The Soloist是根據洛杉磯時報的專欄作家Steve Lopez的書作拍成的電影，由Robert Downey Jr. 飾演Steve Lopez，展開一段拯救天才之旅。

天才是不易理解的，但更確切的是，天才其實並非完美。凡人看到了天才神乎奇技的一面，便理所當然地以為他一定八面玲瓏，為他的懷才不遇，甚至自甘墮 落而可惜。天才，應該擁有一個更大的舞台，讓舉世驚異於他的才華。可是，天才是否一定要走這一條凡夫俗子所追求的路，用才華來換取名利?假如自甘平凡，是 否就等同埋沒才華?

2009年的The Soloist，是Robert Downey Jr. 打自2006年的Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus(港譯《夢幻皮草》)以來，有份參演的作品中，最能發揮演技的一套。但強中自有強中手，電影以Jamie Foxx扮演精神分裂的天才音樂家，戲中梳一個癩痢貝多芬頭，單論角色造型已搶盡型格中坑的鏡。而戲中的另一好戲之人Catherine Keener在強勁的對手下，更淪為陪襯花瓶的第一女主角。

近兩小時的光影基本上是不俗的，無論劇情編排，節奏掌握等等所有元素都處理得完滿，然而整體上的感染力卻不強。估量其中原因，是題材的感人成份比較適合放在書作上，透過秀麗的文字渲染情感。拍成電影，就有點主旨不夠鮮明或強烈的感覺。只有故事，而沒有重點。

天才與白痴，可能真的只差一線。要幫助天才，並非要摧毀他的另一面，而是接受。香港遍地黃金與凡人，卻沒多少天才，為什麼呢?其有理由，值得深思。

*光碟版譯做《心靈獨奏》，貼題之作，好。

果醬

複製人的話題由來已久，不少電影創作人對此話題有濃厚的興趣，使以此話題為討論焦點的荷里活電影多不勝數，要突破固有的傳統而在此話題內創新猷，實非易事。《接種》的導演「藝高人膽大」，嘗試從科學實驗著手，研究人類與其他生物基因混合而成的變種生物的成長過程，牠具有人類的臉孔，上身與女人無異，下身卻像野獸，有兩腿野獸中常見的粗壯大腿，以及一對雞腳。《接》討論的主題，依舊老生常談，就是人類對混種複製人的驚惶和恐懼，以及其牽涉的道德問題，女主角把自己的基因混進其他生物體內，其行為固然備受道德主義者鞭撻，當中對人本身的價值的貶抑，肯定備受衛道之士譴責。

人類貴為萬物之靈，從傳統的道德觀出發，人類本就是「神聖不可侵犯」，不可模仿，亦不可複製，更不可取代。女主角雖然是一位專業的科研人員，但這不代表她有權冒犯人類，並侮辱人類，甚至使人類的尊嚴蕩然無存。《接》中那個混種複製人最終走向死亡，在人類主導的社會中，這肯定是其必然的命運，因為那個混種複製人既不完全像人又不完全像野獸，不倫不類，其存在是對人類長久以來的自信和自重的嚴重打擊，稍具「人性」的人類，都必定希望能徹底剷除牠，以求尋回人類應有的「尊貴」自我形象。

《接》的目標觀眾應是年青人，他們大多對怪異及不合常理的事情產生強烈的好奇心，創作人嘗試捕捉那個混種複製人的側面，配以特殊的光效，使其成為海報及預告片中最大的賣點。可惜現今的青少年在大量荷里活電影和日本卡通的「薰陶」下，對怪異生物見慣見熟，除了《接》內那個混種複製人懂得變性的特質較為嚇人外，牠真的無甚特別，喜歡吃糖的愛好亦不顯得特別古怪，故筆者相信牠不太突出的形象實在難以吸引觀眾買票入場。可見牠不單具有先天性曖昧的混種身份，其先愛男後愛女的性取向亦十分曖昧，全片的海報及其他宣傳品竟以牠仿如「變種怪物」的形象為焦點，其心思有限的設計意念更是「曖昧至極」。

身為前奧斯卡影帝的艾哲倫保特參演《接》，雖然其外表溫文，說話聲線柔和，形象像文學家多於科學家，但他的演出尚算賣力，以外露的身體語言表現人類對那個混種複製人從驚恐至接受的過程，從陌生至親密，從冷漠至濃情，他一點一滴而具層次的演繹，使其角色具立體感，可信度亦高。可惜全片整體情節變化太快太突然，「承」之前的「起」鋪排不足，「轉」之前的「承」亦欠缺足夠的篇幅，導致其最後的「合」顯得有點尷尬，可見全片劇本「荒謬至極」。編劇的嚴重失誤，白白浪費了他努力演出的一番苦心。

曉龍

情感是一種奇妙的東西，彷似真實，卻總無法親手握住。當我們以為確實擁有著一些感情，到頭來，竟發現原來這一切一切，只是被植入的「資料」，我們的 身心能否承受這瞬間的掏空?感情落空了，吞噬內心的，是另一種虛無的感覺: 無盡的空虛。然而，同樣也是一份感覺，空虛卻彷彿確實地永恆存在。

在人類無止境地虛耗地球能源後，危機終於得到解取: 能源公司成功利用月球上的石頭攝取太陽能量，再從石塊中提煉所需。能源公司遂於月球建立基地。利潤雖大，開支卻也不少，為節省成本，榨取更多的錢財，於是在基地裡，只用一名太空人。其他工作，都由機械人Gerty代理。

經年累月的月球工作，只有冷冰冰的Gerty作伴，再豁達的人也有思家之情。合約即將介滿，歸期將近，興奮之情更溢於言表。一次外勤工作時，卻不幸發生意外。而這一次意外，使平淡而沉悶的月球工作徒起波瀾。

2009年的科幻作品中，Moon堪稱年度佳作，由Sam Rockwell演月球上的人，在廣闊無垠的月華中演獨腳戲，除了一台機械，就只有自己和自己。他的演釋方式可說是難上加難的，其演出卻能貫穿全片，一人 多面，賦予了電影生命的起伏，也勾劃出那種寂寞無邊的傷感，演活了那份只能獨自面對的無可奈何。

當活到了人生的盡頭，才發覺自己原來一無所有。當一直在默默造福人群，卻發現原來自己只是個可有可無的泡影。當你隱隱意識到，電影裡的這些傷感，不過是把你我的人生放在月球上的一個剪影。寂寞，並沒有因為你處身地球而離你而去。

果醬

Shot in saturated colour, Confessions is a stylish, compelling, multi-lay……ered film by Kamikaze Girls director Tetsuya Nakashinma based on Kanae Minato’s acclaimed national-bestseller Kokuhaku (Confessions).

Confessions has echoes of Kubrick’s Clockwork Orange, a thinking man’ film that tackles a murder mystery and a morality tale on the social issues of AIDs, bullying, overprotective or negligence in parenting and suicide and in Japanese society.

Actress Takako Matsu (K-20, Villon’s Wife) plays a dedicated teacher at a junior high school who’s young daughter is found murdered. Believing two of her own students are responsible, she decides to leave the school, but not before a final chilling confession to her class in which she informs them that she’s already enacted her plan for vengeance. A series of further confessions bring other incidents regarding students to light, leading up to a shocking plot twist.

Takako gives a chilling performance in her limited screen time as the teacher bent on revenge her daugher’s murder in her own way. The supporting class of teen brats is equally impressive, with the two murders and one of their moms stand out as we witness their life falling apart.

The series of confession vignettes keep us glued to the screen as the main characters - the teacher, the killers, the mom and the sympathizer - take turn to justify their action through their confession, culminated in a shocking finale that will leave you either disturbed and thinking for days to come.

Confessions is a beautifully crafted designer thriller, with hypnotic visuals underlined by a mersmerising score. Radiohead fans should be happy to know that Last Flowers is the movie’s title song.

Elven Ho

In spite of the Andrew Lau-Gordon Chan-Donnie Yen triangle and a stellar cast to boot, Legend of the…… Fist: The Return of Chen Zhen is a formulaic action flick with heavy-handed nationalistic sentiment. The patriotic overtone is very popular among the audience in Hong Kong and mainland China in recently year. One can trace the history back to Bruce Lee’s Fist of Fury and Jet Li’s Fist of Legend, with the two legendary martial artists in the same role that Donnie now reprises (in between, Yen played the role in a TV series). The combination of nationalism and martial arts in movie reached its height in Ip Man, a critical and commercial success. The Legend is a bit of a let down. Box office grosser The Legend will no doubt be, but as an action film on an epic scale, it is rather disappointing. The story is set more than a decade after the previous Chen Zhen installments by Bruce Lee and Jet Li. Chen turns up in Shanghai and infiltrated the influential circle of a club owner (played by the always reliable Anthony Wong) and uses it as his cover to take on the Japanese. The plot thicken, with a parade of characters come and go, but without much clarity. Even the beauty of Shu Qi and her competent performance as the hostess-singer cannot save the day. All would have been forgiven if only the action sequence live up to the standard of Yan’s best work. The opening sequence with gravity-defying stunt (most likely partly shot with a Yan bodydouble) was about the most impressive, but it was downhill from there, with the rest of the fighting done without the crispness of Yan’s past opus (I miss his classic fight with Jet Li in Once Upon a Time in China). The much anticipated final battle between Yan and the Japanese villain was an anti-climax when filmed with so much close up. It is like shooting a dance sequence from the waist up. There is an abundance of movie references, from Yen as the Masked Avenger ala Bruce Lee in Green Hornet. He hovers over the city like the Batman. Fault aside, an action epic that is part war, part superhero and part spy genre still has an universal appeal to audience worldwide.

Elven Ho

《精武風雲—陳真》犯下三個嚴重錯誤令這套電影的可觀性只有一個——閣下是「宇宙最強」的子丹派門生。

故事背景是上世紀二十年代的中國──渡過了曾被西方列強凌辱欺侮的腐敗滿清；再經歷軍閥割據瀕臨內戰邊緣的無能民國，正受內憂外患壓迫：國內學生運動令新舊思想交替，備受新革命主義浪潮所沖擊；而東洋日本正積極推行「大陸政策」，欲先征服支那以建立「大東亞共榮圈」進而掌控全世界，在時勢推波助瀾下，拯救人民於水火之中的民族英雄──「天山黑俠」誕生了。

「天山黑俠」就是陳真。這個虛構出來的人民英雄可塑性甚高，更且深入民心，但編劇捉到鹿不懂脫角：一面要營造他是化腐朽為神奇；將不可能變成可能的大俠，但只懂放不懂收──當人人也以為「天山黑俠」是打不死的時候，陳真就在大街上輕易被日本人伏擊成功。或許編劇是想說明陳真其實也是一個人，也有脆弱的時候，這本是應該的，因不要神化任何人。但以劇中之前「天山黑俠」之能，有可能在突然被包圍後瞬間失卻戰鬥能力而被人一招擊倒於彈指之間嗎？

更奇情的還在後頭：日本皇軍的力石猛大佐在知道陳真真正身份的情形下命令部下將他放生，目的是要與陳真手底下見真章，親手報卻父親戰敗及殺父血仇。這本無可厚非，但就不應安排前述那段眼高手低的不合邏輯劇情，編劇上這明顯是作繭自縛──因勢形格禁下，力石猛自願將陳真放虎歸山已是事在必行了，除非師父霍元甲死而復生吧！

另外，日本皇軍故意泄露一份反日格殺名單以圖在上海製造混亂恐慌，但那些「金榜題名」的人卻「馬照跑舞照跳」，還悠閒地去理髮店剃鬍子。這不是製造機會給日本人殺自己嗎？

最致命的是：故事主幹由陳真貫穿整個脈絡並以已於早年在法國戰死沙場兄弟的身份，幫助抗戰組織探查日本皇軍的陰謀。但劇中只交代了陳真在發現那兩個日本女卧底的身份後，就能準確地「琢磨」出日本皇軍設於上海的秘密司令部，這是否有點匪夷所思？就是這樣，整個故事架構便如一組滑輪失去其中一個齒輪般蕩然無存。劇本的鬆散犯駁是此套電影的第一敗筆。

眾所周知，丹爺也是李小龍的忠實粉絲。他的動作場面確實能使人血脈沸騰，但他有一組「甄三腳」及一招「旋風後腿」在影片中於不同場景曾出現不下兩次。這代表著什麼？究竟是丹爺是心有獨鍾喜愛這兩招，還是其實他已黔驢技窮，再也想不出其他武術招式？還有他太模仿李小龍了，這套電影大概只是為了滿足丹爺的自我偶像崇拜而拍攝的。動作設計是此電影的第二失敗元素。

最後，不得不說說導演的主理手法。《精武風雲—陳真》內的武打，除了丹爺的功架外，導演還利用學生運動的場面去推高觀眾情緒，以令尾段丹爺單槍匹馬力挑「虹口道場」，以一夫當關之勢力敵數十「㗎仔」時更敵愾同仇。雖然畫面極之痛快淋漓，但這會否是導演藉此宣洩中國近代屢被列強欺壓的百年屈辱而濫用了民族情意結？而從外國人眼中看來，會否令他們產生一個感覺：中國人其實極端自卑？

到了最後決戰，陳真原本不敵皇軍大佐，但經一輪「思想激勵」後卻突然「師父上身」地將皇軍大佐輕易擊倒於吹毛斷髮間，這不是日本動漫「聖鬥士星矢」的情節嗎？而且那組鏡頭是用近似萬花筒式影像去交代，只集中刻劃丹爺的強勁臂彎和皇軍大佐中拳的面部特寫，這樣了斷會否過於兒戲？

《精武風雲—陳真》內唯一的驚喜是那個上海警察廳探長──黃渤的演技配以杜汶澤的聲演，是此片最別出心裁的神來之筆。

但願香港的電影製作人不要再重蹈覆轍，會認真地審視劇本的創作與及資源的調度。電影人是應懷著廣闊胸襟、包容態度與及敏銳觸覺而與時並進的。

這樣，香港製作的電影才能再次於世界上任何角落大放異彩。

三少

馬來西亞創作歌手阿牛，多年前憑《對面的女孩看過來》一曲走紅華語歌壇。今年他號召了一批大馬的著名歌星參加其首部自編自導自演的劇情長片《初戀紅豆冰》 演出，在當地推出上映時造成轟動，如今又成功打進海外華人市場上映，反映出大馬攝製的華語電影，已有能力從小眾的獨立製片轉型至主流的大眾娛樂市場。
本片的故事情節發生在上個世紀九十年代的南洋小鎮，一群純真的年輕男女，在成長的過程中互相嬉鬧，有人偷偷地暗戀著誰，充滿了歡笑與磨滅不掉的美好回憶。主人翁Botak（阿牛飾）的父母經營著一家小咖啡店，那裡是街坊們打發時間和「買字花」的中心。Botak一直暗戀著寄居於他家的少女打架魚（李心潔 飾），只要能夠在她的身邊跟進跟出就感到非常開心。打架魚每次都被惡少同學馬麟帆（曹格飾）騷擾，老是要拿鬥魚來跟她比拼，但每次都落敗，不料兩人在一次 互相扭打中有了肢體接觸，竟讓馬麟帆從此對打架魚心生愛意。另一方面，馬麟帆的妹妹馬麗冰（梁靜茹飾）愛上Botak，而白馬王子（品冠飾）則一直對馬麗冰癡情不已，偏偏Botak的胖妹妹卻認為她和白馬王子才是一對。各人「愛你在心口難開」的青春心事和互動趣味推動著他們的生命往前走，直至最後不得不面對真相，黯然分手。
全片大部份的篇幅均以浪漫而諧趣的生活化細節舖陳，節奏輕快，喜劇氣氛濃鬱。略帶誇張但不算過份的人物造型和近似漫畫化的演出風格，使幾個其實有點超齡的歌壇偶像成功地扮演了各具特色和表演空間的角色，並密集地激盪出戲劇的火花，很容易就帶領觀眾溶入故事氛圍之中。阿牛的鏡頭運用相當流暢自然，並沒有新手導演的生澀，尤其在映射上頗能凸顯南洋風情的艷麗色彩，地方風味鮮明的場景和多種語言對白的口音腔調，都成功地反映了大馬的多元文化特色，加上抒情的配樂和插曲襯托，難怪可以激起馬國觀眾的強烈反響。
除了「少年不識愁滋味」的愛情喜劇主線之外，本片另有兩條家庭副線刻劃父母子女之間的複雜親情以及第二代希望自立的夢想，交錯發展之下拓大了劇情的豐富性，有些片段也相當感人。例如打架魚與被拋棄的母親相依為命，但她對不負 責任的賭徒父親（巫啟賢飾）卻又念念不忘，非得親自追尋到父親下落才甘心；與其對照的是Botak那雖不良於行卻煮得一手好咖啡的哥哥（易桀齊飾），在被 父親的陰影籠罩多年後終於勇敢地採取行動出外創業。全片結束於繁華的大都市，長大成人的Botak與打架魚在人來人往的十字街頭擦身而過，多少甜蜜往事還是留在回憶中最好。

梁良

自由開放的混雜文化

曉龍

近年來，3D電影大行其道，不論動作片、恐怖片、卡通、喜劇抑或運動電影，都會加入3D效果，角色動作、生物行為、場景配置、虛擬環境等，於一剎那間彷彿在觀眾眼前出現，他們戴上特製的眼鏡後，仿如進入另一空間，由於3D效果使角色與觀眾在視覺和聽覺方面產生「近距離接觸」，故他們在不自覺的情況下，與角色進行深具互動性的「親密」交流，可享受「參與其中」的緊張、刺激和快感。不過，《街舞3D》全由真人演出，其動態及美感與一般舞蹈片無異，全片雖然被視為英國電影在技術方面的突破，因為這是第一齣由英國人製作的3D電影，但其3D效果不太突出，相對現時具有3D特效的荷里活電影而言，《街》在技術方面仍有廣闊的改進空間。例如：角色的身體線條未曾因3D效果而表現其曲線美，人物在跳舞的過程中表現的動態美，除了具有舞蹈應有的美感外，未曾因3D效果而使其肢體動作產生不一樣的變化，遑論緊扣人心的魅力。可見導演未能善用3D效果使全片錦上添花，視聽兩方面的「官能刺激」仍有不少不足之處。

此外，《街》提倡自由開放的混雜文化，由街舞配上芭蕾舞，把屬於平民的庸俗文化與屬於中產階級和上流社會的高雅文化混在一起，前者因環境問題而被迫與後者融合，後者因要吸納新元素而與前者結合，兩者「各取所需」，終匯合成混雜式的舞蹈。街舞主張的自由開放與芭蕾舞拘束保守的特質形成強烈的對比，街舞不循規範的破格和革新亦與芭蕾舞循規蹈矩的形式化特質格格不入，要取二者之長以補彼此之短，並非易事。《街》末段由眾主角示範自己可如何結合街舞與芭蕾舞，融合兩種天淵之別的文化，以求在過度的動態與極端的靜態中間取得適度的平衡，靈活有序地演繹混雜而成的嶄新舞步，與荷里活傾向單一或只並列不同種類舞蹈的表面化「結合」比較，《街》能揉雜各家之長，達致真真正正的融合，從內容方面分析，全片算是一種難得一見的突破。

何謂自由？何謂開放？在不同地區，由於各地文化有頗大的差異，評價當地文化是否自由開放的標準亦不一樣。《街》充分體現英國自由開放的西方文化特質，香港雖然是東西文化混雜的大都市，但論其自由開放的程度，肯定比不上英國。因為香港社會在很多時候恪守固有的規範，雖不至於不敢越雷池半步，但低下階層與中產階級及上流社會的壁壘分明，上流社會有自己的小圈子，不會輕易讓低下階層人士進入，除非那位低下階層人士因個人能力及其相關的有利環境使其躍升至上流社會，否則，上流社會一定不會接納低下階層人士成為自己社群的一份子。由此可見，香港報章中常見的「名人舞會」，所有參與者都是上流社會人士，低下階層人士不可能/沒有機會參與，此現象正象徵芭蕾舞永遠不會與街舞結合的殘酷現實，這就像《街》鼓吹的文化磨合，放在現今香港社會的實際情況分析，可能只是一種與現實不符的妄想，甚至是癡人說夢的夢話。