絕；但今天要這位已經廿五歲的女子來演這個年紀比之前更小的九歲小孩，情何以堪？大家一定會認為：以今天的特技，老嫩肥瘦均不是問題！但導演告訴你，他是沒有用 CG特技的！吓？果然夠吸引。

結果，中伏。成年女子如何強裝都是一個成年女子，五官比例始終與小孩不同。於是渾身不自在地看下去，催眠自己相信那是小孩……。四十分鐘過去，仍然是《孤疑》戲碼。

論懸疑驚嚇，怎也不及上一集，始終你已知主角底蘊，何來懸疑？影像也營造不出壓逼感與驚嚇效果。正忖：不是翻拍一次吧？果然，就來一個「反客為主」。本來都想讚橋扭得好，奈何這個轉折太突兀牽強，到最後更來個「搞笑」露真身結束！我的天啊！

上一集《孤疑》縱使有誇張犯駁之處，總算是一套可觀的驚慄片，但這齣想再斬「四両」的前傳，恕我直言，切切實實是一齣爛片！

陸凌綠

「竟然是令我笑得好開心的恐怖驚慄片 ！」

既然電影公司囑咐切勿劇透，就只略提開首半小時吧：患有侏儒症及嚴重的暴力傾向的瘋婦， 33歲卻依然是9歲女童容貌及高度，逃離愛沙尼亞精神病院後， 假扮美國知名畫家的失蹤女兒Esther  …… 總之之後編劇為博各位觀眾驚驚，力求奇峰突出出人意表啦。

照正路劇情推進方程式， 應該是畫家與妻子引狼入室，Esther步步進逼大開殺戒，以為這瘋婦會殺恥笑她的兄長朋友，豈料戲至中段竟甚忍手，只殺窮追猛打的警察，繼後更峰迴路轉，變成魔女勾引「父親」及兩母女爭奪一男的愛情片哈哈。

如意算盤打得響嗎？的確，那場關鍵轉折位確實有些微驚喜，亦回應解釋當事人何以行徑和表情一直有點怪異，當時於戲院自言自語「真係估你唔到噃」。 然後呢？然後是無以為繼呀，邊看邊盤算：「可否提早離場呢？」

當然沒有早走啦，做人要盡責，寫這篇影評。雖然後半部繼續欠缺不寒而慄場面﹙順帶一提：反而本片上映前播放的”Smile“預告片，失驚無神於車前突然甩頭的女子更具威嚇力，惹來全場起哄﹚， 不過也並非慘不忍睹一無是處：如果改以食花生心態，旁觀兩母女爭風呷醋及瘋婦向暗戀的「父親」投懷送抱臉頰貼肚腩肌膚之親， 還是挺有趣味的。 原來在戲院內看戲的其中一項好處，就是現世做人處世儘管這樣難上加難， 原來並非孤軍作戰，至少不只我一人在笑， 周圍也有知音人一起呢， 姑勿論屬於開懷大笑/荒謬攪笑/啞然失笑/鄙視恥笑 …… 嘩恐怖驚慄片竟會看得如此開心，忽然自覺有種比銀幕上魔女更變態的快感呀！

何解沒法子嚇倒本人？除了導演威廉布倫特貝爾實在拍得甚平庸不太嚇人之外，既然話明是解開瘋婦身世謎團的前傳，潛台詞即是這位女子必定絲毫無損安然過渡至下一位養父母，輸家無可置疑就是對頭人啦，故此結尾你追我逐撕畫室及屋頂高潮戲，是坐定定睇對頭人以何種方式慘死而已。況且該兩位對頭人，簡直可以用「蠢人」形容，世上果真有此笨到咁的男女，笨上加笨一錯再錯終致引火自焚，焉會博到觀眾絲毫憐憫同情？

還有，現今科技，憑DNA血緣關係鑑定易過借火，就算那位警官用手指模都用快速測試證實此女非彼女，創作兼任監製的《孤疑》原創者亞歷士梅斯(Alex Mace)及編劇大衛萊斯尊遜麥高域(David Leslie Johnson-McGoldrick) 卻含糊不清輕輕帶過，當觀眾是白痴嗎？

伊莎貝福曼﹙Isabelle Fuhrman﹚ 當年12歲演《孤疑》，由於外型與演技皆具說服力，讚譽不絕；相隔十三年，如今25歲「逆齡」再演9歲女孩，雖已拼盡九牛二虎之力扮純真可愛，繼續以招牌雙馬尾、頸上絲帶及螢光繪畫示人，無奈現實實在太殘酷，換來只是突兀與尷尬而已。正因歲月不饒人亦騙不倒人，儼如已婚中年婦女的尊容，即使幾丈遠亦一清二楚， 揭穿此人已不是小孩子，較像不折不扣的瘋婦，但戲中大部分角色卻深信不疑，搵鬼信咩！

總括而言，觀看本片最深刻的感覺：「好難頂呀」。台上再斬四兩，吃力不討好、水準急降、一敗塗地，台下看那灰濛濛差劣的攝影技巧，辛辛苦苦捱到散場。一出字幕，走得快，好世界，已經浪費了人生寶貴的90分鐘，不想再浪費多一秒鐘。

威廉

情節荒謬的「遊戲」之作

觀眾看《孤疑前傳》實在不必太認真，如果講究故事情節的合理性，必定會失望而回。畢竟全片的故事背景設定一開始已有歪常理，倘若我們從理性的角度估計情節的發展，很大可能會「一敗塗地」。相反，如果我們像此片編劇一樣「瘋癲」，欣賞其把每段情節推至最極端的做法，便會覺得其荒誕程度非常人能及。特別是伊莎貝福曼現在以25歲的真實年齡演繹只有9歲的不老症女童艾絲特，戲內的不老與戲外的扮年輕互相配合，其弔詭程度甚具談論的價值。或許話題大於一切，《孤》可能只給予觀眾「曇花一現」的印象，正在於其邪典(Cult)電影的包裝，以為編劇會為我們帶來甚麼意料之外的驚喜，殊不知其「隨心所欲」的故事發展超出我們的想像，其「怪異」的突然性意外帶來令我們感到錯愕的不安，因為此片刻意營造一剎那的震撼，擺弄預期之外的「設計」。因此，觀眾需抱著「遊戲」的心態觀賞《孤》，並視此片為導演和編劇考驗我們忍耐能力的「實驗品」，才可心甘情願地接受其荒唐的故事發展過程和「令人驚嚇」的血淋淋結局。

對青春的緬懷 曉龍

舊片翻新的價值，從來都在於它的「經典性」，而非其創新性。說1980年代初在歐美等地區上映的《小教父》是創新之作，不少七八十後以至千禧後的觀眾都會質疑：《小》內黑幫青年的集體打鬥場面，在不同地區的古惑仔系列電影內十分常見；他們誤殺敵人後需要逃跑，並躲在偏遠地區的故事情節在上述的系列電影裡亦屢見不鮮；「親兄弟」參與黑幫仇殺而不理會自己暴力行為的嚴重後果，其大膽和不畏法律制裁的「天真」個性，更在不少青少年電影內多次呈現；《小》裡上世紀六十年代貧富懸殊的社會狀態，同樣與《西城故事》等經典電影的故事背景設計十分相似。那麼，《小》是否毫無獨特性？答案是否定的，因為它對年青人「惡中帶善」的描寫，在同類電影中不算常見。例如：年輕人誤殺了敵人，似乎惡貫滿盈，但卻會冒著生命危險走進火場內拯救小朋友，並非因為小朋友是他們的好友，只因小朋友將會有更長久的未來；年輕人誤殺逃亡時，竟對文學經典《亂世佳人》感興趣，要求好友讀給自己聽，以消磨時間，這證明他們擁有善良的本性，或許當時的家庭及社會環境使他們誤入歧途，但他們依舊嚮往純淨簡單的生活，《小》內被嚴重燒傷的年青人臨死前囑咐好友不論周邊的環境如何，都要保留一種赤子之心。此叮囑正好表明年輕人的行為縱使不安躁動、違法不當，仍然要讓純真留在心底裡，因為這是青春的本質，亦是青春最能令觀眾緬懷的「核心價值」。

另一方面，觀眾不要抱著看《教父》的心態看《小》，因為《小》在風格及內容方面與《教》截然不同。筆者未看《小》前，被此片的中文名誤導，以為全片會描述主角們如何從小混混攀升至黑幫領袖，怎樣在眾多幫派中稱王稱霸，最後成為當時地下世界的領袖，殊不知《小》內根本沒有教父，最多只有逃命而「歷盡滄桑」的年青人，在大型的毆鬥過後沒有提升自己的權力和地位的奮鬥過程，只有反思生命價值而日趨成熟的心境，他們的成長與其在集體打鬥中是否取得勝利沒有多大的關係，反而與其心理上日漸看透世情與人生的「進化」密切相關。即使《小》由著名的荷里活導演法蘭西斯哥普拉執導，當年沒有在香港上映，直至約四十年後的今天，此片終於在香港的戲院面世，這證明《小》有「跨時空」的價值，其他西方舊式的黑幫電影可能因社會環境不同而過時，亦會因地域相異而感到陌生，但《小》以青春為主題，不同年代不同地區的年輕人都會有類似的經歷和心理狀態。如今《小》在大銀幕上出現，除了因男主角配角們已成為當今炙手可熱的荷里活巨星外，筆者相信其與此片以青春為賣點有或多或少的關係。

由此可見，雖然青春一去不返，但五六十後的觀眾依舊可藉著《小》懷念久已逝去的時光。可能香港的中老年人在年輕時期不曾參與黑幫的集體毆鬥，甚至未曾加入任何幫派，卻在觀賞《小》的過程中，與男主角配角們同樣曾經思考生命的價值，亦同樣擁有青春時期不顧後果的衝動和魯莽，更同樣在複雜的社會現實環境中保留「不被污染」的赤子之心。因此，《小》在今天仍然可引起中年或以上的觀眾的共鳴，不是刻意的安排，亦非「意外性」的巧合，而是其「歷時性」的主題使然。

《小教父》(The Outsiders)

「這青春的噪動…如斯唏噓殘酷，但清澀而迷人」

出賣年齡，先想當年：經歷《現代啟示錄》慘絕人寰之製作浩劫之後，《教父》及《現代啟示錄》導演法蘭西斯哥普拉take a break抖抖氣，正如王家衛《阿飛正傳》之後有神采飛揚的《重慶森林》，兩位大師均殊途同歸暫且反璞歸真，哥普拉更是一不做二不休，快手快腳接連執導並在短時間內拍畢《局外人》﹙The Outsiders﹚﹙改編S. E. Hinton於1967年出版的小說﹚及 《鬥魚》 ﹙同樣亦是取材自S. E. Hinton的小說 Rumble Fish﹚

1983年3月底於美國公映， 大概與觀眾的期許有點落差﹙類似例子：普羅大眾以為王家衛《阿飛正傳》會與前作《旺角卡門》同樣剌激火爆子彈橫飛，豈料文藝文青到換來午夜場粗口滿天飛！﹚猶幸《局外人》未至於慘烈至有粗口問候家眷，只是既沒有黑幫撕殺槍戰亦欠戰火炮彈轟天此類大場面， 最終列入哥普拉偏向平庸作品之一。本片一直沒有被遺忘，只因「造星」有功，有湯告魯斯、柏德烈史域斯、麥迪倫、戴安蓮等未來巨星列陣 …… 然而僅此而已。

逾四十年後，有心人包括哥普拉本人，應該期望還本片一個公道吧！由最初公映的91分鐘， 重新剪接之新版本增加了20分鐘從未曝光片段，以 4K 規格大銀幕於現世重現。﹙然而，中文譯名改為《小教父》，會否重蹈《阿飛正傳》後果，令觀眾誤以為與《教父》有關連乎？﹚

乍看劇情，會誤以為類近莎士比亞名劇《羅密歐與茱麗葉》﹙Romeo and Juliet﹚及百老匯音樂劇《夢斷城西》﹙West Side Story﹚：60 年代奧克拉荷馬州土爾沙，出身低層階級「油頭小子」(greaser)，與南部地區出身富裕的「公子哥兒」(socs) 爭奪地盤。soc富家子Bob以為greaser成員Ponyboy搶走女朋友櫻桃， 因此糾結同黨向Ponyboy欺凌， 好友Johnny誤殺對方後， 與Ponyboy逃至荒廢教堂，厄運悲劇接踵而至 …… 哥普拉明顯無意拍一齣男歡女愛濃情密意愛情片， 戴安蓮飾演的櫻桃，和Ponyboy初相識於露天汽車電影場地，僅屬互有好感， 十指都未互扣，何來激情熱戀？作為一宗以命案為兩幫決裂的導火線，戴安蓮甚至在命案之後「隱身」至後段才出現。代之而來，哥普拉集中火力對焦，描繪一對雙失少年Ponyboy和Johnny破碎青春夢囈， 亡命天涯相互依偎慰藉寥，歌頌有情有義至死不渝的少年同性友誼，這生離死別，是有感動的！哥普拉無論在節奏掌握、鏡頭調度和指導眾多新演員方面，均處理得恰到好處，新版本終究還本片一個公道，雖非哥普拉的代表作，卻不平庸。

主角三位：C.湯瑪斯哈爾﹙飾演Ponyboy﹚、雷夫加勒特﹙飾演Johnny﹚和麥迪倫﹙飾演Dallas﹚，順帶一提：湯告魯斯儼如《投奔怒海》的劉德華，是戲份甚少的Steve Randle。 哥普拉多次近距離面部大特寫三位悲劇人物表情：憤怒哀傷、驚惶失措、傍惶迷惘、怨恨悲悽、痛極而泣，卻罕見歡顏笑臉近鏡，只因悲慘命運輪迴，明天沒有希望了！ 青春如斯美麗卻殘酷，猶如一剎那光輝瞬間即逝夕陽，摯友有聚亦有散，幸福終需會忽然在無預警下遠去， 又彷彿回應前作《現代啟示錄》上戰場送死或癲狂或抑鬱的一眾年輕士兵。

「當我從黑暗的戲院走出，步入燦爛的陽光，腦中只想著兩件事：保羅紐曼與開車回家 (When I stepped out into the bright sunlight from the darkness of the movie house, I had only two things on my mind : Paul Newman, and a ride home)」諷刺的是，緊接下一個畫面，Ponyboy卻只能徒步回家，並遭開車尾隨而至的socs襲擊 …. 片首及結尾，皆是男主角看畢保羅紐曼於1961年主演的《江湖浪子》(The Hustler) ，一部關於靠桌球賺取金錢的賭徒「快槍手艾迪」的電影，恰好對照Ponyboy的成長歷程及對故友的思念。

臨近尾聲，大銀幕左中右並列三人的面部特寫，兩位老友雖逝，往事並不如煙，被迫成長的少年人Ponyboy只能囑咐自己， 緊記亡友Johnny遺言：「保留赤子初心要  “stay gold”」﹙本片主題曲〈Stay Gold〉，法蘭西斯哥普拉的父親卡邁哥普拉 (Carmine Coppola) 填詞及Stevie Wonder作曲，於片頭伴隨職演員名單時播放，道出本片主旨：

Seize upon the moment long ago

One breath away and there you will be

So young and carefree

Again you will see

That place in time…so Gold

Steal away into that way back when

You thought that all would last forever

But like the weather

Nothing can ever…and be in time

Stay Gold

But can it be

When we can see

So vividly

A memory

And yes you say

So must the day

Too, fade away

And leave a ray of sun

So Gold

Life is but a twinkling of an eye

Yet filled with sorrow and compassion

Though not imagined

All things that happen

Will age too old

Though Gold

Though Gold

呂威廉

《明日戰記》短評

大型的科幻新嘗試

作為香港的大型科幻新嘗試，《明日戰記》已算交足功課。片中軍人泰來（古天樂飾）、鄭重生（劉青雲飾）及臭鼬（姜皓文飾）的裝甲的設計仔細，其打鬥爆破的場面具超現實的漫畫感，情節緊湊，幾乎沒有使觀眾的眼睛和耳朵得到「休息」的空間。一直以來，礙於資金的問題，港產片欠缺巨型的特技科幻類型，《明》挾著合拍片的優勢，可以大灑金錢製造CG特效，雖然其視覺效果比不上同類型的荷里活電影，其戰爭的規模亦及不上《變形金剛》電影系列，但古生付出大量精力和時間開拓港產新類型，不單勇氣可嘉，還可成為香港年輕一代的模範，不論自己的身分地位如何，如果要成功，除了創新的精神外，膽識和努力皆缺一不可。筆者看著連續不斷的CG鏡頭，想起視覺特效的技術人才所花的心血，繼而觀看其相關的製作花絮，便會明白一部動作特效片的出現實在談何容易。即使影片對上述三人的兄弟情的刻劃未算深刻，其「末日」的景觀有不少瑕疵，當中經年製作的誠意和魄力，仍然值得在香港出生的我們鼓勵和支持。

曉龍

見到4.5億港元能做到1億美元的特技效果，我嘗試心存厚道。

由於大陸票房問題，古老闆一時激動「落淚」，經各位前輩、導演出來唱好，於是優先場全線爆滿。然後是包場處處，打風都要去支持…，筆者真心覺得香港觀眾很團結，很有義氣，首批觀後評語亦少駡大幫忙。

一百分鐘充斥著大銀幕的影像，的而且確是童叟無欺，香港背景的街道、天橋、機械人、戰鬥機、外星植物、怪獸曱甴…等等，全部及得上荷里活製作，絕少因陋就簡，蒙混過關。而主要特技公司亦是香港本土，也即是導演吳炫輝的公司。無可否認，古老闆膽敢開拍一齣高成本港產科幻片，筆者由衷佩服這份勇氣。不單令業界無數手足有工開，也開拓了港產科幻片市場，與外地一較高下。

遺憾本片除了特技，就是特技，然後沒有然後了！人們都說：故事太簡單累事…。我說：只要細節豐富，人物描寫深刻，超人打怪獸一樣可以拍得很好看。可是，先天不足，再遇人不淑，就神仙難救了！首先，到底此片的主題是甚麼？人類勝於機械人？本來這點可以發揮，奈何並沒有建構到任何機械人的優越感或人類(空戰部隊)的被壓迫感。環保？地球的命運？人類如何污染環境致萬劫不復？與外星植物降臨有何關係？既然外星植物是救世主，為何最高指揮又要諸般阻撓？「為錢」這僅是劉青雲的一句對白。張家輝的角色作用何在？為歹角而歹角就是了。主題空洞，劇本一塌糊塗，我也不想去計較其犯駁不通，最大問題是導演。沒做好最基本的分鏡，動作場面多，分鏡不仔細就會錯漏百出；上一場明明看見劉青雲將基因子彈交給古天樂，下一場基因子彈又變回在劉青雲手中…。突然出現的機械人已經忠奸難分(顏色外形差別不能大些嗎？)，幾場打鬥，鏡頭凌亂，還要不停搖晃，根本看不清誰是誰？總之摟作一團！又忽然之間出現怪獸曱甴，瘋狂襲擊，同樣鏡頭搖晃，到底幹啥？剪接散亂、零碎，令人頭昏目眩。選角更不堪，合拍片要請大陸演員無可厚非，但找一個醒目的真是那麼困難嗎？小光雖然是配角，戲份卻多，還是唯一的所謂愛情線(我的天)，怎麼找來這位五官發脹的小子？林林總總，都是導演的責任；當然也是監製的責任。如此龐大的投資，竟找一位光擅長電腦特技的吳炫輝來當「導演」？

對不起，淚灑當場也於事無補，唯有謝票時感激香港觀眾的厚道吧！

陸凌綠

《虛無》(Nope)

「當你見到天上白雲…

可會想起《大白鯊》？」

Mr. Jordan Peele（佐敦比爾）& 韋家輝先生：

「真的很簡單，只因愛你們，任憑好多聲稱看畢你倆近作的網友罵聲不絕，作為死硬派<佐/韋粉>，我依然會零猶疑義無反顧買戲票捧場的。」

當然，韋家輝《神探大戰》，確是失手了，但瑕不掩瑜，而且又未至於爛到不堪入目呀。大概，期望愈高，失望愈大，了解。正如該片最終一個鏡頭：劉青雲成為警隊新寵， 鏡中竟已變魔警林峯，凡人升上神桌，成魔之路開始。

入正題，講《虛無》﹙Nope﹚，先劇透首半小時：美國加州內陸偏僻小鎮，經營馬場兄妹，發現白雲背後，隱藏不速之客，殺戮遊戲展開…… 之後，就不劇透啦。

好得過《訪．嚇》（Get Out）和《我們．異》（Us）嗎？既然屬佐敦比爾迄今為止成本最高的作品，特技效果動作場面明顯不惜工本落力炮製……正如《神》，飛車槍戰爆破上天又下海無間斷放送，點會悶呢？

延續佐敦比爾前兩部佳作的特色：指向美國種族問題，今回取景於渺無人跡荒郊，外來者對原住民血腥吞噬，可會是暗喻歐洲白人登陸北美洲後，屠殺印第安人，雀巢鳩佔！主角置身與世隔絕的空間，面對神秘莫測之空中版《大白鯊》，衍生恐懼不安迷惘，叫天不應無處可逃，人類果真渺小脆弱。與《我》一樣，雙方終極決鬥總在遊樂場來個了斷，歡樂天地從來皆是你死就是我亡重重殺機。

本片借用史提芬史匹堡《大》及《第三類型接觸》（Close Encounters of the Third Kind）元素，表面上是UFO外星人科幻片，其實話中有話：不同人面對不明物體（代表強權入侵者），有不同反應。原住民不斷說「不」（No），寧死不屈全程反擊，保住生命，贏得自由；而經營遊樂場的亞裔老闆出賣尊嚴，向不明物體示好，以為可以平安過渡保命又保錢，下場慘烈淒厲。佐敦繼續對這個時代說這些人這些事，真是＜作品的說話＞（來自姜濤的好歌）。

還有，類似《哥斯拉》及《亞基拉》使用的特技攝影特效、怪物造型有點像日本經典動畫《新世紀福音戰士》及超極簡主義，都有趣呀。

固然，明就明，不明就當作驚慄片也無妨。我估，劣評如潮，大概因為首一小時，大部分是兩兄妹於荒漠提心吊膽行來行去，驚嚇場面確實寥寥可數；全片亦集中荒郊與遊樂場，遭受死亡威脅最多只得五人（只有遊樂場及中段一場表演才有較多臨時演員出現），對於看慣大堆頭大製作大城市災難片，本片欠缺英雄救地球的榮耀及呈現末世將至的危機感；而密室恐懼，又未如熟手技工《恐懼鬥室》及《詭屋驚凶實錄》系列溫子仁（James Wan）般善用幾度拿手板斧扣緊心弦，以為得以被本片由頭嚇到底的觀眾，自然失望到要大控訴。

「即便是這樣的人﹙和新作﹚，他﹙們﹚都值得你再為他﹙佐敦比爾及韋家輝﹚停留一次。」當我記起東野圭吾於《嫌疑犯X的獻身》所言，就明白，你我心目中都有的【石神哲哉】：希望在人間，加油呀，地球人！

呂威廉

了解過往的香港的起點 曉龍

從1950年代至2020年代，香港社會經歷了不少事情，《七人樂隊》內每齣短片皆反映當時的社會特色，涉及宏觀的經濟情況，以及微觀的生活點滴。雖然其故事情節能否觸及觀眾的內心深處，可否勾起我們各自的深刻回憶，實屬見仁見智，但最低限度它們可讓上一代的著名導演把自己對香港的印象拍出來，以各自的風格展現當時的時代特色，讓我們重溫每一年代的「點」，以組成一條跨年代的「線」。

《天台練功》內天台習武的艱辛體能鍛鍊，造就了出色的武術指導，為八九十年代享譽國際的港產動作片鋪路，其訓練的過程別具香港的特色，有值得紀念的價值。《校長》懷念年老的校長、英年早逝的老師及小學時期的校園生活，雖然有六七十年代的景觀，亦包括當時小朋友流行的玩意，但他們的言行其實適用於香港不同的年代，未能精準地捕捉當時「只此一家」的小童特質。《別夜》以兩位快要畢業的中學生為主角，彼此為對方的初戀，女主角全家移民而男主角仍然留在香港，側寫九十年代中後期的移民潮，在短短的數十分鐘內既談論他倆的感情關係，亦旁及當時普遍香港人的心態，「野心」太大，聚焦不足。《回歸》談及本已移民多年的家人回流，涉及傳統中式與新時代西式文化的差異，以食物及生活習慣作比較，雖然故事情節簡單，但寓意深刻，對香港的變化有深刻的體會，值得觀眾回味。《遍地黃金》以茶餐廳內的對話帶出二千年代財經市場的波動，旁及當時香港人對非典型肺炎的強烈恐懼，香港觀眾較容易有共鳴，特別是當時淘大花園樓價大跌卻乏人問津的怪現象，勾起仍然需要面對疫症的我們難以磨滅的慘痛回憶。《迷路》運用照片描寫香港的建築物多年來的變化，皇后戲院、中環大會堂等都屬於上一代的集體回憶，四十至六十年代的香港觀眾特別容易透過這些照片察覺香港的變化，讓我們彷彿在一剎那間進入流動的「香港歷史博物館」，看著照片，回味再三。《深刻對話》把拍攝場景放在精神病院內，脫離了現實，「玩弄」真實導演的名字和性別，有自嘲的況味，卻與先前六部短片的主題風馬牛不相及，或許導演徐克認為2020年代的香港社會光怪陸離，任何荒誕的事情都可能會發生，兩位醫生做一場醫生病人的戲以引起病人的反應，本身就是極度無稽的設計，「瘋癲」的人在怪異的時代裡，異常的人與異常環境的配合，反而可能是最適切的配搭。

由此可見，七位導演對香港的每一時代各有體會，即使其成果優劣互見，仍然是值得港產片影迷細心閱讀的「功課」。或許九十後及千禧後的年青人對香港歷史的興趣不大，但他們仍可透過片中的流動影像了解上一代的經歷及生活環境，在看畢《七》後，他們與上一代談話時便會有共同的話題，過往存在的思想和言語「距離」便會隨之縮短。因此，要化解時代的鴻溝，下一代其實應主動認識和了解上一代過往的經歷，如果未能進行正面的有效溝通，除了選修中學的世史科(香港史是此科課程的其中一個主要部分)/在大學修讀香港史的相關課程、閱讀香港社會史的相關書籍、到博物館參觀外，觀賞像《七》這類懷舊電影亦是一個很好的起點。

親情的可貴 曉龍

想不到偶像式電影都會向觀眾傳達親情可貴的訊息，《阿媽有咗第二個》內方晴（姜濤飾）失去了母親，即使父親仍然健在，他都視父親為陌路人；兩代之間的溝通確實是現今香港社會內常見的問題，年青人不懂得原諒上一代，上一代犯錯，他們會對其恨之入骨，可能一生一世都不會原諒他。這就像片中的方先生(羅永昌飾)，醉酒駕駛引致方晴的母親死亡，使方晴長時間憎恨他，他入獄九年，方晴從來不探望他，遑論會閱讀他寄給自己的信件。很多時候，所謂「旁觀者清，當局者迷」，方晴對他的恨意從來不消減，直至余美鳳（毛舜筠飾）勸喻方晴重新面對他，因為他無論做過甚麼錯事，他始終是自己的父親。片末他親自到場觀賞方晴的音樂會，方晴主動提及他，證明他倆已和解，並已重修彼此的關係。因此，導演兼編劇彭秀慧藉著《阿》表達親情無從取締的珍貴價值，上一代需學習如何體諒下一代，給予他們足夠的時間接受自己，下一代需學習如何原諒上一代，給予他們足夠的空間「改過自新」。或許親人可惡而不可愛，自己不願意接觸他們，但不可忘記他們與自己有血緣關係，這是無從改變的事實，即使不願意接受他們，最後仍須不計前嫌地接納他們，這是自己與生俱來的命運，亦是自己作為家庭一份子的「責任」。

至於美鳳與盧子軒（柳應廷飾），他們是一對母子，雖然住在同一屋簷下，但她對他毫不了解，以為他不喜愛音樂，殊不知他是學校音樂劇的導演；他又以為她只是一位普通的家庭主婦，「退隱江湖」後應剩下不多的工作能力，殊不知她仍然寶刀未老，其後甚至成為方晴的經理人，並一手捧紅方晴。她本來是工作狂，擔任唱片公司的高層，結婚後為了照顧家庭，竟願意成為全職的家庭主婦，她期望他能在中學畢業後到海外升學，入讀著名的大學，畢竟她是典型的香港母親，這使他受到不少壓力，在暑假期間為了不令她失望，唯有假扮回學校補課，實質在執導一部校內的音樂劇，發展自己的興趣，追尋個人的夢想。很多時候，並非上一代不願意了解下一代，而是上一代在言行上給予下一代錯誤的訊息，使下一代以為上一代只希望下一代滿足上一代的期望，不理會下一代的興趣，導致下一代不願意在上一代面前表露真正的自己，並「收藏」自己的興趣；片中她從不知道他對戲劇有濃厚的興趣，直至她追蹤了他的IG戶口，才知道他曾擔任音樂劇導演，並在學校戲劇節中獲獎。因此，《阿》探討了上一代與下一代各自的問題，要解決代溝問題，必須依靠雙方的努力，才可有成效，正如片末他願意觀賞她舉辦的方晴音樂會，她願意觀賞他執導的音樂劇，彼此的問題才可迎刃而解。

《阿》談及寬恕，人與人之間的關係，本來建基於關心和體諒。倘若兩代人懂得關心和問候對方，嘗試從對方的角度看待問題，便會懂得體諒對方，正如影片後段方晴進入父親的內心深處，始發覺他為了自己的過錯而悔疚了很多年，進牢後不論肉體還是心靈，都已受到足夠的懲罰，如今方晴原諒他，不單使他釋懷，亦讓自己學懂寬恕的功課。或許人際關係是電影中「千古不變」的主題，即使《阿》是偶像式電影，仍然以此主題為故事的核心，能引起不同年齡觀眾的共鳴，已算是宣傳姜濤主唱的歌曲之餘，最功德無量的正面貢獻。