Archive for 九月, 2022

24
九月

《神探伽俐略 沉默的遊行》

   Posted by: admin    in 香港影評人協會

對原著忠實的改編 曉龍

一直以來,改編東野圭吾的小說不太困難,因為他的作品充滿戲劇性,且文字的描述十分具體,不同人物的說話耐人尋味,無需太多的改動,便可以搬上大銀幕,《神探伽俐略 沉默的遊行》亦不例外。例如:原著小說內「蓮沼沒有招供,在偵訊過程中徹底保持沉默,軟硬兼施都無法讓他開口。」影片用了數個他接受警方盤問的鏡頭,加上他在法院內長時間保持沉默的畫面,無需太複雜的改動,只需簡單地把文字影像化,已充分表達上述文字的意涵。又如:他曾說:「我沒有被起訴。雖然檢方用處方保留這種模稜兩可的字眼,但反正就是我沒有過錯,…我是受害人,你害我蒙受了不白之冤的可憐受害人。」片中他有上述類似的對白,厚顏無恥地否認自己的罪責,還怪責別人陷害他,其自欺欺人的謊言,充滿著性格上的缺陷,此人物本來就極具可塑性,影片創作人把此人物搬上大銀幕,其實無需多花時間功夫「改造」他,因為他的個性和行為原本已很獨特,且與常人不同,他的出現,已具有其非一般的「魅力」。因此,此片內容的吸引力,建基於其原著的情節設計及人物塑造。

《神》對原著忠實的改編,是為了吸引原著的書迷入場觀賞。原著的銷量甚高,已被翻譯成數十種文字,全球熱銷1500萬冊,如果編劇大幅度地改動其情節,必然被書迷猛烈抨擊,因為他們只期望編劇把書中內容影像化,讓他們透過另一種媒體細味書中的情節,不希望看另一齣「全新」的影片。編劇顧及書迷的感受,且基於票房的壓力,唯有作出保守的處理,這本來無可厚非,但如今《神》的劇情發展過度貼近原著,盡在觀眾的意料之內,且結局與原著沒有太大的差異,實在欠缺了一點點神秘感。故改編自小說的影片能大受歡迎,必定不容易,一方面要滿足原著支持者的期望,另一方面又要有新鮮感,並為觀眾帶來驚喜,稍為向某一方面靠攏,便會「順得哥情失嫂意」。如今影片與原著相近,似乎在創新方面略有所失,幸好原著的內容精彩,其情節轉折頗巧妙,即使忠實地改編,仍然不會令觀眾感到沉悶;且福山雅治飾演的物理學教授湯川學有一定的魅力,由他說出的案情真相饒富趣味,亦別具人性的探討。因此,雖然《神》不至於「驚為天人」,但作為原著的書迷,此片依然有一定的觀賞價值。

另一方面,沉默似乎是《神》的原著的主題,影片卻在此方面著墨不深。在原著的最後,「所以他們(留美及她的丈夫)在最後關頭打破了沉默。」沉默成為全書首尾呼應的重點,但影片卻把此主題「平淡化」,只強調蓮沼以沉默為逃避罪責的方法,沒有多著墨於他們不再沉默以揭露蓮沼所做的壞事的最終目的,倘若編劇把影片末段拉長一點,多把篇幅放在他們透露案件真相背後的心理掙扎,相信《神》作為犯罪懸疑片,其整體效果會更佳。由此可見,此類型的電影在點題方面十分重要,《神》在開首沿用原著的主題,結局作出相近的呼應,但未能以強烈的影像/使觀眾留下深刻印象的畫面再次深刻地探討主題,僅以平平無奇的數個鏡頭帶過主題告終,這是全片最明顯的缺點。幸好全片中段以後的情節發展曲折懸疑,給予觀眾廣闊的思考空間,能緊扣他們的注意力,使其整體上依舊瑕不掩瑜,值得一看。

《電影版 99.9不可能的翻案》

你沒看過電視123 …… 就是「問題電影」了

吓!你沒看過日劇《99.9不可能的翻案》,就直接看電影版 …… 是否有許多疑團呢?:

為什麼榮倉奈奈突然出現?﹙因為她是日劇第一季的女主角立花彩乃,絕招是令人膽戰心驚的摔角技,第二季第一集已經交待她到美國留學囉﹚

為什麼木村文乃又會出現?﹙因為她是日劇第二季的女主角,一向喜歡腹語術囉﹚

為什麼女主角片桐仁飾演的河野穗乃果,經常做出誇張動作﹙因為這位《特別篇:新的相遇篇》的女主角,一早已交待她喜歡扮漫畫人物招牌動作和偵探上身查案囉﹚

為什麼香川照之飾演的斑目法律事務所所長佐田篤之, 一見會長若月昭山見來臨就誠惶誠恐?﹙因為他是穗乃果的富爺爺,既然是事務所的米飯金主,佐田怕若月怪罪他未能妥善照顧當實習律師的孫女,嬲到會斷絕注資囉﹚

為什麼穗乃果與來自氣仙沼的劇團成員有所關連?﹙因為穗乃果於《特別篇:新的相遇篇》,初遇松本潤飾演的男主角深山大翔,就是在氣仙沼,雙雙被當地土豪追足九條街,戲中演員原來就是土豪的手下囉﹚

係囉,沒看過電視劇,根本沒辦法明白電影版眾多笑點的。這齣榮登2018年日本私營電視台日劇收視冠軍,更榮獲第89屆日劇學院賞最優秀作品獎,《特別篇:新的相遇篇》更是配合去年12月30日電影上畫造勢,12月29日於電視播放獲得13.9% 高收視,故此許多日本觀眾看電影版,如老友相聚,份外親切的。

不過,即使未看過一集電視版,只要不做「問題觀眾」,你還可以有挺愉悅的觀影樂趣,皆因事務所刑事專業律師用「真實還原現場」的方式調查案件,類近拍電影的方法,調查懸崖殺人案件及15年前發生的「天華村毒紅酒事件」,過程絕不嚴肅沉重, 反而發放好玩過癮引人入勝頗富追看性的新鮮感。還有,松本潤與香川照之一唱一和攪笑﹙例如松本潤在偽造的信件找到錯別字,講食字冷笑話,香川照之附和﹚,仿佛就是日本關西盛行的棟篤笑表演「漫才」﹙日語: まんざい Manzai﹚,有如中國雙人相聲,企定定講笑話,都可哄堂大笑。懂日文的,當然會笑得更暢快淋漓;不懂 …… 淨看中文字幕,肯定大打折扣好多好多。

何況,男主角松本潤是日本天團「ARASHI 嵐」成員,加上三代女主角首度同場演出及原班人馬香川照之、笑福亭鶴瓶、奧田瑛二等悉數上陣,更有《昨日的美食》西島秀俊登場送暖,吸引力強勁!儘管對於其中一位兇徒何解失憶竟無任何解釋,輕輕帶過實屬於理不合,誠然是敗筆﹙恕不劇透誰是兇手﹚;然而沉醉於戲院的兩小時,的確是那天的小確幸呵。喜歡而深情地掛念日本的你,懂的;下月中旬通關任君自由行之前,暫且先進戲院欣賞打從心底真愛的人情與風光罷。

P.S.  小小建議: 假若希望將本片變為「99.9無問題電影」,先看日劇啦。如此這般,你就會更投入地開懷大笑呀!

呂威廉

《命懸2000呎》(Fall)

畏高者別進場。

利申:筆者有畏高症。奈何對絕境求生片又甚有興趣,所以冒死一看。過程果然心跳加速,手心冒汗,害怕得不敢看下去…。由於拍攝手法逼真,電腦特技不明顯,所以代入感很強。

此片沒有卡士,從頭到尾(主要)只有兩個人和一個2000呎高塔。如何充實這107分鐘呢?考編劇了。求生片不外乎在特定的環境內看主角如何與環境搏鬥、脫險。攀爬高塔的難關是甚麼?筆者看著手錶,影片到三份一,兩位主角已達塔頂…噢,那麼就是「上山容易落山難」了。由於不能劇透,只能說設定之「凶險」雖有些犯駁,但編排總算有設計、有考量;導演在節奏上亦張弛有度,儘管公式化,看官也往往會替主角揑一把汗。

兩位人物設計原來還有衝突,並不單一,那麼便能引領觀眾另有猜想,更為有趣。最意想不到的是接近尾聲的安排…(雖然此橋段在年前的《漂流心海》出現過),總算來得合情合理;當人處於垂死邊緣,精神狀態如片中所示亦不足為奇。

以低成本的「求生片」來說,就算閣下不畏高,單看兩位身材驕人的低胸美女如何掙扎脫險,也屬官能大刺激了!

陸凌綠

《鯊餌》短評

雷聲大,雨點小

單看《鯊餌》的預告片,便會發覺片中鯊魚來勢洶洶,全片似乎是血腥與暴力的混合;再看片中五位年青人驚慌失措的表情特寫及牠在他們身邊出沒的驚險畫面,便會期望牠會是片中的「主角」,其突如其來的現身亦會是全片驚嚇點的源頭。可惜影片「雷聲大,雨點小」,全片片長不足九十分鐘,展露鯊魚傷人吃人的畫面卻只在影片中後段才出現,前半段的鋪墊實在考驗觀眾的耐性,唯一具觀賞性的鏡頭便是兩艘水上電單車彼此撞擊的近鏡,可惜水上電單車高速行駛帶來的快感及刺激感始終及不上鯊魚,我們在開首一小時內感到納悶,絕對不奇怪。其後大白鯊出現及向他們施襲的鏡頭確實有板有眼,部分角色腹部及腿部受傷後露出骨骼的核突畫面亦甚嚇人,證明化妝師的技巧高超,使一些被鯊魚咬傷的部位的像真度甚高,帶來的驚嚇感甚大。可惜珠玉在前,觀眾難免把《鯊》與多年前經典的《大白鯊》電影系列比較,當發覺前者除了CG特效較出色、拍攝海洋的廣角鏡較亮麗外,在編排情節及營造驚嚇氣氛方面確實比不上後者。如果觀眾想多看鯊魚出現的畫面,多感受「置身現場」時被嚇怕的感覺,還是重看再重看《大》較合適。

曉龍

18
九月

Dein Herz Tanzt / 《舞動青春》

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很少見到德國拍這類的影片,畢竟德國人以理性聞名於世,不會像美國人那樣把各種問題簡單化處理。影片講述了一位年輕有才華舞者卡佳(Katya),她已故的母親和父親維克多(Victor)都是著名芭蕾舞明星舞者,因此她從來不作他想,就是要成為像她父母一樣的芭蕾舞明星。然而命運弄人,她父親在舞台上發生事故不得不終止自己的職業生涯,這給卡佳留下了心理陰影,她的夢想世界瀕臨崩蹋。這時她遇到了一群街舞的舞者,一種全新的、充滿原始激情的藝術形式吸引著她,她發現了一個能夠拯救她的新世界。然而,不同舞蹈世界的對比和兩者生活方式南轅北轍,讓她面臨家庭、未來前途等一系例的衝突…。

導演選擇了把各種矛盾對立起來,讓女主角去不斷的嘗試選擇。通過艱難的矛盾選擇來認識真正的自己。個人覺得這部影片是獻給當下年輕人的作品,因爲它是關於青少年的理想、生活計劃和人生終極目標的。其實對自己的人生而言選擇那一種生活模式完全沒有高下對錯之分,但卻會有真實與虛幻的人生之別。

注:芭蕾舞(Balletto)源自十五/十六世紀義大利文藝復興時代的宮廷並迅速地傳到了法國。現今的古典芭蕾舞就是由法國國王路易十四創立,他在1661年創立了法國皇家舞蹈學院,並建立起第一支專業芭蕾舞團~巴黎歌劇院芭蕾舞團。街舞(Street Dance)則於20世紀80年代中在美國紐約黑人青年中興起,也被稱為自由舞蹈,是嘻哈文化的組成部分。其表演場地主要為馬路邊、廣場上等非正式場合,很少有機會可以像芭蕾舞那樣在劇院中演出,因而得到了街舞的名稱。但相對於以表演形式爲主的古典芭蕾舞,街舞更加接近舞蹈源於發自内心情緒的宣洩與個性展露的舞蹈原始起源,因而更受現今年青人的喜愛。

小浪

17
九月

《一路瞳行》

   Posted by: admin    in 香港影評人協會

逃避不是辦法 曉龍

《一路瞳行》內芷欣(吳千語飾)自小在雙目失明的家庭內成長,她能看見身邊的所有事物,成為父母的最大助力。自孩童時期開始,她已成為母親(惠英紅飾)及父親(吳岱融飾)的「旁述員」,在乘車走路時口述周遭的一切,在餐廳吃飯時讀出餐單,已成為她日常生活的其中一部分。初時她作為天真無邪的小孩,當然不會介意,但後來她漸漸長大,始發覺自己的家人異於常人,別人用「歧視」的目光看著他們,處於青春期的她漸漸不願意與父母一起外出,因為害怕看見旁人怪異的眼神及聽見其閒言閒語,甚至想脫離父母而與他們爆發前所未有的衝突。上述的情節發展十分合理自然,亦在觀眾的意料之內。雖然筆者不在此類家庭內成長,但可以估計青少年大多介意別人對自己及家人的看法,認為編劇兼導演朱鳳嫻把屬於自己的真人真事搬上大銀幕,以吳千語扮演當年處於反叛期的自己,其舉手投足常見而自然,與筆者曾經接觸的青春期少女沒有太大的差異;又以惠英紅及吳岱融向盲人學習後的自然演出為最大的亮點,即使兩人是資深的演員,仍然願意虛心學習,磨練演技,令他倆與她的對話和相處別具真實感,上述的情節發展亦有甚高的可信性,這是《一》作為寫實電影最能交足功課的地方。因此,演員可在導演口述下模仿真實的原型人物,無需像模仿歷史人物時運用太多的想像力,在真實感方面《一》無疑較優勝。

另一方面,現今不少青少年都渴望到外地升學,如果真的想體驗外國的生活/修讀香港的大學不能提供的科目,問題不大,但像芷欣一樣想逃避父母,欲躲避別人對自身家庭的歧視,就肯定不太合適。《一》內最了解她內心的想法的老師,必定是視覺藝術科的老師(陳貝兒飾),這位老師似乎很了解她,很多事情在她未說出口時,老師已能事先得悉,並幫助她了解自己,其後老師更以自己過往的經歷為例,勸導勉勵她。很多時候,老師想保護自己的私隱,很大可能不太願意在學生面前公開自己的過去,但當她有需要時,老師為了她著想,希望能以自身的真實例子說明「逃避不是辦法」的道理,讓她撇除逃避的因素而作出最適合自己的升學選擇。或許她有一位這樣的老師是她的幸運,老師願意「犧牲」自己而為她的未來著想,使她最後不再逃避,放棄海外升學,留港繼續追尋自己的理想。片中她的事例有真實的依據,如果年青觀眾看完《一》後能面對自己,面對別人,面對家人,不再以海外升學為逃避家人的辦法,此片在輔導青少年方面,算是功德無量。因此,青少年中心包場讓十多二十歲的青少年看《一》,實在別具意義。

不少創作人都認為新晉導演拍攝自身的故事,投入感較強,成功率較高,朱鳳嫻拍《一》亦不例外。她以自己的回憶片段為藍本,並以過往的真實照片為輔助,調教演員的演出,讓吳岱融及惠英紅分別能演活她在真實世界中的父母。雖然現實裡她的父親已去世,但她熟悉他的一點一滴,讓吳岱融能揣摩他在日常生活中的神態和小動作,同一道理,惠英紅有機會接觸她真實的母親,可直接模仿其一舉一動,真實感亦較強。由此可見,導演熟悉真實的原型人物,對演員演繹自己的角色有莫大的幫助,其因深入的了解而進行的多元性模仿,亦直接提升全片的真實程度。

《一路瞳行》(Sunshine of My Life)

可以為自己健全而喜,不要為自己缺陷而悲。

正如戲名,這套戲很陽光。新晉導演朱鳳嫻以自己的真人真事改編。有一對失明父母,健全視力的自己如何與父母相處?種種矛盾,喜怒哀樂,皆透過細膩的鏡頭,不慍不火地傳情達意,導演釋懷,觀眾感動。

首次拍電影,最宜找自己熟悉的題材,朱鳳嫻做得到,也做得非常好。圓熟的導演技巧,絕不似一名新導演,亦由於她對題材熟悉,所以掌握人物的舉手投足、內心變化、情緒起伏皆得心應手,亦懂得取捨,沒有無謂的鏡頭與對白,準繩演繹劇本。

以人物為中心,演員當然最重要。惠英紅演這名失明母親簡直一絕。失明有不同種類,惠演的這種眼珠失焦,眼球肌肉失控確是十二分神似,完全摒棄一貫「眼定定」的失明演法,真實度相當高,影后非浪得虛名。相比之下,吳岱融就較為失色,但演樂天性格的朱父,亦算自然討好。一向被認為不懂演戲的吳千語,這戲令我詫異,演得十分好;雖然有點超齡,但投入感高,不過火,不造作,有付出努力,當然導演亦功不可沒。

失明可能是黑暗,但朱鳳嫻呈現的卻是陽光。導演一家身體力行,積極面對人生,作為觀眾的我們也是時候撥開雲霧見青天了。

陸凌綠

《失衡凶間》(Tales From The Occult)

鬼片(或恐怖片)永遠有市場有價值。提供官能刺激,嚇餐飽,好此道者例必捧場;而看完使人有所反省、頓悟,就有較高層次的價值。

本片由三套短片組成,分別是《暗角》、《死場》、《唐樓》。

《暗角》純粹賣氣氛,導演許業生在燈光、攝影、節奏上都做到懾人效果。雖然亦有亷價驚嚇(突如其來的聲效),但以低成本而言,比例上是出奇地少,這點值得讚許。再讚的是顏卓靈,演得相當好,並非單一的驚嚇表情,而是有不同層次,打從心裡驚出來,很投入,很自然。

領教過陳果的鬼片前科,今回有點卻步,幸好《死場》尚算收歛,但筆者仍然覺得「過」;如一些核突爛面、血腥斬殺實在不必,最後一場糾纏在車廂內自焚…,too much了!其實故事不錯的,既反映疫後現實,也諷刺了現世代的網絡直播潮流與荒誕行徑。只是姊妹花的因果安排老套了一點,火災與疫情亦關係不大。整體說故事技巧、分鏡、剪接俱佳。林曉峰演這KOL入型入格,不作他人選。其他配角亦表現出色。

筆者認為馮志強的《唐樓》最好。懸疑的佈局引人入勝,在局限的空間內以人物互動推展劇情,瀰漫著恐怖感又散發黑色幽默,搞笑得來又驚嚇。演員個個好戲,吳海昕甫出場已亮眼非常,任賢齊的角色最為有趣,演技發揮大。一句「活於恐懼時,更能看清每一個人。」此時彼刻,發人深省;已達致恐怖片的另一層次。

陸凌綠

《娜娜的逝水年華》(Before, Now & Then (Nana))短評

王家衛的風格

提及過往女性被壓迫的亞洲電影不少,《娜娜的逝水年華》的主題不算獨特,但嫁入豪門的娜娜竟與情敵成為好友,聽導演卡米拉安迪妮說,此情節安排取材自真人真事,反而別具戲劇性,亦是此片與別不同之處。導演酷愛王家衛的作者電影,使《娜》的王氏風格十分明顯,全片的配樂、場面調度及場景佈置皆有王氏的影子,甚至其相關的建築風格都貌似多年前的《花樣年華》。喜愛王氏風格的影迷會對《娜》特別有好感,但又能欣賞其難以取代的獨特性,因為它具有王氏電影的細膩,講究「如詩如畫」的視覺風格,即使模仿其作者特色,仍然有屬於自己而只此一家的韻味,特別是娜娜與情敵之間較「曖昧」的友情,彼此簡單而具有弦外之音的對話,與周遭靜態氛圍的配合,正是其半模仿半自創的作者風格。或許導演通常都有另一個人人皆知的身分,就是影迷,《娜》向《花》致敬,她在映後座談會內大方承認,還大談自己如何受王氏風格影響,不像某些導演不承認自己曾向大師「學習」,這正是她的藝術修養最可貴、亦最符合道德原則的地方。

曉龍

機關算盡的…豈止王家衛

想知周慕雲究竟在柬埔寨, 緊貼著臉向專吸秘密的樹窿說什麼呢?這個秘密,一如《阿飛正傳》內該位於閣樓施施然梳頭的無名男子何去何從?聰明伶俐的王家衛,是永遠永遠不會告訴觀眾的。

西施成功成為「名牌」,自然繼後有許多粉絲或東施模仿。真是如有雷同純屬巧合嗎?《娜娜的逝水年華》﹙以下簡稱《娜娜》﹚取材自小說Jais Darga Namaku, 根據Raden Nana Sunani生平改編的印尼電影,聚焦飽歷滄桑女性的悲鬱苦況,原來也有類近「噤聲」和「私密語」處理呀: 一對同為丈夫憐愛的閨密相親相愛互相傾訴心事, 究竟情婦最終向原配耳語什麼呢?又是以當事人心照不宣這懸疑伎倆壓軸, 彷彿電視劇《流氓大亨》最終一幕於病床昏迷的鄭裕玲,流出一滴淚便完場,留條尾巴好讓觀眾各自發揮想像力,橋不怕舊,最緊要受,萬試萬靈。

當粉絲或東施遇上吹捧藝術片為至尊無上的影評人,就可以不費吹灰之力得心應手升呢上位,因此《Variety綜藝報》盛讚《娜娜》「猶如﹙香港﹚王家衛遇上﹙泰國﹚阿彼察邦韋拉斯花古」 : 美不勝收攝影與惹人遐思配樂,聚焦含蓄曖昧糾纏不清兩性關係,正是酒不醉人人自醉之纏綿夢囈遊戲, 極具王家衛《花樣年華》影子 ;鮮明綠意攀附影像空間及小人物於動盪時代自我辯證尋覓心坎深處的靈性,亦令觀眾聯想起阿彼察邦作品。毋需意外,將兩位享譽國際影展的大導演特色長處溶為一爐, 該是一切盡在導演卡米拉安迪尼(Kamila Andini)精心掌控的如意算盤吧。

不必卻步,《娜娜》絕不難看,也未算悶藝,皆因無論攝影、佈景、服飾、配樂都一絲不苟, 部分鏡頭更美輪美奐賞心悅目,猶如一幅於高級拍賣場價高者得的油畫;加上主題乃甚是討人歡心的備受鄙視、壓迫、欺凌可憐女性的創傷、恐懼及徬徨,愛心爆棚,必獲大愛左膠盲目力撐啦。可惜, 過於精緻刻意求工了!配樂固然甚富《花樣年華》風味,淨看那場娜娜於茶室重遇前夫, 大概有幾秒忽然錯覺蘇麗珍與周慕雲時空穿越至上世紀60年代的印尼呀。當此刻觀看此片,但又情不禁回味另一齣極富韻味的佳作, 究竟是好事抑或敗筆?老老實實,我選後者。何況,該批一浪接一浪頻密至擾人的配樂,有若飽肚仍狂塞入食物的貪婪者,直到滯至扣喉嘔吐方罷休,反而窒息觀眾的想像空間,顯然非高手所為。

儘管過譽,她成功了,還主攻歐美人士長期關注的第三世界女性、人權、獨裁統治等議題,又加插印尼傳統歌曲如巽他族童謠 “Djaleuleudja”、服飾和民俗儀式,計算如斯精準,實在值得一讚。由此此片不只於柏林影展奪得最佳女配角銀熊獎, 卡米拉安迪尼更一躍成為頗受矚目的亞洲新生代女導演呢。

可以預計,這位年僅36歲新晉導演擁有光明前景,自此不憂開戲,正如台灣蔡明亮及國內賈彰柯兩位享譽歐洲影壇大導演的作品,曲高和寡,票房慘淡,同樣不乏投資者及國際影展青睞。不過,作為普羅大眾,寧願重看《緊急迫降》及《壯志凌雲:獨行俠》,正因這兩部電影正好展示大卡士大製作高質素的商業價值,也可以言之有物震撼人心,較諸該等主力照顧影展市場而拍的藝術片,更值得鼓掌!

威廉

10
九月

《打死不離喇星夢》

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本土化的示範 曉龍

別以為《打死不離喇星夢》只是《阿甘正傳》的印度版,《打》沒有這麼簡單,它是本土化的成功例子。從阿喇(阿米爾汗飾)在火車車廂內向其他乘客述說自己過往的經歷開始,已證明編劇艾維卓登不想完全複製《阿》,因為《阿》內阿甘坐在公園的長椅上講述自己的身世,如果直接搬至《打》,會顯得不合情理,可能由於印度人不會在公園內逗留太久,休息一會兒後便會離開,要聽阿喇長篇大論地講述,最少需要一小時,故在乘搭火車時百無聊賴,又沒有太多活動的空間,聽他講自己傳奇的大半生,是消磨時間的最佳辦法,故此安排很合理。可見編劇改編《阿》時顧及印度人的生活習慣及其普遍個性,相對不少「搬字過紙」直接改編的電影,《打》的編劇改寫劇本的手法明顯較高明。

美國是第一世界的國家,而印度屬於第三世界,在社會實況方面有不少相異之處,《打》的編劇作出不少本土化的改動。《阿》一開始已表明阿甘的智商比正常人低,可能美國人從小開始已需要做智商測試,父母會得悉兒女的智商水平,而印度沒有這麼先進,《打》內阿喇的母親不知道兒子的智商水平,其他孩子覺得他傻頭傻腦,比正常人笨,沒有客觀標準,遑論有任何科學根據。阿甘的母親說人生就像巧克力,而阿喇的母親說人生就像酥炸球,可能由於巧克力在印度內太貴重,看電影的印度觀眾不限於富貴人家,當地的窮人根本沒有太多機會吃巧克力,反而酥炸球是當地較便宜的食品,以此食品作比喻,會讓不同階層的觀眾產生共鳴。同一道理,其後阿甘與朋友捕蝦致富,阿喇從事內衣生意致富,因為蝦不是必須品,印度內大部分是窮人,能靠賣蝦賺取大量金錢的情節,實在不合理,故改為內衣,它是必須品,不論窮人或富人都要穿著,此因應印度的民情及社會而作出的改動,是《打》的編劇的聰明之處。可見編劇對《阿》的劇本的明智改動,使《打》生色不少,亦更適合印度觀眾觀賞。

另一方面,《阿》與《打》內阿甘及阿喇青梅竹馬的女朋友同樣流連夜店,誤入歧途,但《打》較多著墨於阿喇女朋友複雜的家庭背景。可能《打》的編劇想多解釋她貪名好利而想進入娛樂圈的原因,與她的童年經歷及其後的成長歷程有密切的關係,填補了阿甘的女朋友在青春反叛期內「順理成章」地學壞的劇本漏洞,亦較符合印度社會內「人性本善」的假設性概念,她只因個人身世及家庭背景而不幸學壞;或許美國的娛樂場所較多,黑社會較泛濫,印度的同類場所相對較少,貿然說她單受社會氛圍影響而不幸學壞,實在不合情理。可見編劇因應印度的社會實況加添了一些「補充」的角色背景,讓《打》的情節發展的可信度甚高,即使身處香港的觀眾對印度一無所知,都會覺得編劇在因應本土化而改編《阿》時耗了不少腦力,花了不少功夫。

《打》以愛為主題,與《阿》以阿甘的一生為核心截然不同,可能印度人較熱情,對愛的追求較熱切,故愛的主題會較受當地人歡迎。《打》只輕輕帶過阿喇在印度歷史舞台上舉足輕重的位置,雖然偶有講述當地的歷史及過往的社會發展,但用了更多篇幅講述阿喇對女朋友的掛念,不惜一切地要與她相聚,其數十年來多次向她求婚被拒而仍然愛她的堅持,直至最後有情人終成眷屬,正反映他對她的愛的重視。因此,印度片蘊含的愛有時候不需要太多勁歌熱舞來襯托,《打》講述愛但沒有太多不必要的歌舞,便是一個成功的例子。

《飯戲攻心》短評

家人比家更重要

香港的樓價全球第一,不少香港人以為樓宇最貴重,談及家,總以為我們所指的是自己的居所,殊不知家在不代表家人在。正如《飯戲攻心》內大佬(黃子華飾)初時以為已去世的母親最重視的是生前居住的工廠大廈單位,不論二佬(張繼聰飾)及三弟(陳湛文飾)如何說服他,他仍然不願意出售,其後他在夢中再「遇見」母親時,始得悉她最重視的不是此單位,而是家人,遂為了家人未來的幸福著想,決定賣掉此單位。《飯》本來是賀歲喜劇,現在變成賀中秋,編劇及導演陳詠燊以家人的題旨貫穿整個故事,場景以上述的單位為主,內裡的設計表面上懷舊,實際上暗示舊物存在與否其實不重要,最重要的是家人能否齊齊整整地一起吃飯,會否經常保持聯絡,並維繫彼此的感情和關係。編導賦予《飯》罕見的深度,不要以為賀歲片/中秋片必定胡鬧無聊,他刻意在看似隨便撰寫的對白內帶出令觀眾會心微笑的弦外之音,聽不懂的人可視《飯》為純粹的喜劇,盡情開懷大笑;聽得懂的人可視《飯》為頗富深度的劇情片,分析劇本蘊藏的內涵,並藉此思考自己的人生。因此,《飯》的劇本是全片最成功之處,而對白是劇本最珍貴的「精粹」。

曉龍
《打死不離喇星夢》(Laal Singh Chaddha
除了測不準的人生,還有「救贖」。
印度片沒有了七彩繽紛的歌舞,換來是激烈的戰爭場面,鮮見。原來是改編自《阿甘正傳》,廿八年前的電影,筆者已忘記得七七八八,只記得那句「人生有如一盒朱古力,未嘗過,不知味道」。畢竟兩個國家的歷史文化背景不同,沒打算作比較。但好奇難耐,終找來重温。
當時《阿甘》以電腦特技招徠:歷史人物、總統能與演員並肩對話。本片同樣有之,特技當然更勝當年;以五十七歲之齡來演十來廿歲的大學生,我總不信Aamir Khan的長青容顏不需電腦幫忙;而那邊廂的少年很臉善…是Shahrukh Khan 嗎?該是電腦逆齡吧?找來這位King of Bollywood 來客串,雖不及貓王腿震恰當,也不失大明星風采。
其實這印度版《阿甘》改編得非常圓滿,令人讚賞。其中最有趣的處理是將「蝦」變為「內衣褲」。安排喇星埋頭車衣,貫徹他純程序操作的強項;貨品堆積如山,影像上更突顯營銷的重要性。而營銷經理這人物的出現,正是筆者認為是全片改動得最出色之處:喇星在戰爭中救回的並非自己長官,而是敵軍將領。這位敵人穆罕默德被喇星拯救後,發覺自己誤信教派讒言,如雷轟頂,反省人生。他本身有鞏固的教派吹噓伎倆,由他來擔當營銷宣傳,簡直一絕,人物劇情順理成章。而「愛你的敵人」更是神聖之舉。
結尾時的長跑也有「苦行」意味,活像信眾追隨救世主…(細看原本《阿甘》都有所戲謔)。
如果開場時的「羽毛」另有詮釋的話,那就是墜落凡間的天使—喇星切達。然而,現實中的Aamir Khan 在每齣電影裡均身負使命,諸如抨擊權貴、為民發聲、維護公義,本片更有反戰意識。以生命影響生命,救贖精神感召世人,「印度良心」實至名歸!

陸凌綠

「有種良心演員 …… 值得讚不絕口」
世上有一種演員,有膽識,有抱負,有使命,有承擔。其中一位,叫阿米爾汗(Aamir Khan),被稱為「印度的良心」。
香港觀眾應該誤會阿米爾汗長達13年了,竟然一直被冠以「印度劉華」;幸好日久見人心,好人經得起考驗, 阿米爾汗新作《打死不離喇星夢》﹙以下簡稱《喇星夢》﹚,依然留守發跡地發光發熱,繼續努力不懈默默耕耘攝製高質素印度電影,藉此祝願國民不再受政局變亂困擾及戰火折磨摧殘,不論男女老幼都有人權保障,希望明天會更好!這樣具使命感有良心的電影工作者,本地也有一位,近年投資了《媽媽的神奇小子》和《明日戰記》,是「香港的良心」…… 因此,稱許阿米爾汗是「印度古天樂」及古天樂是「香港阿米爾汗」會否更合適貼切?
觀賞阿米爾汗的作品,例必驚喜交集!驚喜是,必定不乏意想不到的處理;驚的是,例必兩個半小時以上:
《作死不離3兄弟》(2009) 片長 170分鐘、
《來自星星的PK》(2014) 片長163分鐘、
《打死不離3父女》(2016) 片長161分鐘、
《打死不離歌星夢》 (2018) 片長150分鐘、
果然,《打死不離喇星夢》片長161 分鐘,不意外囉。
驚,並非擔憂影片質素,而是害怕放映中途人有三急,即使短暫離院,卻已錯過精彩場面。原來,為了一場都不漏,可以忍到好盡的;完場,才急急如律令去洗手間。
既改編自美國作家Winston Groom 於1986年出版的小說 Forrest Gump,又有羅拔湛米基斯導演及湯漢斯主演的《阿甘正傳》﹙1994/片長142分鐘﹚,珠玉在前,各位觀眾必然已甚為熟悉人物及劇情,難免比較。其實無分高下,兩片皆是好戲。
儘管場景由美國移至印度、朱古力改為酥炸球、巴士站轉往火車回憶傾訴前塵往事、橫跨逾四十年的印度政局及戰爭見證崎嶇坎坷、動盪不安的印度近代史……《喇星夢》都改得好。編導承襲原著「人可以控制自己的命運嗎?抑或只是隨風飄盪,身不由己?」大前提,明白世途多麼險阻,細嚐甜酸苦辣人生,沿途幸有愛相伴隨,有笑有淚有激情。
承接阿米爾汗過往作品主旨及使命:追求自由自在人生,也是一種夢,雖則不易,卻非遙不可及,《喇星夢》繼續鼓勵任何人應該敢於衝破現實障礙、逆權追夢、歌頌堅韌女性和友誼萬歲,絕不低頭,挑戰命運,活出自我,成為築夢踏實的好人,才是不枉此生;同時不忘探討男尊女卑、性騷擾、家暴、反戰、質疑宗教狂熱等印度一直為人詬病的社會問題,有良心,有意思。
大場面固然拍得好, 阿喇無目的跑步更帶來印度多個美不勝收秘境賞心悅目﹙如喀拉拉邦賈塔尤自然公園有印度神話的賈塔尤巨鹰巨大雕像﹚,細節亦盡顯編導之細膩:主人翁阿喇初出場細嚐酥炸球,言行舉止古古怪怪如默片諧星, 初時嚇怕對面的女乘客,正因其後女乘客反應有極大反差,為引人入勝故事埋下出色伏筆;乘客圍聽阿喇前半生的地點,編導改為於火車內發生,符合印度風土人情,勝在夠貼地,諸位乘客的不同反應處理不俗;當阿喇憶及母親辭世及政局動盪之際,鏡頭即時近距離對準一對老夫老妻,既側寫阿喇對亡母的思念,亦默然回首飽歷苦難的上一代;阿喇臨近下車探訪多年不見的夢中人之前,半跪冀望老夫婦的祝福一切順利,既切合印度人習俗,亦表現對長輩的尊重。還有,片首母親送兒子開學禮,最後一場阿喇送愛子上學,兩段截然不同的對話,首尾呼應,煞是精警,窩心暖流,貫徹始終。
道具亦見心思:用膠樽放置汁液沾酥炸球、污穢不堪破爛的運動鞋、訂情之媒人大樹以至手中的螢火蟲火和飛機,皆屬濃情密意的鋪排, 當真相大白時,尤其觸動心弦。
戲中七首悅耳歌曲﹙包括《Kahaani》和《Main Ki Karan?》﹚並非無的放矢,每首都憑歌寄意,盡訴戲中人心中情或者簡潔明快地推進劇情。只因《來自星星的PK》所有插曲實在太出色,又有俊男美女靚景加載歌載舞場面加持下,《喇星夢》歌曲稍為被比了下去;意料之外倒是,本片真的連一場勁歌熱舞也欠奉,猜想是阿米爾汗執意決定吧!實牙實齒證明由其製作的寶來塢好戲,不必依賴歌舞場面招徠賓客,也可叫好叫座,但願如斯這般。
正如凡人來到世間做人,豈可盡如人意十全十美,戲亦如是。正如換個角度看罷,妄想叫印度觀眾一清二楚中國近代史來龍去脈,因應地域和種族有異,始終有點難度;《喇星夢》印度美女初登環球小姐冠軍寶座、板球奪取世一、甘地夫人遇剌身亡 …… 印度以外地區的觀眾猶或明白;然而人民內鬨何解令童年阿喇剪短長髮、參軍阿喇赴邊境戰場與何方敵人對壘、一眾政治人物上台落台前因後果……相信不少香港觀眾基於欠缺熟悉度及代入感, 不免打了折扣,實在非戲之罪。
阿米爾汗另一修改,是女主角有不幸童年,家暴悲劇影響其後人生取向。加重了愛情線, 藉此吸納更多普羅大眾入場,原本無可厚非,畢竟阿米爾汗與卡琳娜卡浦爾(《作死不離3兄弟》女主角)已屆中年,57歲阿米爾汗扮演18歲大學生頗覺突兀;中段兩人感情拖拖拉拉苦戀,糾纏不清得略嫌冗長。幸而,童年兩小無猜、中年阿喇苦盡甘來有情人終成眷屬以至伴侶終需一別的生離死別,處理得宜,會感動的。
的確,兩段手足情篇幅點到即止,比愛情主線更易觸動人心:開口埋口不忘內衣褲的軍隊死黨,的確好攪笑,其後阿喇堅守諾言,履行亡友遺願,開展事業新一頁,創業過程趣味盎然;另一位是阿喇與因戰事而斷腳的對頭人,兩人化敵為友,成為生意夥伴,亦屬不俗妙筆。
可惜,阿米爾汗扮演年輕阿喇,若干表情類近《來自星星的PK》飾演的神經質外星人,熟口熟面之餘,實在用力過度,少了一點驚喜;反而中年蓄鬚留長髮之後,娓娓道來前半生,更順眼耐看;及後重遇夢中人,知悉眼前小童是親生骨肉,驚喜交集,徐徐淚下,那份喜悅歡欣,果真由銀幕飄至台下感染各位觀眾。表情收歛,放輕鬆了,好看多了。
雖然個人最驚喜兼最喜歡仍是《作死不離3兄弟》;但我依然推介《打死不離喇星夢》,因為不只有良心具使命,誠意用作品說話;最重要,是好看,沒悶場;至少,閣下絕不會﹙亦不想﹚途中如廁呀。
呂威廉
當今香港殿堂級導演電影教材《七人樂隊》
真真正正值得支持、值得撐的香港電影《七人樂隊》!電影意思大於票房本身,從電影誕生開始;電影就是會留存於世、電影本身會自己說話、後世自有定義;不知道從何時開始,流量為王之下直接影響電影製作;明明是爛片,只要有流量、製造話題、營銷運作、各種跟風炒作,都能賺到笑,但此與電影本身質量完全無關!完全不尊重電影本身、不認真製作的亂象叢生,到上映期間如路邊要飯般、營銷票房;毒害始終是電影行業本身。
創作內容在此不提,整個項目肯定困難、上映困難,電影本身的藝術價值像當年《阿飛正傳》。感謝讓觀眾看到不一樣的電影之際,在製作費肯定不高之下,各殿堂級導演反璞歸真如回到學生時期製作學生電影般,留存一個案例參考,給後世電影學生借鑑,從中學習,有趣的是若未看未知的觀眾,可邊看邊猜是出自那導演手寫,電影迷必定能猜中,各大導在短片中見真章。
說到向菲林致敬,後輩們亦有太多學習的地方;當年行業由菲林轉數碼之際,所有燈光師都重新學習數碼打燈;現回歸菲林製作過程,說真已忘了,太多故事大白天、世界光進行,省掉燈光預算之餘,在沒有film test之下拍攝。以Low Budget Film製作,美術部:服裝、道具、場景,不用想,因沒有預算,觀眾應見諒。剩下的,又是反璞歸真,回到分鏡與鏡頭運動的基本功夫,如何用鏡頭說故事;現今數碼6-8K,拍三機,出2.5-4K畫質,對反面各拍一次,等於有12個鏡頭可供後期剪接慢慢選擇;現拍回菲林,每一格都是真貴,有看到分鏡強、有看到有鏡頭運動設計,亦有看到用一支 Zoom鏡解決問題,這是說故事的技巧,成當今香港殿堂級導演的電影教材。說真,合預算的優秀攝影師在香港多缺!?
如對白「往事只能回味」,筆者在觀影過程中腦海亦浮現一支《七人樂隊》,回想當年做辦公室助理的日子,在《鐵三角》製作過程中,看到各導演各自的創作方式、飲食風格、個性等,獲益良多;看完東生的遺作亦感觸良多。一定要支持有質量的香港電影!
Kepa
3
九月

《三千年的渴望》

   Posted by: admin    in 香港影評人協會

對愛的追求 曉龍

別以為《三千年的渴望》只是「阿拉丁神燈」故事的變奏,其實前者的情節比後者複雜,前者述說的人生道理亦比後者深刻。片中的的精靈(艾迪斯艾巴飾)出現時創作人運用的視覺特效是其預告片最大的賣點,亦是最具童話色彩的鏡頭,之後他與艾莉菲亞(蒂達史雲頓飾)的多段對話,盡顯影片創作人探討生命本質的野心。最初當他問她有甚麼願望時,她只「家常便飯」地回應,視自己在日常生活中要完成的最簡單事情為自己的願望,因為她對自己的處境十分滿意,沒有任何追求,遑論會有任何渴望;跟著他向她述說自己的過去,涉及他在以往的經歷中如何追求愛,「點燃」了她對他的愛。很明顯,她並非沒有慾望,只「不知情」地把慾望埋藏在自己的心底內,與其說她幫助他重獲自由,不如說他協助她學懂愛的真諦。《三》其實是超現實與現實的結合,精靈出現的超現實畫面與其以愛為主題的生活化情節的配合,是一種「混雜」,可深化原有的童話故事,讓觀眾多思考以「阿拉丁」為本的情節如何觸及生命的本質,怎樣從童話提升至哲理的層次。因此,他與她同樣追求愛,但他比她更早「開竅」,故她需要受到他的刺激,才可把愛從內在轉化為外在的層面,並在日常生活中實踐愛。

此外,英文片名Three Thousand Years of Longing被直譯為《三》,在香港的商業娛樂市場內,算是罕見的處理。或許精靈的前半生別具傳奇的色彩,在三千年裡的愛情經歷最能緊扣觀眾的注意力,亦是全片故事的精粹;相反,艾莉菲亞的前半生平淡如水,沒有浪漫蒂克的愛情經歷,遑論會有刻骨銘心的人生歷練。片中他感染了她,雖然合情合理,但本來含蓄淡雅的她彷彿在得悉他過往的經歷後發現「新大陸」,整個人都變了,這種「點燃」的過程有點急速,欠缺了不同的層次,或許她在一剎那間感性掩蓋了理性,受到他的「刺激」後突然進入忘我的境界,這就像一根火柴被迅速點燃一樣,從女性感性的特質來說,即使她的突變異於常人,當愛的感覺進入她的心靈時,她的「解放」仍算是合情合理。因此,創作人把《三》放在超現實與現實之間,讓他與她的對談及相處混合了虛與實,虛在於他在她面前突如其來地出現的虛幻,實在於他向她談及自己過往在日常生活中的愛情經歷,虛與實的配搭,正好呼應著片名所指的三千年疑幻似真的「歷史」,亦配合著精靈與人類之間假假真真的交往和交流,故《三》的「混雜」色彩,是其在同期的英語電影中「鶴立雞群」之處。

另一方面,與《衰鬼上帝》電影及《魔鬼神探》電視劇相似,《三》的導演佐治米拿找到黑人演員扮演精靈,與《衰》及《魔》以黑人扮演上帝的安排同出一轍。或許《三》與《衰》及《魔》一樣,追求角色方面的「種族平等」,以往黑人常在英語電影中扮演罪犯、酒鬼、貪污警員、監獄職員等暴力狂的負面角色,近十多年來已有不少改變,自從《黑豹》出現後,黑人甚至可以扮演英雄,如今黑人成為上帝成為精靈,已經大幅度地提升黑人在銀幕上的地位,幾與白人不相伯仲。由此可見,《三》延續「種族平等」的潮流,讓黑人有多些演繹正面角色的機會,使他們在大銀幕上有更多發揮的空間,在促使全球社會進步方面,已作出或多或少的貢獻。