一元社會，事事要求少爭拗，樣樣講求和諧，以為這才是社會進步的模式，才能有效建設社會。其實，當下就錯過了很多本來的快樂與精彩。

由好戲之人Philip Seymour Hoffman參演的2009新作The Boat That Rocked，談的是一個以大船作基地的私營電台的故事。戲中還有另一老來嬌演員Bill Nighy。在1967年以前，私營電台在英國仍然是合法的，但政府卻認為它們破壞民風，決心在一年內把地下電台取締。

長達兩小時的電影，導演選擇了以輕鬆的調子，讓觀眾沉醉於歌聲與享樂之中，一方面不會讓時光顯得太久長，更重要的是切合這個狂歡達旦的電台氣氛。電影大播經典金曲，演員懷舊而色彩鮮明的服飾及造型，煙酒不離手，靚女不停溝，一場又一場的狂歡派對，構成這齣氣氛高漲的電影。

電影好看，因為夠放。DJ要在大氣中爆粗，被高層阻止，DJ妙計讓粗口吊吊揈出街。沒有職業道德，更沒有個人道德，為嚐魚水之歡，不惜橫刀奪愛，當面大爆偷借避孕套隱私，100MB極速變臉除衫滾上床。

要彈的是電影對於政府出招打壓的著墨較少，使電影失卻緊湊，只有歡樂。戲到後來，私營電台正式被禁，DJ們冒險開咪，以大海作掩護。船卻不幸觸礁北海，警方不作拯救。船如果就此沒了，其實更好。然而電影卻堅持那一份瘋狂的五石散元素，毀去了那僅餘的緊湊氣氛。然而電影娛樂性十足，卻是肯定的。沒頭沒腦的入場狂歡一番，應該滿足收場。

香港，碩果僅存一個地下電台，卻沒有這種題材的電影。一來不懂拍，二來政治不正確。所以香港這個電影圈，題材永遠兩三類，笑片十年，古惑仔又玩十年，臥底片都玩十年，影圈還能有幾多個十年?一句市場主導，加一句支持香港電影，劣幣逐良錢，結果是自己玩死自己的「關人七事」。

然而這並不是最悲哀的。最悲哀的，是它不過是社會的縮影。沒有The Boat That Rocked，只有The City Never Sleeps。失去了的，是本來就屬於你的，那些被遺忘了的時光。

「是誰…」

果醬

不言而喻的「親密」關係

曉龍

《親密》中的親密，可以有多種不同的含意。此詞彙通常是指人與人之間在友情之上更密切的關係，既可以是中性的詞語，亦可以是正面的詞語，在某些時候，更可以是負面的詞語。簡單地描繪人與人之間比正常的友情更進一步的感情，本身不帶有任何評價，親密只屬中性；例如父親近日多花一點時間與兒子溝通，跟他談談日常生活的瑣事，與他建立一種比以前更親密的關係，親密不帶有任何褒或貶的含意，只是實況。

較複雜地描繪人與人之間在談戀愛的過程中比以往更深厚的感情，暗示這種感情已走至另一階段，親密就是正面的詞語；例如他與她談戀愛已有十年之久，他們彼此之間的感情日趨深厚，其親密的關係正是將來結婚的最佳準備，此時親密明顯帶有褒意，指這段愛情已昇華至另一階段，並使他們的人生向前邁進了一大步，是值得恭喜慶賀的成長過程。

有時候作者用引號來突出親密一詞，暗示這詞語的特殊意義，具有反語的功能，在異常奇特的情況下，親密明顯是負面的詞語；例如近日有一段娛樂版新聞指「自從Eason擔任Kay的演唱會嘉賓後，兩人的緋聞便沒完沒了，近日又有疑似兩人的親密照流出，更令他們要費盡心神與唇舌，為緋聞消毒。」由於Eason及Kay皆屬已婚人士，此處所用的親密暗示他們可能有婚外情，親密明顯帶有貶意。那麼，《親密》所指的親密，帶有中性、正面還是負面的含意？

《親密》中的親密，很大可能有多種不同的含意。從第三者的角度看，親密指上司鄭伊健與下屬林嘉欣經常接觸，了解彼此的生活和工作狀況，未加入任何不必要的聯想前，親密只屬中性；從林嘉欣的角度看，她與鄭伊健建立更親密的關係，表明她對他產生好感，有機會成為戀人，雖然這段關係違反社會規範，但親密一詞暗示她與他的感情漸趨深厚，具有正面的意義。從鄭伊健的角度看，他身為一位已婚男人，又是公司的管理層要員，與她發展婚外情已經不恰當，在公司內建立這段親密關係，不理會上司與下屬之間不宜談戀愛的不成文規定，更是極度不智，親密在此時此刻具有非常負面的的意義。《親密》蘊藏著親密以內多種相關但不同的含意，具有廣闊而深邃的演繹和解讀空間，其內蘊值得觀眾細意品嚐，耐心閱讀。

由此可見，《親密》被部分觀眾及影評人視之為實驗電影，實因其以畫面表達同一個詞語不同的意義，從相異的角度閱讀，會得到不一樣的理解、思考和分析，故此片的珍貴價值，在於文本分析的過程中寬闊的個人認知和體悟，其複雜的多元性在全片倒敘的結構中完全體現，當中鄭伊健與林嘉欣兩人之間曾經/未曾發生親密關係的可能性皆難以估計，就是這種人際關係的曖昧性和神秘感，使全片在不知不覺間掀起大大小小的高潮；兩人朝夕相對，其親密關係在現實生活中出現的機會甚大，故他們的眼神接觸和言語交流，實在耐人尋味。

繼《色戒》，《海角七號》後，又一華人傳媒大力渲染的作品。叫City of Life and Death，大概無人認識，因為上映時，叫《南京!南京!》。重複，大概是為了加強語氣，鼓動觀眾壓抑內心的情感。然而英文名其實比較好，中文的那一個，好不累贅，也很煽情。

而電影也一如中文戲名，雖然作品已經運用了黑白鏡頭來營造冷漠的味道，滲以日軍的角度，意圖營造第三者角度的抽離，然而，電影從一開始就錯了。

要拍一套關乎歷史事件的電影，只有兩個方法。最簡單的，就是如實的拍攝事件，但這個方法很少被導演採用。因為談歷史，會惹來很多爭議，而且發揮的空間較少，較近期的例子有Che的二部曲。另一個方法，是憑空想像一個故事，以歷史為背景，藉虛構的故事來反映史實。這一類電影多不勝數，例如較早前提及過的The Boy in the Striped Pyjamas、或者時事一點的Frost/Nixon(港譯《驚世真言》)、又或是華語代表作《霸王別姬》等等。程度有深淺，故事與史實的比例各有不同，但故事是主，史實是副，絕不可運用太多的史實去渲染故事的感情。因為故事本屬虛構，滲入太多真史實，就有以真做假的反效果。

然而《南京!南京!》卻選擇了這一個方式。故事人物皆虛構，但卻不斷浮現出一段又一段的「歷史」， 妹仔大過主人婆，於是即使電影運用了不少故作客觀平淡的表達方式，故事仍然很煽情。尤為明顯的是下半部慰安婦的故事，一群日軍來搶女人，國人負隅頑抗之 際，一名日軍忽然抱起一名女孩，打開了窗，硬生生的就把她拋出窗外。母親嚇然暈倒，父親唐天祥對窗狂喊，慘情不斷。唐天祥後來有機會走了，卻選擇留下，換 取妻子離國的機會，分別的情景，大頭連場，一拖三拉，難捨難離。這樣的劇情貫連全場，會不會太多了一點?再加上幾無間斷的滲情背景音樂，實在太過造作。

更失敗的，是把一片國人都寫成無名英雄。除了片頭怕死的一干人等逃離了南京以外，全部演員都慷慨就義，戲中的姜老師敢於與日人抗爭；劉燁受刑前敢於站起赴死，然後本來不動的所有死囚都勇敢的跟隨，一一起立；日軍要一百名慰安婦，又有一堆女子自告憤勇。這都可能嗎?可能的，但只取這些情節，就片面得太假了。戲末一名日軍自殺，中國肥漢把蒲公英摘給身邊小孩，快樂的把它吹散於空中。以此暗示兩國後來的命運：日人的內疚，國家的希望，及反戰的思想。這樣的手法，明顯得太俗套了吧!

華文鱔稿充斥，實在教人失望，國內有一名觀眾，看這齣電影時，激憤得把手上奶茶砸向銀幕，附一句「去他媽的」，相信是戲外加映的煽情宣傳戲。

果醬

近年的卡通片除了3D化，還有轉趨成人化的趨勢。越來越多像Sen to Chihiro no kamikakushi、Wall.E、Coraline*一類的作品，以動畫作包裝，拆開卻是成人才能理解的訊息。這種轉變難言好壞，但對兒童來說，自是一定的損失。

2009年的這套Ice Age: Dawn of the Dinosaurs，港譯《冰河世紀3大威龍駕到》，是回歸原始的卡通作品。不賣深度，只賣歡樂，是為小朋友和一家大小度身訂造的合家歡電影。

電影自從2002年的第一集起，已經走到了第三集。雖然第二集是略為失色的，但這一集又回復了水準，作為續集，是特別難得的。在既有的局限裡能保有相當的驚喜，知易行難。

這一集的一班主角走進了地底世界，為救身陷險境的樹獺Sid。竟發現天外有天，物外有更龐然的巨物:恐龍，令本來最巨大的北極長毛象都變得迷你。拯救變成歷險，又一次的生死歷險，使各有打算的一班主角再次成為不可分離的好友。

電影的畫面構圖華美，然而與Coraline的美相比下卻不盡相同。Coraline的美在於構圖和設計方面，奇幻的畫面予人遐想。這一套是色彩豐富的美，當中優美的畫面設計以趣味為主，使人愉快。例如在熔岩流裡拯救Sid的一幕，新加入的黃鼠狼角色Buck (Simon Pegg配音)騎刧了一頭翼龍，卻遇上如空軍式的其他翼龍追捕，趣味十足，是讓小朋友笑不攏嘴的精彩一幕。

電影亦保留了松鼠Scrat追逐松果的惹笑「經典」片段，穿插於故事當中，今集還加入了松鼠女Scratte，由獨腳戲變成唱雙簧，喜劇效果同樣奏效，其中一幕「舞鬥」片段，尤為精彩，把原本由打鬥演變而成的探戈的神髓發揮極至。

電影本來就是一種娛樂。想找一套娛樂性豐富的電影舒緩一下緊張的神經嗎?《冰河世紀3》會是一個好的選擇。

*港譯《千與千尋》、《太空奇兵.威E》及《怪誕隨意門》。

果醬

《血迷宮》，是高安兄弟首作，也是他們最佳作品之一。

一直覺得，高安兄弟最有神采的作品並非那些充滿黑色幽默的黑色喜劇，而是「正經」地拍的犯罪驚慄片。個人覺得，高安兄弟作品當中，最好的是《二百萬奪命奇案》、《風雲再起時》及本片。

高安兄弟的作品一直強調人性的荒誕及茫亂，從首作已可以看出這一點。本片一開始，看似「正常」-一對偷情男女被後者的丈夫聘來私家偵探發現，丈夫怒不可遏，著偵探當殺妻的殺手。若果故事一直順著這步調發展下去，偵探追殺姦夫淫婦，展開一幕幕驚心動魄的追殺戲，最後二人在險象還生下幹掉了「殺手」，而丈夫也因而付出了沉重的代價……

但《血迷宮》不是循著如此的公式進行。出乎意料地，偵探才是全片的重心人物。

片中的偵探，其實像是芸芸眾生的縮影-不想被人利用，因而渴望反客為主，為自己訂下一個完美的計劃，務求自己在不用肩負起責任的同時可以盡收利益-不論它們是否屬於自己。偵探原本只要按客人的要求去做，一切便不會有那麼多波折，但人總是忐忑不安，偵探想收更多的錢，卻知道若果出了岔子，吃虧的終究是自己，即使沒有，自己也有把柄在客人手上。

因此，他想出了一個計劃，將一切反客為主，他的想法，是將獵人變成「獵物」，原本的獵物則變成「棋子」，而自己則由棋子變成「獵人」。

可是，再完美的計劃，也會因人心的茫亂及意外的變數將原有的預算徹底打亂。

因此，一個打火機、一把槍及幾發空槍足以改變一切，將案情由簡單變得異常複雜。原本這樁犯罪只是一條筆直的血道，只要循著前方走便一切順利，只是最後卻演變為一個眾角色都走不出去的糾結的血迷宮。

本片甚有希治閣作品及黑色電影的味道，尤其那個打火機的設置，不禁叫人聯想到希治閣的《火車怪客》。電影無論是循「亡命鴛鴦」的路線發展，還是現在這樣的方向，都是有黑色電影的影子，兩個方向都是深刻描繪犯罪者的心態，而影片取的方向則較有神采，這個化簡為繁的偵探極像漢密特筆下的以利益行先的世故偵探-此等冷硬派偵探小說，正是黑色電影的原型。

高安兄弟的高峰作《二百萬奪命奇案》，其實是將本片以純熟的手法再拍一次，而原著小說也跟他們作品所著重的不謀而合。本片的出現，其實可謂已確定了這對兄弟的作品的高度及深度，首作還有很多別人作品的影子，去到後期才漸漸自成一格，直至《二》片就真的是徹頭徹尾的「高安兄弟」作品了。

不知道張藝謀改編自本片的《三槍拍案驚奇》會拍成怎樣？

林駿強

三槍拍案驚奇 / A Simple Noodle Story

這是一部小品式的影片，演員也大都是演小品出名的。若以捧”大片” 場的心態去觀看，一定不滿意，因為沒大場面、沒火爆動作、沒什麼懾人心魄的特技。

張藝謀拍多了”大片”，奧運開幕可算是大片中的大片，空前絕後了。張導演的影迷們也早已習慣了張藝謀的”大片”，這突如其來的小品式的影片可讓宣傳發行商犯了愁……。

故事源於科恩兄弟1984年首作《血迷宮》，以黑色幽默的筆觸和峰迴路轉的情節設置形成所謂的「科恩風格」，該片被稱為是”希區柯克復活之作”。 在這部小品式影片中其實還是能看張藝謀早期作品中的影子，如《菊豆》、《英雄》等等。不過，觀眾被張藝謀的”大片”寵壞了，沒有了大片的元素，自然覺得是”上當受騙”了，連帶圈中中港各路”名人” 也乘機落井下石。

其實影片整體上並不是太遜色，唯獨是影片內涵未夠突顯。荒誕不足、幽默牽強、人物也較表面。 (這或是選擇演出小品演員的不利之處。) 加之宣傳發行商貌合神離的宣傳，引來眾矢之的評論。但也許這就是宣傳技量也不可知,只是坑害了導演，成就了票房。

小浪

《潮爆北京》

於京奧期間拍攝、將紀錄片跟劇情片元素混在一起 (部分內容屬「仿紀錄片」) 的《潮爆北京》，透過訪問、情節去把導演李照興及其他生活於北京的人心目中的「北京」呈現出來，當中既有對北京的愛或無奈作感性流露，又有對中國人的劣根性及所產生的怪現象進行妙趣惡搞，更以「后海皇帝」一角把中、港共存的社會狀態連繫起來，使觀眾看完戲後不禁想一想：我心目中的北京和香港又是怎麼樣？

何俊輝

刺陵

《刺陵》以排山倒海的打鬥場面取勝，動作設計顯然比荷里活的盜墓片出色，不過，由偶像派人物周董、林志玲演出，自然不寄望看到硬橋硬馬的真功夫。在電腦特技方面，還是要加把勁才做到逼真自然。此外，《刺陵》是一部考驗導演實力的影片，朱延平算是把影片拍得頗流暢。影片還勝荷里活盜墓片一籌的地方就是以守墓者大漠飛鷹的功德向觀眾灌輸保護文物的良知，並沒有吹捧盜墓者為英雄，有撥亂反正的意味。

奇利

《阿凡達》

電影的宣傳以特技招徠，然而《阿凡達》是少數能夠達到”more than meets the eye”要求的警世特技科幻片。電影中的3D立體特技效學固然是一絕，然而故事的主題信息震撼力更大。 “AVATAR”意指「化身」，而電影借化身講述了一個易地而處的故事，自身反省了人類盲目追求科技、發展的迷失及自以為是，另一方面又指向另一條人類可行的道路，也就是與自然環境合一，追求精神文明的生活。

導演及編劇集一身的James Cameron，將人類的科技網略與潘朵拉星人的自然網絡作出比較。透過對比，電影令我反思了自己真正需要的是甚麼？人類擁有比潘朵拉星人先進的科技及軍備，又為他們修橋補路，目的在於野心商家看準了星球上的能量資源（就像香港為了經濟效益興建鐵路而犧牲了菜園村居民的家園）。然而潘朵拉星人並不認為科技能為他們帶來進步，相反，更會入侵並摧毀他們的精神文明。在森林過著原始生活，潘朵拉星人的精神文明建基於信仰及自身的感應發展，在弱肉強食的世界，令他們的身體及反應，比起人類的更矯健敏捷。

在最後一場大戰役中，人類的科技軍備並沒有為他們帶來勝利，反而自食其果，敗節而回，直指「人類向大自然宣戰是自取滅亡」的現實情況。電影中有很多細節位及對白，都會令看得投入而自省的觀眾覺得么心么肺。

James Cameron花了十多年時間，以特技娛樂吸引觀眾入場，語重心長地向我們發出重視環保的重要信息，可謂用心良苦。我一邊看，一邊為著想要電影中那些機械人及纖薄電腦的未來gadgets而感到愧疚，人類是否已經到了一個不能自救的地步？No fate but just what we make，大概是James Cameron從《未來戰士》到《阿凡達》一直沒有放棄過的想法。

Steven River

電影往往是活生生的通識教材，老師可以靈活運用，發揮學生思考。

就以年青人趨之若騖的The Twilight Saga: New Moon (吸血新世紀2：新月傳奇) 這部電影為例，老師首先可以談談文學與電影的關係。為什麼一部空前成功的暢銷小說，被改編成電影後會引來部分觀眾不懷好意的笑聲，甚至是鼻鼾聲﹖老師可以叫學生看看小說又看看電影，然後比較分析，說出感受。《新月傳奇》的情節拖拉，未能好好攝住觀眾情緒，是否因為電影只把小說文字搬字過紙，過分忠於原著結構，而沒有好好利用電影的特別技法去再現原作思想﹖這牽涉到何謂”忠於原著”這個電影改編 (film adaptation) 中最受爭議的話題，老師如能恰當就地取材，不失為中文科新高中課程選修單元”名著及改編影視作品”的補充教材。

其次，教授”小說與文化”這單元的老師又可以引入西方文學中一個經典主題a damsel in distress (落難少女) 來引發學習興趣，然後讓學生辯論一下”情為何物”這個千古題目，也好了解一下現今潮人的戀愛態度。

A damsel in distress這個文學主題源遠流長，早在希臘神話中，就有安德洛墨達公主 (Andromeda) 的古老傳說。其中所說的，往往是一個遭惡魔囚禁或受逼害的無助少女，等待英雄救援的故事。簡而言之就是”英雄救美”，這是數百年來世界文學、藝術畫作、與電影等所喜愛的經典主題。

Twilight小說系列在美國受到女權運動分子抨擊，因為女主角貝拉 (Bella) 正正就是a damsel in distress的化身，她性格無知，近乎naïve，不但自我中心，情感上又極度依賴男性，戀愛大過天，錯愛上一個吸血鬼情郎又無法抽離，繼而疏離朋友與家人，最後泥足深陷地步向殉情，差點喪命。這種愛情心態必然引發班房裡不少美少女的激烈討論，大家先幻想一下心目中久久期待前來相救的a knight in shining armour (銀甲騎士) 是何路英雄，再談談為愛殉情的價值，最後反思一下自己的戀愛態度，甚有意思。

Twilight系列之所以能引發全球女fans的尖叫，自有它的原因。它寫的就是含苞待放的少女在成長的叛逆歲月中那種年少輕狂，為哥死為哥亡，何等理所應當。

最後，教授比較文學的老師又可引導學生去分析不同年代小說的主題與寫作技巧。Twilight的原作者史蒂芬妮梅爾 (Stephenie Meyer) 喜歡從經典文學中抽取創作養分，例如《Twilight》的故事靈感來自Jane Austen的Pride and Prejudice (傲慢與偏見)，《新月傳奇》的靈感來自沙翁的Romeo and Juliet (羅密歐與茱麗葉)，《Eclipse》的靈感來自Charlotte Bronte的Wuthering Heights (咆哮山莊)，《Breaking Dawn》的靈感又來自沙翁的另外兩部文學巨著The Merchant of Venice (威尼斯商人) 與A Midsummer Night’s Dream (仲夏夜之夢)。新舊文學互相比較，老師又多了教學話題。

就說這部《新月傳奇》，它與《羅密歐與茱麗葉》都可看作是一部殉情記。細味兩個文本以後，同學或會看出沙翁筆下的蒙特鳩及凱普雷特兩大世仇家族，在Stephenie Meyer的筆下已變成了吸血鬼與狼族之間的世仇。有興趣研究人物塑造嗎，不妨比較一下吸血鬼愛德華與羅密歐，誰的殉情更淒美呢，那是因為作品中的心理描寫比較細膩，情節事件比較豐富，還是什麼什麼，這一一都可作為堂上討論的課題。

一男

-有點意想不到的觀影

一般的災難片，強調天崩地裂的場面，以及光輝的人性，亦是荷里活片商其中一個「最愛」的片種。無他，遵從著公式去拍的災難片本身已有一定程度的商業性，不管導演筒落在誰手上，由誰來演出已不再重要。無論經典之作如《海神號遇險記》、《驚天大火災》，還是近年大賣的《明日之後》、《2012》，都是十分公式化的處理。

《末》片所呈現的，是在末世下人們放開內心的枷鎖，以愛情與縱欲去面對最後的時光，實踐最後一刻的及時行樂。

由主演《潛水鐘與蝴蝶》的Mathieu Amalric飾演的男主角，於大限將至之時憶及一段遺憾的情事-原本有美滿家庭的他因愛上了一位烈女，從而改寫了人生，他跟妻子分開了，但跟烈女的愛情也是意外地無疾而終……在末世降臨之時，他決定起行，展開最後的愛情探索之旅。

一路上，世界已陷入恐慌與混亂：不知名的致命病毒有如蒲公英般四散，而奇異的氣候現象亦不時出現，酒諷刺地竟然比自來水還要安全。影片呈現的災難情況，多從生活細節上帶出，其中一個例子是主角想找記事簿，但店舖老闆娘卻說紙張已十分短缺不如以食譜來作取代。荷里活的災難片在災難場面上做得很「充足」，但細微之處往往沒有兼顧到，如《末》片般的處理，有時比典型的災難片處理來得深刻。

電影強調人在最後的時光要釋放自己，因此，男主角在尋找摯愛的同時，也得到了不少：那位跟他父親有淵源的老闆娘、前妻，還有朋友的女兒。而且，既有的價值觀在這非常時刻也被摒棄了，男主角的朋友向自己表白，朋友也跟女兒盡享肉慾的一夜。或者，末世只是一個藉口，人的內心總是希望有真正的自由，沉溺於無止盡的享樂當中，不用受規則的綑綁。導演也刻意帶出人對文藝的渴求即使在世界末日之時也不會減卻，那場觀眾隆而重之去看的歌劇便是一個佐證。

對於戲中角色們的縱慾，觀眾或者會看得茫然，亦納悶為何災難片會這樣去拍。其實，導演不過是將人們心底裡不願意面對的一面呈現出來罷了-這不是黑暗的一面，只是坦蕩蕩的解放。還有，人總會在最後才願意面對紊亂的生活軌跡，重整自己的生活碎片將遺憾補綴，問題不在於困難與否，而是人們願意與否。

這是一部值得留意的「非典型」災難片。

林駿強

舊年有份角逐奧斯卡最佳外語片的一套卡通片，來頭不少。以色列的出品，英文直譯做Waltz with Bashir，不失詩意。卡通片能獲得奧斯卡這項提名的真是寥寥可數，可見這一闕昔日舞曲絕不能掉以輕心的看待。

2008年的出品，沒有跟風荷里活把作品3D化，而以平面如漫畫的畫風構成電影的立體感，同時以簡單而鮮明的幾種顏色構成獨特的畫面。作品頗有Persepolis(港譯《我在伊朗長大》)的味道，但畫風更細緻也更具真實感，可說是特立於現有的卡通片，甚至是一種衝擊。

作品是一套回憶錄，關於1982年入侵黎巴嫩的戰事及大屠殺，作品以男主角對這段歷史失憶作開端，帶領觀眾一同走訪過去，尋找昔日戰友，重現歷史的真相。電影藉此暗諷現代人對歷史失憶，而且有力地批判政府多年來對事件真相的掩飾。

在叢林中一個手持火箭炮的小孩擊毀軍車。小孩被亂槍掃射而死。軍隊在末日長街中與佇立對街的大樓內的敵軍對戰。知名記者在槍林彈血中催前採訪。民眾紛紛擠在軍隊身後的住宅「看表演」。在兩軍對峙的街中，一幅巨型人民英雄Bashir畫像面前，踏著如華爾茲的舞步，舞動著機關槍巍峨進攻。這幾場本來讓人難以置信的畫面，經過漫畫的修飾下，反抹去了一定的沉重，卻有意想不到的另一種氛圍，使電影更具激動人心的力量。

而戲中幾番出現女性裸體，是和平而寧靜的象徵，反映出戰時士兵渴望和平的心理。

結尾的兩分鐘由漫畫回歸現實，原來一切都是真的。沒有兀突，只有山雨驟來的震撼。

因為有份提名奧斯卡，電影才能在港重見天日，中文卻慘不忍睹的譯做《與魔共舞》。砸毀了原有的把死亡視作浪漫的末日舞曲的詩意，及以漫畫取代真實的巧妙比喻。只懂得因承舊襲的求其一個《與X共舞》。香港的創意，真的已經消弭殆盡嗎?

*早前看過一個吹水宣傳節目，某知名的漫畫人亳無根據地說，香港的漫畫的重要性，僅次美日，全球排第三。但，香港由老夫子十三點龍虎門到百分百感覺，有幾多部作品能衝出亞洲? 近年拍成電影的幾部漫畫作，全都改頭換面，由真人來演。在自吹自擂自得其樂之際，請放下畫筆，虛心一點，走進戲院欣賞一下別人的華爾茲，體味一下別人的成長經歷，便會驚覺，原來別人，早已把你遠遠拋離。

果醬