《職場新仔》短評

「混雜」的市場考慮

作為一齣市場導向的韓國電影，《職場新仔》有「混雜」的市場考慮。不論文志溶及權赫的追隨者、少女、男同性戀者還是初出茅蘆的新鮮人，都能在影片內各取所需，欣賞其唯美的畫面及具生活趣味的情節。雖然他們不一定會驚喜萬分，但最低限度會獲得一點點意料之內的滿足感。

文志溶及權赫的追隨者要在《職》內欣賞兩位韓國偶像的俊臉，必定不會失望。因為他倆主導著整齣電影的情節發展，從相識、相熟至成為朋友，最後成為戀人，都與他們在廣告界的事業發展一脈相承，兩人在工作上互相合作，他倆的特寫鏡頭充斥全片，其粉絲必定「滿載而歸」。很明顯，《職》是不折不扣的偶像電影。

即使少女觀眾不是同性戀者，都不會介意看文志溶及權赫的演出。因為他們彼此的互動「點到即止」，所謂的親密行為只限於鏡頭前少量的身體接觸，在性方面的交往都以暗示的方式表達。或許《職》的創作人不希望部分女異性戀觀眾反感，避重就輕地營造不論異性/同性戀者都會有的浪漫感，讓她們享受銀幕內外自己與另一半共享的溫馨浪漫時刻。故此片的優先場吸引不少二三十歲的女性觀眾，實屬合情合理。

至於男同性戀者，他們在現實生活中，其實與其他異性戀者相似，都會正常地工作，正常地生活，《職》披露兩位男主角與正常人沒有太大差異的一面，自然可取得他們的共鳴。很多時候，在標榜性的男同志電影以外，《職》算是美味的「甜品」，因為片中他倆較含蓄的交往，依然有浪漫難忘的時刻。故此片對男同性戀者來說，是較貼近現實的輕小品，與過往經常出現的「重口味」作品不同，能吸引較保守的觀眾。

初出茅廬的新鮮人應會認同于盛賢（文志溶飾）的角色，覺得他在片中的經歷「似曾相識」。譬如盛賢身為實習生，被同公司但屬於另一組的同事欺負，要求他完成較「簡單」的任務，替其他同事「斟茶遞水」，他不敢拒絕，因為擔心會得罪他們，只好言聽計從。幸好他的直屬上司金鍾燦（權赫飾）保護他，讓他不會受辱，鍾燦表面上冷酷，實際上有情有義，新鮮人應會向他投以羨慕的目光，因為像鍾燦一樣願意照顧下屬的上司，實在可遇不可求。

因此，《職》「混雜」的市場考慮能迎合不同身分及性別的觀眾的口味，導演金趙光壽刻意在愛情以外加入寫實性的社會元素，有明顯的開闊觀眾群的動機。《職》算是「牛刀小試」，相信未來會有更多相異元素組合而成的「混雜」電影出現，以滿足眾多來自不同背景的觀眾。

《說笑之人》短評

悲劇的終極是喜劇？

別以為創作棟篤笑的內容很容易，黃子華曾向記者分享自己花數年創作棟篤笑，今趟《說笑之人》內文少（吳肇軒飾）與子華一樣，在大學哲學系畢業後，追尋自己的理想，希望發展棟篤笑的興趣/事業。初時他創作了很多不同的短篇故事，期望能讓觀眾捧腹大笑，殊不知他們沒有太大的反應，甚至感到納悶。其後他善用「創作源於生活」的理念，以詼諧的語調講述自己與輕度智障的父親華哥（袁富華飾）相處的經歷，反而使他們開懷大笑。他一個人在家中「無微不至」地照顧父親，本是艱辛悲慘的遭遇，但他倆在溝通相處過程中不尋常的「笑料」，卻令他們覺得其具有豐富的生活趣味。莫非悲劇的終極是喜劇？

常說人生是悲喜交雜的體驗，文少長大後已發覺自己的家庭與別不同。正常的家庭內有父親和母親，他只有父親，母親(蔣祖曼飾)在他年幼時已離家出走。他的同學會在家中獲得正常的父親的照顧，他卻反過來需要照顧智障的父親。華哥因年幼時腦部受損，其思考模式與常人不同，這導致他與父親的溝通有誤差，繼而引發種種意想不到的笑料。或許悲劇的終極是喜劇，當悲慘的經歷達到極致時，我們便會笑中有淚，就像《說》裡他面對父親，一方面覺得父親說話的速度較常人慢，語調與常人不同，顯得「荒誕」有趣，另一方面又覺得其際遇欠佳，患病智障，遇人(母親)不淑，要與自己「相依為命」。他具幽默感的說話內容其實蘊藏著悲哀動人的故事，或許一場棟篤笑能使觀眾在不斷笑的同一時間內，亦會不停哭，這才是喜劇的最高境界。

袁富華與吳肇軒擦出火花，兩人具自然感的語言「碰撞」，有一定的可觀性。例如：他倆談論早餐吃粥的一段話，雖然提及華哥天天煲粥予文少吃，突顯父愛的偉大，溫情洋溢，他倆的對話內容別具幽默感，即使突顯了華哥沒有妻子，文少沒有母親的悲哀，但兩人依然懂得苦中作樂。或許哭著要過活，笑著又要過活，不如快快樂樂地過一輩子。華哥在文少曾就讀的中學內擔任工友，工作了數十年後退休，後來到茶餐廳工作；文少大學畢業後替茶餐廳送外賣，此選擇源於其較彈性的工作時間，方便自己追尋棟篤笑的「夢想」。他倆彼此之間相處時產生的矛盾，華哥期望文少擔任中學教師，因為工作較穩定，收入較佳；文少亦期望華哥能像正常的父親，為其建立完整的家庭，過著與正常人無異的生活。很明顯，兩人各自的期望與現實有很大的差距，或許這些差距衍生的矛盾，就是終極喜劇的最主要來源。因此，悲劇的終極是喜劇，確實有一定的道理。

《威尼斯謀殺案》 A HAUNTING IN VENICE

鬼與科學的迷思

筆者雖然沒有看過全部阿嘉莎克莉絲蒂的小說，但印象中並沒有一部叫《威尼斯謀殺案》，原來據資料顯示，此片改編自《萬聖節前夜謀殺案》(Hallowe’en Party)，我認為這只是靈感來源，故事其實完全不同。那姑且以戲論戲吧！

電影以威尼斯作背景，水都的鬼魅氣氛經營不錯，燈光、攝影、美術效果居功至偉。可能簡尼夫班納太沉醉於其舞台劇世界，此戲的造型氣氛有幾分像《歌聲魅影》。導演技巧很貫徹之前(謀殺案)二作；都是表達草率，真相交代快速欠細緻、省略，旁枝雜葉則冗長，剪接零碎，節奏不均。這套尤其明顯，可能大部分都是編劇創作，驟眼看是集大成，有形無神。「無神」可以說是沒有阿嘉莎克莉斯蒂精神；她的小說幾乎每一部都是訴說著人物的不幸，而這個故事沒有，就算有都相當牽強！母親要計劃周詳，處心積慮，故佈疑陣來親手殺死自己的女兒？要多狠心？多仇恨或多精神失常才會下此毒手？但故事沒詳細交代，只說母親因為太愛女兒怕失去她；殺死她不就是「失去」嗎？多奇怪的動機！瞎猜阿嘉莎也不會如此鋪排編寫，完全不合情理。至於其他的呃神騙鬼通靈段落也是無甚必要，用搖控控制打字機？相信當時是劃時代科技，犯得著如此高成本去演一場戲？還有楊紫瓊飾的靈媒無厘頭地將自己的衣著面具戴到白羅(影片譯柏賀，我還是喜歡用白羅)身上，然後他又無厘頭地去咬水中蘋果致差點身亡，這些處理委實相當突兀。

阿嘉莎的白羅一向相信科學，不信有鬼，導演今次偏向他挑戰，硬要他相信甚至要觀眾相信，沒錯，在畫面的處理上確是有獨特之處，也有懸念趣味，但這就打破了一貫推理小說的科學精神，因為一相信有鬼，就任何事都不再需要解釋。「鬼」是科學以外的神秘學，推理小說不同鬼故，兩者有相悖之處。連白羅都懷疑自己有「鬼眼」？難道簡尼夫班納下一齣要寫一個「包公審烏盆」？

放過阿嘉莎克莉斯蒂吧，Please ！

陸凌綠

《銀河鐵道之父》短評

故事主線及演員演出的亮點

在二十世紀初的日本傳統社會內，《銀河鐵道之父》裡的宮澤政次郎(役所廣司飾)基於子承父業的傳統觀念，要求長子宮澤賢治(菅田將暉飾)繼續經營當舖生意，這本屬人之常情。但賢治有自己的理想，且其個性與當舖職員應有的特質不合，父子吵架後，政次郎變得開明，容許他追尋自己的夢想，做一些自己喜歡的事。當他二十多至三十多歲時寫的小說銷量欠佳時，政次郎不單沒有貶抑他，反而支持他，認為他有寫作的天分，他的書在當時不受歡迎，並非因為他寫得不好，而是因為那年代的讀者不懂欣賞他。雖然他得悉自己的書在商業市場內不太成功，但父親及妹妹願意成為其忠實的讀者，鼓勵他繼續寫作，最後寫了《銀河鐵道之夜》的遺世佳作。

曾經有一個流行的說法：「成功男人的背後一定有一個女人。」賢治背後沒有女人，只有家人。即使他長大後搬出去一個人住，家人仍然在精神上支持他，成為其實踐理想最大的助力。沒錯，他在世時不算成功，小說的銷量欠佳，遑論能成為當時著名的文學家，像梵高一樣，在世時只賣出一幅畫，從沒享受成功帶來的滿足和喜悅，反而他在去世後成為著名的文學作家，對後世的影響甚大。幸好他沒有瞧不起自己，遇上挫折時，依然努力寫作，不會輕易放棄，可能父親和妹妹成為其最主要的讀者，已是他追尋理想最大的動力。因此，當時世俗的評價，對他的著作的鍾愛程度，對他來說，只是輕易消逝的「過眼雲煙」。

役所廣司深沉內斂的演出，用行動來支持長子寫書的理想，從保守至開明，從傳統至現代，他與角色「天衣無縫」的融合，有一種真人與角色二合為一的自然感，無需運用誇張的表情和身體語言，只需簡單的眉眼傳神及簡潔的肢體動作，已能表達角色的內心世界。特別是大女兒及長子患病後相繼去世的無奈，他無需多費言語，單靠含蓄的身體語言，已讓深藏於內心的鬱悶愁緒盡在不言中。而菅田將暉以外露的演技表現賢治當時脫離俗世的宗教狂熱，以及年輕時期「我是誰？」的疑惑，盡顯青春的躁動和不安，他對這位去世已久的名人的心理狀態的「觸摸」，單靠文字紀錄和照片，相信他已盡己所能地演繹賢治難以肯定自己而感到自卑的心境。上述兩位演員恰當的演出，是全片的故事主線以外最大的亮點。

曉龍

《藍色巨星》短評

追尋夢想的可貴

雖然追夢不是年青人的專利，但他們相對其他年齡層來說，最有本錢追尋理想。《藍色巨星》內高中生宮本大熱愛爵士樂，擅長吹奏色士風，每天不斷練習，長年累月的訓練，讓他成為色士風的專家。即使色士風不是大眾眼中的「主流樂器」，他都不會因而埋沒自己的才華，依舊不屈不撓地向著自己的理想進發，希望有朝一天能走進最高的爵士樂殿堂表演。他了解觀眾若只看著自己獨奏色士風，可能覺得有點單調，遂決定與鋼琴手澤邊雪祈及鼓手玉田俊二組成樂團，進行多元化的演出，他個人的努力，加上他們的協助，樂團的成功指日可待。這種追夢的過程在以年輕人為主角的電影內十分常見，日本導演立川讓拍出青春的火花和活力，影片內三位年青人遇上挫折後立即爬起來的能耐，那種忠於理想和堅毅不屈的精神，實在值得不少容易放棄的年青人學習。

色士風與鋼琴和吉他比較，色士風當然不是主流的樂器，難得《藍》裡的大摒棄主流的偏見，一心一意發展自己的興趣，對香港絕大部分家長來說，實在有點匪夷所思。因為他們大多以鋼琴為子女的首選，結他屬於次選，而色士風只屬第三/第四的選擇。大有自己的堅持，並發揮異於主流的音樂才華，那種脫離世俗而行的執著，確實需要健康正面的自我形象和超強的自信。當我們看著大，便會想起香港的幼童一窩蜂地學習鋼琴，但子女真的喜愛鋼琴還是其他樂器？不知道家長是否曾經詢問他們的喜好，事實上絕大多數選擇鋼琴，這使筆者質疑家長曾否尊重子女的意願，或者他們接觸的樂器只有鋼琴這一種。因此，如果各人像大一樣可學習自己真心喜歡的樂器，「百花齊放」，只有這樣，年輕人才可盡情發揮自己的才華，音樂界內不同領域的人才培訓會取得平衡，對整個社會的長遠發展會有更大的裨益。

《藍》以動畫的形式出現，不但不會顯得虛假，反而透過其精緻的畫工，使其模擬實景的場景，別具日式的風格。例如：上述樂團表演的酒吧場景，一筆一畫都模仿真實的日本娛樂場所，那種細膩的繪畫筆法，盡顯日本人認真嚴謹的工作態度。其街景和馬路景，皆取材自當地真實的場景。《藍》改編自漫畫，講述虛構的故事，但其畫風仍有一定的事實根據。這證明影片試圖「拉近」銀幕與觀眾的「距離」，讓我們得悉追尋夢想的過程的確可實實在在地出現，不是天馬行空的想像，亦不是「癡人說夢」，而是追夢的熱血和熱情，只要有信心，必定能實現理想。香港人很喜愛到日本旅遊，看見片中的街景和馬路景，應會有一份莫名的「熟悉感」，《藍》能吸引香港觀眾，主因應在於此。

《殺出坎大哈》 Kandahar

摻雜疚歉的驚心動魄

此片與之前的《譯戰同盟》有相似之處：美軍(或間諜)與當地翻譯同生共死地殺出重圍。這議題也是阿富汗戰後美軍難以釋懷的癥結。

取材自真實戰場經歷。全片於沙地阿拉伯實景拍攝，不論環境、人物、軍備、爆炸、槍戰皆像真度極高，可以讓觀眾百分百投入。導演首先鋪排間諜身份的危機，再讓主角置身四面受敵處境，步步進逼之勢相互交錯，令緊張氣氛倍增。一場午夜的直升機夜視狙擊更見精彩，顯心思，利用黑夜的視覺缺陷製造驚險，令你心跳加速喘不過氣。

窮追不捨的巴基斯坦青年刻劃得尤其實在；一方面追隨教派賣命，一方面又仰慕西方文明背叛可蘭經，極為諷刺。CIA中介羅曼惹叛諜疑雲是霎眼妙筆。隨後教派激戰與牆頭草偉論也勾勒出萬惡輪迴有因的圖譜；非我族類止步為佳。至於穆罕默德，雖然與主角阿湯之情不及《譯戰同盟》深刻感動，但人物、過程相似，亦表達著當地翻譯的困境與可悲。作為以動作掛帥的電影，能觸碰自己國家的痛點，帶出反省與疚歉，功德無量。

陸凌綠

《我們的歌》短評

歌曲與角色的自然配搭

《我們的歌》內其中一句對白，「沒關係，做回自己就好了。」別具諷刺性。因為晴明(韓基燦飾)來自一個聲明顯赫的家庭，父親是著名的音樂家，使他備受壓力，每逢在公眾場合出現，他都會與父親拉上關係，記者報導他的近況時，都會明顯地寫著XXX的兒子，這令他失去自我，遑論能建立自我形象。相反，約瑟(吳振碩飾)是孤兒，沒有任何家庭的壓力，反而可以做回自己，一心一意發展自己的興趣。兩人因誤會而走在一起，為著他倆都喜愛的音樂事業而努力奮鬥。本來他脾氣暴躁，不懂得與別人相處，沒有朋友，卻偶然遇上約瑟，因有共同的興趣而成為知己，兩人交談時會為我們帶來惺惺相惜的感覺，特別是他聽著約瑟唱出「我們的歌」時，為他帶來前所未有的愉悅感和滿足感，那種相知相遇的交情，實在令我們感動。

「我們的歌」是《我》的主題曲，在影片內多次播放，由片中的晴明創作，但他覺得這首歌較適合約瑟主唱。可能因為約瑟單純的個性，加上其清晰的聲調，與歌詞的內容十分配合，為聽眾帶來一種久違了的清新感覺。反而晴明生活奢侈，較為俗氣，與上述的單純和清新沾不上邊。片末晴明去世後，約瑟依靠「我們的歌」一炮而紅，證明晴明的眼光獨到，讓約瑟唱這首歌是一個極佳的選擇。影片的音樂總監刻意根據角色的背景及特質創作「我們的歌」，這使歌曲與角色得以自然配搭，讓吳振碩唱這首歌時有一種揮之不去的自然感，與一些在市面上選取舊歌以配合角色個性的影片完全不同，這是《我》最值得欣賞的地方。

以歌曲為主軸的電影不多，《我》以「我們的歌」為主要的賣點，創作人顯然認為這首歌十分動聽。從歌詞和旋律分析，這首歌有一種清純的韓國風味，與影片多用柔鏡處理的畫面互相配合，可以成為鑽研韓國文化的其中一個主要的素材。特別是晴明與約瑟一起談論音樂的畫面，正好表明他們已從追求物慾滿足的層面昇華至尋找藝術上的真善美的最高層次的需求。他倆沉醉於音樂與歌曲的熱誠和熱愛，正是影片另一給予觀眾深刻印象的動人之處。

曉龍